Interviste
Domina: Kasia Smutniak presenta la nuova serie Sky Original
Abbiamo avuto l’opportunità di partecipare alla conferenza stampa di presentazione di Domina, nuova serie Sky Original con protagonista Kasia Smutniak, i cui otto episodi saranno tutti disponibili a partire da venerdì 14 maggio su Sky e Now. La serie andrà inoltre in onda in prima serata su Sky Atlantic, con due episodi a settimana.
Prodotta da Sky Studios, Fifty Fathoms e Tiger Aspect Productions, con Cattleya nel ruolo di executive production service, Domina racconta per la prima volta dal punto di vista delle donne le lotte per il potere durante il principato di Gaio Ottaviano, il celebre Cesare Augusto, primo imperatore romano. Una grande coproduzione internazionale girata presso i Cinecittà Studios di Roma, sulla vertiginosa ascesa della terza moglie di Gaio Livia Drusilla, interpretata da Kasia Smutniak: la sua incredibile storia ridefinì completamente le aspirazioni che a quel tempo una donna poteva perseguire, finendo per segnare per sempre le sorti dell’Impero Romano.
A interpretarla nei primi due episodi, da giovanissima, Nadia Parkes. Accanto a Kasia Smutniak un grande cast internazionale: Matthew McNulty nei panni del futuro imperatore Gaio Ottaviano (nei primi due episodi interpretato da Tom Glynn-Carney); Claire Forlani interpreta Ottavia, sorella di Gaio; Christine Bottomley sarà Scribonia, prima moglie di Gaio nonché acerrima nemica di Livia; Colette Dalal Tchantcho nei panni di Antigone, prima fidata ancella di Livia e poi donna libera e sua confidente; Ben Batt interpreta Agrippa, amico d’infanzia di Gaio Ottaviano, suo generale e poi console.
Insieme a loro, una star internazionale come Liam Cunningham (Il Trono di Spade) nel ruolo di Livio, padre di Livia Drusilla, e un’icona della cinematografia mondiale come Isabella Rossellini, che nella serie interpreterà Balbina, maitresse di un lupanare.
Oltre a Kasia Smutniak, alla conferenza erano presenti la regista Claire McCarthy, il Senior director Original Production Sky Italia Nils Hartmann, il creatore e sceneggiatore Simon Burke e le protagoniste Claire Forlani e Colette Dalal Tchantcho.
Nils Hartmann ha raccontato la genesi di Domina:
L’idea di fare una serie ambientata nell’antica Roma girava a Sky da un po’ di tempo. Dopo Il gladiatore e Roma, ci sembrava che potesse essere un’opportunità raccontare quel periodo. Serviva un’idea, per cui siamo andati in giro e abbiamo parlato con case di produzione diverse, lanciando degli ami per capire se c’era qualcosa là fuori. L’idea ce l’ha avuta Simon Burke, che è arrivato con una proposta molto forte, incentrata sul potere della famiglia nell’antica Roma, raccontata dal punto di vista femminile. Un’idea talmente forte e semplice che l’abbiamo subito sposata. Ci siamo appassionati e abbiamo cominciato subito a lavorare sullo sviluppo di quest’idea. Il momento in cui mi sono reso conto che avevamo qualcosa di notevole fra le mani è stata una riunione a Cinecittà, con Claire McCarthy, Simon Burke e produttori, costumisti e scenografi.
Per la prima volta, ho visto i modelli e abbiamo cominciato a vedere i costumi e mi sono reso conto che questa integrazione fra l’eccellenza italiana e un inglese trapiantato in Italia e appassionato di storia romana come Simon sarebbe stata la forza di Domina. Cito una frase di Isabella Rossellini, che in Domina interpreta la matrona Balbina: “Io qui ci manderei le scuole”, riferendosi al set. La ricostruzione artistica e storica che è stata fatta è fondamentale, come lo è il racconto di una serie che ti cattura dal primo episodio. Nella stessa riunione, Claire e il direttore della fotografia Denson Baker ci hanno regalato una visione di luce che sposava la scenografia e i costumi, così è venuto fuori un progetto unico, che è giusto che sia nato in Italia e che abbia avuto questa integrazione internazionale.
Kasia Smutniak ha poi parlato del suo approccio a Livia Drusilla:
L’aspetto che mi ha affascinata di più è che era un progetto costruito intorno a una figura storica di una donna fondamentale per la sua epoca, ma poco raccontata e conosciuta. Poter raccontare in questo momento la sua storia mi è sembrato importante, perché abbiamo bisogno di storie di questo tipo. Abbiamo bisogno di racconti su donne forti ma anche fragili, con i loro percorsi, soprattutto di donne che hanno avuto un grande impatto. Domina mira a raccontare questa epoca dal punto di vista femminile, cosa assolutamente inedita, ed è un progetto che cerca di raccontare la verità dei fatti.
Ho partecipato a tanti biopic, ma spesso si romanza, per rendere la storia più fluida e accattivante. In questo caso invece Simon ha avuto la difficoltà di tagliare fuori alcuni fatti, perché non avevamo il tempo di raccontarli tutti. Ciò che raccontiamo è vero, con la sola eccezione di alcuni personaggi che non sono esistiti. In più è stato fondamentale girarlo a Roma, città dove vivo da parecchi anni. Chi è venuto ha respirato quell’atmosfera, quella luce e quell’energia, che ci sono ancora.
Claire McCarthy ha fatto un accenno alla sua metodologia di lavoro su Domina:
Credo che ci sia una linea sottile fra la ricostruzione storica e la rappresentazione drammatica. Abbiamo lavorato molto bene per trovare i materiali e le prove storiche e nel porci interrogativi, in modo da rendere tutto questo rilevante per il pubblico di oggi.
Simon Burke ha parlato del suo interesse per il personaggio di Livia Drusilla:
È stata la prima persona in cui mi sono imbattuto quando abbiamo cominciato a cercare una donna che avesse potere in quell’epoca. Pensavo che le donne non avessero potere nell’antica Roma, sapevo che non avevano la possibilità di votare o entrare nel Senato. Quando ho scoperto la storia di Livia Drusilla, ho capito che riusciva a esercitare il potere attraverso suo marito e suo figlio e ho scoperto anche che era la più bella ragazza di Roma, proveniente da una famiglia di noti repubblicani e diventata poi la moglie di un tiranno.
Mi sono quindi interessato al suo percorso e al personaggio che ci stava dietro. Gradualmente, abbiamo poi cominciato a sviluppare le due teorie del complotto al centro di Domina: la prima è che Livia sia il genio politico alla base dell’ascesa di Augusto, la seconda che non l’ha fatto per se stessa, ma per ripristinare la repubblica.
Claire Forlani si è poi espressa sul suo personaggio in Domina, Ottavia:
Ottavia è una donna ricca di grazia, molto moderata. Studiando il suo personaggio, ci si rende conto che non proviene da una famiglia nota e che lei e suo fratello sono usciti dal nulla, arrivando però al vertice. Ottavia era determinata ad arrivare in cima e a restarci. Abbiamo quindi compreso la sua forza e il prezzo che doveva pagare per rimanere al vertice. C’erano tante caratteristiche diverse da tratteggiare e come attrice mi è piaciuto molto.
Colette Dalal Tchantcho ha fatto una riflessione sul rapporto fra la sua Antigone e Livia:
Quando ho letto la sceneggiatura, ho capito che Antigone si prende cura della casa e di tutte le questioni pratiche, mentre Livia si occupa della politica e del rapporto con gli uomini. Insieme coprivano ogni aspetto, la percezione era che avessero gli occhi praticamente ovunque. Ci sono diverse scene in cui discutono su quello che hanno scoperto, e tante volte ci sono informazioni o dettagli che passano dall’una all’altra. Ci sono situazioni in cui si salvano reciprocamente, ed è per questo che sono un vero dream team.
Kasia Smutniak ha poi parlato dell’importanza della protagonista di Domina, Livia:
Domina è arrivato al momento giusto per me. Credo che ogni donna quando cresce si guarda indietro, rendendosi conto del percorso che ha intrapreso e della fatica che ha fatto per arrivare dov’è. Quando parlo di fatica, intendo la difficoltà di rimanere se stessa e mantenere le proprie libertà. Serve un po’ di maturità per raccontare questo personaggio, questa storia e queste donne, perché non è la storia di Livia, ma il racconto delle donne di quell’epoca. Domina è importante oggi, perché quando parliamo dei diritti delle donne, come il voto, dobbiamo ricordarci che in tante parti del mondo sono ancora negati. Duemila anni fa, certi passaggi sono stati fatti da donne come Livia Drusilla, che poi sono state cancellate.
Lei è stata forse la prima vera femminista, ha creato leggi per le donne, come quella che sanciva la possibilità per loro di ereditare proprietà, cosa che prima era negata. Le donne erano usate come oggetti di riproduzione, quando divorziavano perdevano tutto, compresi i figli. Le nostre protagoniste sono sempre incinte. Penso che quando le donne guarderanno Domina, riconosceranno tantissime cose, perché raccontiamo aspetti molto intimi. Simon ha avuto una grandissima sensibilità di scrittura e Claire è riuscita a focalizzarsi su aspetti che forse interessavano anche lei a livello personale, fondamentali per la società di oggi. Sapere che 2000 anni fa abbiamo fatto dei passi avanti, che poi sono stati cancellati per tornare indietro, è un campanello d’allarme per capire che quello che stiamo facendo oggi, se non coltivato, può essere cancellato allo stesso modo.
Simon Burke ha poi fatto una riflessione sul pubblico potenziale di Domina:
Io credo che il pubblico di Domina possa essere chiunque. Anche se la storia è raccontata da un punto di vista femminile, è un racconto in cui c’è sangue, violenza, sesso, epica, che può riverberare sul presente perché spiega come si è diffusa la democrazia. È stato un processo lento, orchestrato con grande intelligenza. Usciamo dalla presidenza di Trump, c’è da poco stata la Brexit. Queste corrispondenze mi hanno dato i brividi, perché se guardiamo a quello che è successo negli Stati Uniti ci accorgiamo di come i repubblicani stessero cercando di distruggere la democrazia dal suo interno, che è esattamente ciò che Livia e Augusto fanno in questa storia.
Sono molto intelligenti nel farlo, molto astuti, le persone notano a malapena le loro mosse. Prima che loro se ne accorgano, tutto è sparito. Quello che abbiamo oggi è molto prezioso e non possiamo darlo per scontato, dobbiamo proteggerlo.
Questa la riflessione di Kasia Smutniak sul potere per le donne
In Domina, Livia ha bisogno del potere per sopravvivere. Questo mi ha fatto ragionare, perché quando pensiamo alle donne al potere, forse anche in quel caso ha più a che fare con la sopravvivenza. La libertà di scegliere per se stesse è già potere. Oggi non mi viene in mente una donna simile a Livia, perché stiamo parlando di una donna che per disperazione ha dovuto fare un percorso molto violento, rinunciando a tutto, compresi i propri figli. Oggi ci sono delle figure forti, dei punti di riferimento, ma non vedo un personaggio come Livia.
Anche Claire Forlani ha ragionato sulla rappresentazione del potere in Domina:
Ogni donna nel contesto contemporaneo deve lottare con un senso di disagio. Domina è molto simbolico, perché poche donne possono permettersi di esprimersi pienamente. Non c’è una figura particolare, ma un discorso generale che riguarda le donne, che possiamo alimentare.
Questo invece il pensiero in proposito di Simon Burke:
In quei tempi il potere veniva abusato, tanto quanto usato. Quando perdevi il potere venivi ucciso, era una questione di vita o di morte. All’epoca rischiavi non soltanto la tua vita, ma anche quella dei tuoi cari, che venivano massacrati quando c’erano dei cambiamenti. La posta in palio era nettamente più alta. Quando ha un potere assoluto, l’umanità non lo usa mai bene.
Kasia Smutniak ha infine approfondito il messaggio e i temi di Domina:
Quell’epoca ci sembra folle, molto lontana. La cosa più accattivante sembra la sfarzosità. Conosciamo quell’epoca perché è stata raccontata molto al cinema. La figura femminile più conosciuta è Cleopatra, perché è diventata una sorta di icona pop, in quanto protagonista di tanti film. Di Livia si sa poco o nulla, perché è stata cancellata dalla sua epoca. L’intento di Domina è riportare alla luce il mito di Livia. Credo che sia importante, perché gli storici antichi erano tutti uomini, quindi il punto di vista era sempre maschile. In Domina non vediamo molto la sfarzosità, anche perché racconta l’epoca prima del Colosseo e di tante altre cose. È molto violenta, molto crudele. Chi pensa di sapere tutto su quell’epoca, attraverso questa serie può imparare qualcosa di molto più veritiero.
Per poter interpretare Livia, prima ho dovuto capirla. Le decisioni che prende, soprattutto a proposito dei suoi figli, per una madre oggi sono molto difficili da capire. Noi raccontiamo Livia nel suo intimo, nei suoi momenti più difficili, come la rinuncia ai figli. Lei era consapevole di avere un ruolo specifico, che era fare tornare al potere la repubblica. Aveva dei principi, a cui è rimasta coerente per tutta la vita. Le scene dei parti sono state quelle più emotivamente difficili. Domina è anche una storia d’amore, che indubbiamente era conveniente per entrambi, ma era anche alimentata da una grandissima passione. Il matrimonio è durato 51 anni, fino alla morte di Augusto, ed è stata una storia bellissima da raccontare.
Cinema e social sembrano due mondi che vivono agli antipodi, due poli opposti, due versioni, due modi di narrare totalmente ambivalenti. Eppure i social media ogni giorno cambiano forma, e da mero strumento intrattenitivo, che nasce e muore sulle piattaforme più diverse, sta diventando e assumendo caratteristiche sempre più simili al cinema, nel suo modo di raccontare, di sperimentare, attraverso molecole di realtà, pillole di autofiction, proprio come lo intendeva Serge Doubrovsky, avventure del linguaggio, e del quotidiano. Raccontare la propria vita attraverso uno schermo verticale sembra essere un modo spontaneo di porsi nella propria narrazione, poco strategico, la possibilità di condividere tutto in maniera rude, anche naturale, senza infingimenti. Eppure il regista Magnus Von Horn ha realizzato una riflessione precisa ed efficace sulle contraddizioni e le libertà di un’esistenza trascorsa e spesa sui social media.
La nostra recensione di Sweat
Sweat è l’ultimo lavoro del regista svedese che ha diretto Magdalena Koleśnik nel ruolo dell’influencer Sylwia Zajac, la cui lunga coda di cavallo bionda, gli occhi azzurri e il corpo tonico sono tutto ciò che ci si aspetterebbe di vedere da un’influencer. Sylwia è una fitness influncer – una sorta di erede, epigono di Jane Fonda e del suo celebre Workout – che conduce frequenti lezioni di allenamento attraverso il suo profilo Instagram, che ha più di 600mila followers.
Durante le sue lezioni di fitness sprona e incita i suoi fan, ogni giorno svela i suoi segreti per rimanere in forma, con i suoi regolari post online, in cui mostra prodotti del suo sponsor, cerca di mantenere i suoi follower sempre motivati ad essere in forma come lei. Sui social conduce una vita impeccabile, sempre perfetta. Il suo successo però ha abissi e ostacoli ben visibili per lei. Nonostante la persona brillante che si costringe ad essere online, c’è una tristezza sempiterna dentro i suoi occhi: Sylwia è una persona sola, e le conseguenze del suo perpetuo esibizionismo emotivo spingono lei a fare i conti con la sua fragilità, con la sua vita al di là dei riflettori dei social media e lo stile di vita di un’influencer.
Sweat: l’intervista al regista Magnus von Horn e Magdalena Kolesnik
Abbiamo intervistato il regista Magnus Von Horn e la protagonista Magdalena Koleśnik che ci hanno parlato del film e del personaggio di Sylwia, che ci permette di entrare nella – vera – vita privata di un’influencer.
Ispirazione
Magnus Von Horn: Ci sono state diverse ispirazioni che hanno aiutato a costruire la storia, diverse, ma il film non è basato su nessuno di realmente esistente, abbiamo voluto creare il personaggio di Sylwia non basandoci espressamente su qualcuno di preciso.
Sweat: la creazione del personaggio
Magdalena Koleśnik: Ho lavorato per un anno come allenatrice, ho provato a ricreare il mio corpo e farlo sembrare come una fitness trainer, e ho avuto tantissime conversazioni con Magnus in cui abbiamo parlato di Sylwia, abbiamo costruito tutta la sua storia, il suo passato, il suo futuro, per avere una visione ampia della sua figura. Ho iniziato a lavorare per avvicinarmi al personaggio e ho iniziato a notare cose diverse nella realtà che potevano ispirarmi. Abbiamo fatto molte ricerche sui social media, ho aperto il mio primo profilo sui social, Instagram, e ho anche fatto work out sui social media, per capire al meglio come essere una fitness trainer, come essere un’influencer, come essere una persona che ispira le persone.
Social media, un vero strumento narrativo?
Magnus Von Horn: Si, penso che lo siano. È un modo molto di interessante perché non è una narrazione tradizionale, è un modo davvero vicino alla vita di narrare, una delle cose che mi hanno ispirato di più per Sweat è la narrazione che nasce nelle storie su Instagram, su Snapchat. In quel caso non pensi di creare una narrazione ma sei quella narrazione, attraverso il blog, o condividendo parte della tua vita di tutti i giorni, quel tipo di narrazione è davvero un’ispirazione per me. Certe volte queste narrazioni sono più interessanti, quando cerchi di pensare alle storie, alla loro struttura, penso che la struttura esiste nel modo naturale in cui inconsciamente la puoi creare, ad esempio nel feed di Instagram o nelle storie.
L’evoluzione del lavoro dell’influncer
Magnus Von Horn: Penso che le influencer continueranno ad esistere finché le persone le vorranno seguire o vorranno contribuire alla loro fama, al loro lavoro, così come il cinema sopravviverà finché ci saranno persone che andranno in sala e guarderanno film. Io non ho una premonizione riguardante il futuro di questo tipo di fenomeno, anche perché quel che diventa trend sui social media è sempre una sorpresa per me. Due anni fa, un anno fa, se qualcuno mi avesse detto che Tiktok avrebbe dominato con le sue challenges, con le sue danze, avrei pensato che quel pensiero sarebbe stato veramente circostanziale, strano.
Magdalena Koleśnik: È imprevedibile, penso che diventeremo sempre più virtuali, sono curiosa di vedere come potremmo diventare davvero creature sempre più virtuali; è un poco spaventoso, ma è il futuro, è come il futuro potrebbe essere, non voglio avere paura di qualcosa che probabilmente succederà.
Sweat sarebbe stato diverso se fosse stato ambientato in un altro paese?
Magnus Von Horn: Penso sarebbe stato simile ma diverso, di paese in paese. Dipende dalla cultura, dalla politica, da quel che muove le persone. Se devo paragonare Svezia e Polonia, sono davvero paesi diversi, fatti sì da persone ma che evidentemente sono diverse, quindi anche i social e il loro impatto è differente, come anche può esserlo in Italia, in Germania. Lo si può percepire ne sono sicuro, si può analizzare, farne una statistica su quanti post ad esempio sul cibo vengono condivisi in Italia rispetto ad altri paesi. Se prendiamo ad esempio Svezia e Polonia, questo discorso è molto connesso anche a quel che gli influencer fanno: in Polonia ci sono molti “playboy sexy”, c’è una ipersessualizzazione e un male gaze imperante, mentre in Svezia questo tipo di influencer non va, non funzionerebbe.
Fra i tanti eventi che hanno segnato una convincente edizione della Festa del Cinema di Roma, c’è sicuramente l’incontro del pubblico dell’Auditorium con Tim Burton. Il regista statunitense ha anche ricevuto il Premio alla Carriera della manifestazione dalle mani di Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo e Gabriella Pescucci, che hanno lavorato più volte insieme a lui, contribuendo con i loro costumi e con le loro scenografie al successo delle sue visionarie opere. Come da tradizione della Festa, Tim Burton ha dialogato con il direttore artistico Antonio Monda e con il professore di cinema della Columbia University Richard Peña, ripercorrendo la sua vita e la sua carriera.
Qual è il primo film visto da Tim Burton? A rispondere è lo stesso regista:
Gli argonauti di Don Chaffey, film indimenticabile che vidi in una sala in California. Una sala straordinaria, dove sembrava di stare all’interno di una conchiglia. Ricordo le scene di combattimento con gli scheletri. Questa è stata la mia prima esperienza al cinema.
Tim Burton ha parlato della sua esperienza nell’animazione Disney a inizio carriera:
Orribile. Si tratta dei miei giorni più bui. C’erano moltissime persone di talento e creatività, impegnate in film come Red e Toby nemiciamici e The Black Hole – Il buco nero, che richiedevano 10 anni di produzione. Figure come Brad Bird e John Lasseter, che alla Pixar hanno dimostrato tutto il loro talento ma lì non avevano spazio. Ero veramente pessimo nel lavoro dell’animazione. Molti sottolineavano che i miei personaggi avevano l’aspetto di qualcuno che è stato messo sotto da una macchina. Per fortuna ero così negato che sono passato a fare altre cose.
Tim Burton ha parlato della sua profonda ammirazione per Mario Bava:
Negli anni ’80 andai a un festival del film horror a Los Angeles, una maratona di 48 ore di fila. A volte durante questi eventi si tende ad assopirsi, ma quando vidi La maschera del demonio di Mario Bava per me fu come essere in un sogno, o più spesso un incubo. Pochi sono riusciti a catturare questo stato onirico, oltre a lui anche Federico Fellini e Dario Argento.
Il regista ha parlato del ruolo dell’art director nei suoi film:
Ho avuto la grande fortuna di lavorare con straordinari artisti. Per me la scenografia e la musica fanno parte dei film, sono veri e propri personaggi. Questo vale anche per i costumi, dal momento che ho avuto la fortuna di lavorare con artisti come Dante Ferretti. I grandi con la loro opera danno un altro personaggio al film, che così diventa il mezzo visivo per eccellenza. I miei disegni sono molti primitivi, per me me gli artisti sono fonti di ispirazione.
Una scena di Edward mani di forbice ha permesso a Tim Burton un excursus sul suo processo creativo:
Rappresenta la mia infanzia. Ho sempre amato le fiabe, ero così. Le fiabe permettono di esplorare veri sentimenti aumentandone l’intensità. Io non mi reputo uno sceneggiatore, parto dalle idee e cerco di stabilire rapporti di collaborazione con persone abili in tal senso. Nel caso di Nightmare Before Christmas, non sono partito da materiale mio, ma era comunque qualcosa che mi permetteva di riconoscermi in alcuni elementi. Cerco sempre di trovare qualcosa con cui rapportarmi, aprendomi alle collaborazioni. Un po’ come quando lavoravo in Disney all’inizio, dove si lanciavano spunti e poi ci si ragionava su insieme.
Il regista ha confermato una voce sulla sua ispirazione per Mars Attacks!:
Mettiamo da parte i grandi romanzi. Sono partito dalla carte che avvolgevano le gomme da masticare. Ho avuto un’infanzia un po’ contorta.
Tim Burton ha fatto un accenno al suo rapporto con gli studios:
Io ho fatto soltanto film con gli studios. Sono stato in una posizione un po’ insolita, perché nonostante questo sono sempre riuscito a fare ciò che volevo fare, e non ho ancora capito come. Per fortuna non hanno mai veramente capito cosa stessi facendo.
Il regista ha parlato del suo Batman, considerato molto dark:
C’è molta confusione su questo discorso. C’era chi diceva che il mio Batman fosse molto più dark, mentre altri dicevano il contrario. Ricordo che McDonald’s non era contenta, perché dalla bocca del Pinguino usciva una roba nera e non sapevano come regolarsi con gli happy meal.
Una scena di Big Fish è servita da spunto di riflessione sul budget di un film e sulle proiezioni di prova:
Il cinema è un’opera collettiva che vede la partecipazione di tante figure diverse da loro. Quando sei un pittore lavori da solo, ma il cinema è una fonte collettiva di gioia. Che il film sia a budget limitato o a budget enorme, pensi sempre che non ne hai abbastanza. Ci sono tanti elementi impalpabili e intangibili, ma non mi sono mai sentito limitato. Le proiezioni di prova sono sempre esperienze che incutono grande terrore, perché comportano anche riempire dei moduli nei quali al pubblico viene chiesto il personaggio preferito. Alla fine se ne fa un uso quasi sempre distorto, è molto difficile rendersi conto di quella che è la percezione del pubblico. Io sono sempre terrorizzato dal rivedere i miei film, vorrei godermi la visione ma non ce la faccio.
Per Sweeney Todd – Il diabolico barbiere di Fleet Street, Tim Burton ha collaborato con un grande della musica americana come Stephen Sondheim:
Stephen è geniale, fu un’esperienza difficile fargli vedere il film. Per fortuna gli piacque, cosa che mi riempì di gioia. È una miscela di horror, commedia e musical. Era molto preoccupato perché nessuno degli attori era un cantante. Io però non lo ritenni un problema, sapevo di essere in buone mani con quel gruppo di attori. È stato di grande sostegno, abbiamo cambiato un po’ di cose ma è andata bene. Devo dire che è stato estremamente divertente: anche se può sembrare assurdo, per me è stato come fare un film muto. Mi sono divertito più con questo film che con molti altri.
Una scena di Big Eyes ha portato a una riflessione su questo recente film di Tim Burton:
Mi ricordo che i quadri di Margaret Keane si trovavano in tutte le case. Io li ho sempre trovati inquietanti, mi chiedevo come mai potesse piacere tanto questo tipo di quadro. Questo ci porta a riflettere sul senso dell’arte. Tutti in qualche modo siamo toccati in modo diverso da quello che vediamo. Per me erano inquietanti, altri li trovavano così carini da appenderli alle mura delle camere dei bambini. Questo è il mestiere dell’artista, ad alcuni piaci e ad altri no.
Il regista ha particolarmente apprezzato la mostra su di lui organizzata dal MOMA nel 2009:
La mostra al MOMA è stata una sorpresa straordinaria. Io sono un pessimo archivista, quindi si è trattato di frugare nei cassetti e trovare queste opere. Un’esperienza sorprendente e indimenticabile. Sorprese come queste mi riempiono di gioia. Questa tra l’altro è stata la mostra che in assoluto ha avuto più successo. Io non mi reputo un artista, però fa pensare che le opere d’arte riescano a ispirare altre persone.
L’ultima sequenza proposta è stata di Ed Wood, il film di Tim Burton che ci dice che anche il peggiore regista di tutti i tempi è a suo modo un artista:
Con Plan 9 from Outer Space, Ed pensava di girare Star Wars. Aveva una passione tale che ritroviamo anche nei suoi diari, in cui si reputa fra i più grandi. Questo ci riporta al discorso di prima su che cos’è l’arte.
Tim Burton abbraccia Dante Ferretti
Tim Burton ringrazia Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo e Gabriella Pescucci per il premio
Applaudito all’ultimo Festival di Berlino, Petite Maman è il nuovo attesissimo film di Céline Sciamma, dopo il successo planetario di Ritratto della giovane in fiamme. Da sempre attenta al mondo dei giovanissimi e al tema dell’identità femminile, Sciamma torna alle atmosfere di Tomboy, uno dei suoi film più amati, dimostrando ancora una volta una sensibilità fuori dal comune.
Petite Maman ha per protagonista Nelly, una bambina di otto anni che dopo la morte della nonna passa qualche giorno nella casa di campagna dove è cresciuta la madre, Marion. Nelly esplora la casa e il bosco che la circonda, dove sua madre giocava da bambina e dove aveva costruito la casetta di legno di cui Nelly aveva sentito tanto parlare. Dopo che la madre va via all’improvviso, Nelly incontra nel bosco una bambina della sua età che si chiama proprio Marion e sta costruendo una casetta di legno.
Distribuito in Italia da Teodora Film e MUBI, Petite Maman è stato presentato in anteprima durante Alice nella Città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma, occasione che ci ha permesso di incontrare e parlare con la regista Céline Sciamma proprio del suo ultimo lavoro e delle sue ispirazioni.
Petite Maman: l’intervista alla regista del film, Céline Sciamma
Non c’è magia, non ci sono portali che aprono lo spazio-tempo ma solo uno stacco di montaggio che ci conduce in un’altra dimensione. Hai pensato fin dall’inizio a questa modalità di contrapporre due dimensioni differenti?
Quando ho iniziato a scrivere per questo film, e quando poi ho terminato la prima bozza della sceneggiatura, mi sono resa conto che questo film è un vero e proprio viaggio nel tempo. Allora mi sono cominciata a porre delle domande. E mi sono resa conto anche che non volevo che ci fosse una macchina del tempo all’interno del film, volevo che l’unico aspetto magico fosse quello che dà il cinema. Quando si ha un’idea la cosa più importante è rispettarla, quindi mi sono detta che non volevo avere paura; questa è stata la mia intenzione iniziale, la voglio rispettare, voglio resistere alla tentazione delle convenzioni. Ho voluto che questo cinema rispecchiasse quello che io definisco una sorta di realismo magico, un vero e proprio genere cinematografico, e ho voluto ricreare questa atmosfera di magia primitiva.
C’è una grande cooperazione nel film tra ragazze e tra generazioni diverse, quanto ha lavorato per favorire questo?
Questa è un po’ l’idea che combina l’aspetto gioioso e l’aspetto politico del film, che molto spesso vanno di pari passo. L’idea era di eliminare le gerarchie, creare una sorta di equilibrio tra quella che è una madre e quella che è una figlia. Ed è proprio per questo che ho scelto due sorelle; ho pensato tra me e me, ma se io incontrassi mia madre all’età di otto anni potrebbe essere mia sorella! Ho cercato di passare da quella che è un’idea di genealogia verticale ad una orizzontale, ed è questo che ha portato appunto a questo aspetto della solidarietà, della sorellanza, ed è in questo modo che ho cercato di superare la visione di duo, madre e figlia, fino ad arrivare a un vero e proprio trio, e ho cercato di focalizzarmi su questo ruolo del trio nella storia: madre, figlia e la nonna, che è anche molto importante.
Ritorna il tema dell’infanzia e lo sguardo dei bambini. I bambini possono essere un nuovo pubblico di riferimento? Ci sono dei punti di contatto tra lo sguardo dei bambini e lo sguardo delle donne sul mondo?
Volevo ricreare al cinema questo sguardo sia femminile che infantile, in fondo si tratta di personaggi che non riescono quasi mai a dimostrare o a vivere quella che è la loro integrale individualità. I bambini sono un pubblico che mi interessa molto, non hanno pressione culturale, e con questo pubblico, che è interessantissimo, molto moderno, puoi essere poetica, inventiva.
Quando hai deciso di fare questo film, avevi dei riferimenti del cinema precedente che hai rincorso?
Ho pensato molto al cinema d’animazione giapponese, come Miyazaki, e questo film che ha una connotazione molto pittorica, con l’autunno, i colori, fa molto riferimento a questo cinema d’animazione. Volevo citare un altro film che a mio modesto parere è stato un po’ sottovalutato che è Big, con Tom Hanks, io l’ho visto da bambina, l’ho trovato un film davvero sovversivo, e mi ha colpito molto.
La rappresentazione della maternità al cinema ha subito un cambiamento molto importante, vediamo storie di maternità non performativa, non conforme. Cosa ne pensi di questa nuova ondata?
Me ne rallegro in qualche modo. Io dico sempre che il cinema ha un impatto gigantesco sulla vita delle persone, il fatto che vi siano questi film significa che si è autorizzati anche a fare qualcosa di diverso.
Ascoltiamo abbastanza i bambini?
Penso che oggi come oggi i bambini, come la gioventù, siano davvero in prima linea nelle lotte, nel portare avanti nuove idee, lo vediamo per esempio nel caso del cambiamento climatico. Eppure abbiamo visto in questi anni che in qualche modo l’infanzia e i giovani vengono considerati dei cittadini di seconda classe, come se non avessero delle idee politiche, in realtà dipende tutto dalla struttura che li accolgono, che sia la famiglia, la scuola, la società. Ovviamente io lavoro con i bambini, in questo caso con queste due ragazze, quindi mi sono resa conto di quanto siano capaci di individualità, di impegno. I giovani, i bambini sono i portati di nuove idee, ma non per questo noi non dobbiamo lottare perché queste idee prevalgano, i bambini spesso non hanno il peso politico per portare avanti queste idee: siamo noi che dobbiamo farcene portavoce.
Il suo cinema vive di molte suggestioni, come concilia il suo desiderio di trasmettere un messaggio politico con la libertà interpretativa che lascia allo spettatore?
In fondo non ho un messaggio politico preciso da dare, piuttosto mi baso sulle sensazioni. Non c’è un messaggio, cerco di mettere delle idee, delle idee che poi voglio far stare insieme, più idee ci sono insieme più il film diventa politico; per me è importante che ci sia questa ricchezza di possibilità che ti porta a vivere maggiormente la vita, che ti dà più possibilità di interpretazione, quindi queste idee devono danzare insieme, e lo devono fare in maniera davvero sensuale. Sensuale per questo, perché c’è quest’idea del desiderio, un’idea che dà voglia di avere altre idee.
Io credo sempre che i cambiamenti arrivano dove sono più forti i momenti di resistenza. Dove più c’è oppressione c’è anche più forza di resistenza, forse è anche questo il motivo per cui il cinema borghese, e il cinema più sentimentale, innova poco.
Si parla delle paure dei bambini nel film: da bambina aveva paura di qualcosa?
Avevo paura di tutto praticamente, tanti degli elementi del film ricordano molto della mia infanzia, per esempio gli spazi sono ispirati a ricordi della mia infanzia: l’esterno è proprio girato nella città in cui sono cresciuta. Anche la casa che è costruita proprio in studio è basata proprio su ricordi, e ha molte caratteristiche di quelle che erano le case delle mie nonne. Ho cercato di ricreare una sorta di intimità dello spazio, dell’infanzia stessa, ed è uno spazio e un tempo che non ha una connotazione precisa, io volevo che un bambino degli anni ’50 del secolo scorso e un bambino del 2021 potessero vivere e riappropriarsi di questa storia. L’idea era di lavorare su queste paure, paure dell’infanzia, una delle paure più forti che pervade questo film è la tristezza degli adulti. C’è un unico mostro, questa pantera nera, che simboleggia un po’ tutte le nostre paure, e poi volevo che fosse un’ombra fabbricata da un essere umano, perché i bambini spesso credono che queste paure, questi mostri siano gli esseri umani, i grandi che entrano in scena.
Com’è stato girare un film durante la pandemia?
Sicuramente ci sono molti protocolli da seguire e da integrare durante la lavorazione. Da questo punto di vista questo film ha creato meno problemi nel senso che è stato comunque girato in studio, pochi attori, pochi livelli di interazione fisica. Tuttavia è stato comunque qualcosa di diverso dal solito, io dico spesso che girare un film è una sorta di lockdown personale in qualche modo, e attraverso questo mondo vuoto in realtà riesci a ricreare qualcosa. Questa volta il mondo era veramente vuoto, il mondo intorno a noi; quindi quando eravamo li davanti alla cinepresa, il solo fatto di veder togliere una mascherina, di vedere un volto, sicuramente è stata un’esperienza di grande tensione emotiva. Nel film ci sono tante immagini che sono cariche di questi momenti: proprio questo film così atemporale in realtà è così caratterizzato del momento che abbiamo attraversato.
Il cinema può essere uno spazio sicuro? In cui creare intimità e sorellanza?
Io ho fatto dei film in questo modo, ma ho fatto anche altri film per vivere questo sogno, questa immagine, l’idea di poter ricreare questa comunità fraterna: è un’utopia del cinema. Si fanno dei film per vivere determinate idee, oltre che portarle nel mondo.