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Interviste

Zero: Antonio Dikele Distefano e il cast presentano la nuova serie Netflix

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Abbiamo avuto l’opportunità di assistere alla conferenza stampa di presentazione di Zero, nuova serie originale italiana Netflix nata da un’idea di Antonio Dikele Distefano e prodotta da Fabula Pictures con la partecipazione di Red Joint Film, che sarà disponibile su Netflix, in tutti i Paesi in cui il servizio è attivo, a partire dal 21 aprile.

Il cast è composto da giovani talenti italiani, di prima e seconda generazione: Giuseppe Dave Seke (Zero/Omar), Haroun Fall (Sharif), Beatrice Grannò (Anna), Richard Dylan Magon (Momo), Daniela Scattolin (Sara), Madior Fall (Inno), Virginia Diop (Awa), Alex Van Damme (Thierno), Frank Crudele (Sandokan), Giordano de Plano (Ricci), Ashai Lombardo Arop (Marieme), Roberta Mattei (La Vergine), Miguel Gobbo Diaz (Rico) e Livio Kone (Honey).

Antonio Dikele Distefano, stella nascente nel panorama editoriale italiano, ha scritto la serie, creata da Menotti, insieme a Stefano Voltaggio (anche Creative Executive Producer) Massimo Vavassori, Lisandro Monaco e Carolina Cavalli dando forma a una originale e unica esplorazione di Milano e raccontando un mondo ricco e variegato di culture sottorappresentate, a cui si aggiungeranno significativi contributi presi dalla scena rap.

Zero è diretta da Paola Randi, Ivan Silvestrini, Margherita Ferri e Mohamed Hossameldin. In particolare Paola Randi ha diretto il primo e terzo episodio, Mohamed Hossameldin il secondo, Margherita Ferri il quarto e quinto episodio, mentre Ivan Silvestrini il sesto, settimo e ottavo episodio. La serie è liberamente ispirata al romanzo Non ho mai avuto la mia età di Antonio Dikele Distefano, edito da Mondadori.

Questa la sinossi di Zero:

Zero racconta la storia di un timido ragazzo con uno straordinario superpotere, diventare invisibile. Non un supereroe, ma un eroe moderno che impara a conoscere i suoi poteri quando il Barrio, il quartiere della periferia milanese da dove voleva scappare, si trova in pericolo. Zero dovrà indossare gli scomodi panni di eroe, suo malgrado e, nella sua avventura, scoprirà l’amicizia di Sharif, Inno, Momo e Sara, e forse anche l’amore.

Zero

FRANCESCO BERARDINELLI/NETFLIX © 2021

Antonio Dikele Distefano ha parlato della genesi del progetto Zero:

Si diceva sempre che non esistono attori neri italiani, come non esistono registi neri. Tutti pensavano che fosse quasi impossibile. Invece esistono e bisogna coinvolgerli. L’errore che non bisogna fare è pensare che questa serie parli di tutti i ragazzi italiani. Parla di valori e sentimenti, che sono validi a prescindere dal colore. Quando il colore della pelle non sarà più al centro del dibattito, quando sarà normale vedere serie italiane con persone di altre origini, allora finalmente quella sarà la normalità. Io penso che la lotta sia legata alla normalità. Se in futuro ci saranno più persone nere che lavoreranno per esempio in Rai, sarà più facile poter cambiare anche il linguaggio.

Questo il pensiero del protagonista di Zero Giuseppe Dave Seke:

Molte volte ci si trova in una situazione tale da non riuscire ad accorgerci chi siamo veramente, delle qualità che abbiamo e delle cose che potremmo esprimere. Tante volte ci mettiamo dei paletti che ci intrappolano in queste situazioni dove non riusciamo ad esprimerci. Un po’ a tutti capita di vivere nell’idea di non riuscire a fare una cosa, poi improvvisamente ce la fai, come succede a Omar. Questa serie è la prima serie, ma anche la prima mia esperienza attoriale in generale. All’inizio pensavo di non essere all’altezza, di non riuscire a lavorare in una produzione Netflix, poi mi sono reso conto che si può fare, bastava solo credere di più in se stessi.

La prima cosa che farei se fossi invisibile sarebbe trovare un po’ di tempo per me. Sicuramente mi sono sentito invisibile nel periodo adolescenziale, perché magari non riuscivo a esprimermi, non riuscivo a capire quello che volevo fare. Il fatto di non essere capito mi faceva sentire davvero invisibile. Credo che sia una condizione che tutti noi abbiamo vissuto: il momento in cui non riusciamo a capire e a essere capiti.

Cr. FRANCESCO BERARDINELLI/NETFLIX © 2021

Antonio Dikele Distefano ha continuato parlando delle ispirazioni per Zero e delle possibili conseguenze di questo progetto:

Io sono amante degli anime giapponesi e amo tantissimo i manga. Ho cominciato all’idea di avere un supereroe nero italiano, ma l’invisibilità era una metafora, ispirata al film Ferro 3. Ho messo insieme tutte queste influenze. L’idea del rider arriva prima del lockdown, perché volevamo cercare qualcosa che raccontasse la realtà di tutti i giorni. A Milano ci sono tantissimi rider, soprattutto neri. Il lockdown ci ha dato molto più tempo per conoscerci, siamo diventati molto amici, anche sul set. Siamo riusciti a correggere anche alcune cose.

Mio padre è arrivato in Italia negli anni ’80. Io sono nato nel 1992. Ancora oggi mi chiamano nuovo italiano, ma io ho 28 anni. Ancora oggi si dice spesso “non siamo ancora pronti”, ma è perché non si vuole un cambiamento. Le cose che si cambiano soprattutto attraverso il business. In One Night in Miami c’è un discorso interessante di Sam Cook in proposito. Se dovessimo avere un grande successo, su Netflix in 190 paesi, costringeremmo il sistema a guardare a questo mondo. Zero potrebbe essere l’inizio di un processo, di un cambiamento.

Le prime volte, quando stavamo scrivendo Zero, mi sono reso conto che ero l’unico nero a vivere in un palazzo benestante. Poi un poco alla volta, il barista ha iniziato a darmi confidenza, il gestore della ferramenta ha cominciato a salutarmi. È questo che dobbiamo fare, inserire più persone possibile in modo da renderlo normale. Il vicino di casa non mi chiamerà mai “negro”, mi chiama Antonio.

Sulla stessa lunghezza d’onda Giuseppe Dave Seke:

Penso che Zero sia una grande opportunità per tutte le nuove generazioni. In Zero raccontiamo una storia, ma può fare sfondare una porta per raccontare altre storie come quelle, che oggi in Italia non vengono mai raccontate. Credo che il mondo stia andando molto veloce, anche grazie al web. Da 10 anni a questa parte, ci sono stati grandissimi cambiamenti, per loro è normale avere un gruppo di amici mix. Tante cose non si possono fermare. Oggi c’è Zero, ma se non ci fosse stato Zero ci sarebbe stato qualcos’altro.

Per me partecipare a Zero è stata una favola. Un mio amico mi ha girato un post di Antonio in cui si cercavano attori di colore, con o senza esperienza, per una serie Netflix. Io all’inizio ero un po’ scettico, pensavo di fare perdere tempo alle persone anche solo per un provino. Poi ho inviato un video di presentazione e il giorno del mio compleanno mi è arrivata una mail in cui mi chiedevano di andare a fare un provino a Milano.

Me la sono vissuta con leggerezza, con la voglia di mettersi in gioco ma senza ansia. Questo spirito forse è stata la chiave che mi ha permesso di inserirmi nel cast. Quando mi hanno proposto il ruolo di Zero, ho avuto 30 secondi di felicità, seguiti da 12 ore di paura di non farcela. Lavorare per Zero è stato incredibile, la forza che ho potuto trovare in questo cast è stata fantastica. Ognuno dei miei colleghi mi ha dato qualcosa. Eravamo carichi ogni giorno e ci caricavamo a vicenda.

Questo il pensiero di Beatrice Grannò, che in Zero interpreta Anna:

Zero è già nel futuro, perché mette al centro temi comuni come l’amicizia, l’amore. Racconta la comunità e il senso di appartenenza, e di come il supporto tra amici possa fare la differenza. Il mondo comincia a prendersi cura di te se tu ti prendi cura di lui, questo credo che sia la frase chiave di Zero e il suo messaggio più importante.

Richard Dylan Magon ha parlato di come è stato selezionato per Zero:

Anch’io ho scoperto dei provini attraverso il post di Antonio. Faccio musica da sempre, ma il cinema è sempre stato una grande passione. Avevo il desiderio di poter fare qualcosa del genere, di un progetto così significativo per il nostro Paese. Spero che al pubblico arrivi la forza del gruppo.

Esperienza simile per Daniela Scattolin, che interpreta Sara

Penso che questo sia uno dei progetti che ho desiderato di più. Dopo aver visto il post di Antonio, pensavo solo a Zero. Ero fuori dall’età richiesta di qualche mese, ma l’ho voluto fortemente e mi ha cambiato la vita. Per me Zero rappresenta il volerci essere a tutti i costi. Un progetto così importante in Italia non ci sarà mai più, per cui volevo esserci a tutti i costi.

Anche Haroun Fall (Sharif) ha raccontato la propria esperienza:

Prima di arrivare a Zero avevo già lavorato come attore, ma avevo difficoltà a trovare ruoli. Ero tra i pochissimi attori di seconda generazione ammessi al Centro Sperimentale di Cinematografia, mi rendevo conto di essere un caso anomalo. Quando ho saputo dei provini, ero in tournée con uno spettacolo di teatro sociale, simile per sensibilità alla serie. Zero è stato il primo progetto in cui è stato descritto un contesto normale con protagonisti dei personaggi di seconda generazione.

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Eventi

Jessica Chastain incontra il pubblico della Festa del Cinema di Roma 2021

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Jessica Chastain

In occasione del lancio del nuovo film che la vede protagonista Gli occhi di Tammy Faye, Jessica Chastain ha incontrato il pubblico della Festa del Cinema di Roma 2021. Come da tradizione della Festa, dopo una breve introduzione relativa al film in cui Jessica Chastain interpreta la telepredicatrice Tammy Faye Bakker, l’incontro si è svolto alternando spezzoni della carriera della protagonista con commenti e pensieri della diretta interessata.

In apertura, Jessica Chastain ha parlato proprio de Gli occhi di Tammy Faye, che la vede coinvolta anche nel ruolo di produttrice:

Jessica Chastain

Sono stata coinvolta nel 2012, mentre stavo facendo l’attività stampa per Zero Dark Thirty. Sono stata colpita dalla storia di questa donna, e volevo darle vita prima ancora di avere una mia casa di produzione, per cui ne ho acquistato i diritti. A me piace essere provocatrice nelle scelte che faccio, volevo ribaltare il tutto, senza discutere di scandali e pettegolezzi ma raccontando invece una storia d’amore. I figli di Tammy sono stati coinvolti, li ho incontrati prima di girare perché pensavo che fossero rimasti feriti e carichi di cicatrici. Volevo che loro sapessero che la mia intenzione non era il trauma umano, ero interessata all’amore. Mi hanno aiutato tantissimo, raccontandomi il profumo della loro mamma e facendomi immergere il più possibile nei loro rapporti. 

Jessica Chastain ha ricordato Zero Dark Thirty di Kathryn Bigelow, uscito nel 2012:

Jessica Chastain

Amo Kathryn. Per preparare il personaggio di Maya ho fatto tantissima ricerca, è stata un’immersione. Ero da sola, non avevo ancora una famiglia. Avevo riempito tutte le camere d’albergo con le immagini, forse qualcuno ha pensato che fossi diventata matta… e forse era vero. Ho seguito alla lettera lo script, perché la terminologia è molto tecnica e quindi non potevo improvvisare. Ho avuto il grande vantaggio di parlare con la donna che ho interpretato e ho capito come fosse ossessiva, rimanendo scioccata da quanto la CIA facesse affidamento sulle donne già allora. Mi è stato detto che all’epoca hanno capito che c’era un gruppo di donne e bravissime e capaci di guardare il quadro più ampio delle cose. 

Un altro successo di Jessica Chastain è sicuramente 1981: Indagine a New York:

Jessica Chastain

Ogni volta che interpreto un personaggio devo trovare un seme di connessione con cui identificarmi. Anche se è qualcuno lontano da me, come in questo caso, capisco immediatamente se c’è connessione. Anche se devo interpretare una serial killer, devo avere un punto in cui potermi identificare a qualche livello.

Inevitabile una menzione al capolavoro di Terrence Malick The Tree of Life, che la protagonista ha ricordato con tangibile commozione:

The Tree of Life mi commuove perché insegna la bontà, la grazia e anche a diventare un essere umano migliore. Tutte le qualità che ammiro di più, Terry le rappresenta. È il mio film preferito, e nel farlo c’è stato un senso di giocosità e di famiglia. Per me è stato incredibile in termini di recitazione, perché dovevo essere aperta e soprattutto essere umana. È un progetto separato dal resto della mia carriera. Non sembra un film, è più una poesia per immagini. È l’unico mio film che non sono stata in grado di guardare. Mi auguro che quando non ci sarò più, questo sarà il film che la mia famiglia guarderà per sentire la più forte connessione possibile con me.

In conclusione, la star ha parlato anche di Scene da un matrimonio e del suo prossimo lavoro:

Ovviamente, conoscevo e amavo Scene da un matrimonio di Bergman. Amo Liv Ullman, che mi ha anche diretta in un film. Ho letto il suo libro, conosco la figlia. Se me l’avessero proposto come un puro remake in cui interpretare Marianne avrei detto di no, perché c’è una sola Marianne. Visto che si trattava invece di una modernizzazione, ho pensato che sarebbe stata un’idea interessante: una donna con desiderio sessuale, insicurezza, complicazioni e affetti, tutte cose che la rendono umana.

Sono una persona aperta, io e Oscar Isaac riusciamo a leggerci il pensiero. L’altro giorno siamo stati a un talk show e ancora prima che lui facesse la battuta sapevo che cos’avrebbe detto. Questo continua a sorprendermi. In Scene da un matrimonio avevamo take di 20 minuti, ma c’era tanta fiducia, anche se ci si poteva ferire. Ci sono stati momenti in cui mi sono chiesta: questo è Oscar o Jonathan? A momenti arrivavamo alle mani.

Il mio prossimo progetto sarà una miniserie su Tammy Wynette, famosa cantante country. Michael Shannon sarà con me, ci conosciamo da più di 10 anni, dai tempi di Take Shelter. Ho trovato interessante che una come me potesse interpretarla, cantando anche le canzoni. Mi piace esplorare il mondo della musica, perché cantare mi fa sentire a disagio, e io voglio sentirmi a disagio. 

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L’ombra di Stalin: intervista alla regista Agnieszka Holland

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L'ombra di Stalin

Grazie a Blue Swan Entertainment, abbiamo avuto la possibilità di incontrare Agnieszka Holland, regista de L’ombra di Stalin, disponibile on demand sulle principali piattaforme e in home video a partire dal 19 agosto. Il film racconta la drammatica vicenda dell’Holodomor, carestia che si abbatte sull’Ucraina dal 1932 al 1933 causando milioni di morti, anche a causa delle azioni dell’URSS e di Stalin. Fra i protagonisti, troviamo James Norton, Vanessa Kirby e Peter Sarsgaard. Questa la sinossi ufficiale del film:

1933. Gareth Jones è un giovane e ambizioso giornalista gallese che si è guadagnato la notorietà per essere stato il primo giornalista straniero a intervistare Hitler. Alla ricerca della sua prossima grande storia, si concentra sull’utopia sovietica chiedendosi come Stalin stia finanziando la rapida modernizzazione dell’Unione Sovietica. Decide allora di recarsi a Mosca con l’obiettivo di ottenere un’intervista con lo stesso Stalin. Una volta nella capitale russa, ha modo di incontrare Ada Brooks, una giornalista britannica che gli rivela come la storia del regime sia del tutto diversa da quella che trapela.

Apprendendo della carestia indotta dal governo, Gareth riesce a eludere le autorità e si reca clandestinamente in Ucraina, dove è testimone di una delle più grandi atrocità della storia: milioni di persone vengono lasciate morire di fame per rivendere il grano all’estero e finanziare con i ricavi l’impero sovietico. Ritornato in patria, Gareth pubblica un articolo in cui rivela gli orrori a cui ha assistito ma le sue denunce vengono presto smentite dai colleghi occidentali di stanza a Mosca, costretti dalle pressioni esercitate dal Cremlino.

Mentre aumenta il numero delle minacce di morte che riceve, Gareth si ritrova a dover lottare in nome della libertà quando la sua strada incrocia quella di un giovane autore di nome George Orwell con cui condivide le sue scoperte.

L'ombra di Stalin

A L’ombra di Stalin è legata qualche esperienza personale? Si riconosce in qualcuno dei personaggi?

Il mio scopo era quello di supportare la verità e di parlare di una vicenda scomoda e poco diffusa. Ho un gene della giustizia che mi caratterizza, un bisogno di raccontare la verità. Però, mi ritengo molto meno coraggiosa di quanto sia stato Mr. Jones. Non sono un’eroina, ho solo cercato di raccontare le gesta di altri.

Che cos’ha pensato quando ha letto la sceneggiatura?

Ero molto scettica quando ho ricevuto la sceneggiatura, perché avendo girato già tre film sull’Olocausto ricevo moltissimi pitch da parte di registi e case di produzione che riguardano tragedie umanitarie. Raramente mi attraggono come ha fatto questa storia. Il motivo per cui mi ha particolarmente colpita è che era una storia sconosciuta al pubblico, perché molto spesso si parla dei crimini commessi da Hitler e meno di frequente di quelli perpetrati da Stalin. La non conoscenza di questi fatti ci impedisce di cogliere l’impatto che hanno avuto sul nostro presente e sulla storia in generale.

Ho trovato molto interessante la storia raccontata attraverso questo giornalista, che di base è una persona onesta e semplice. Il suo punto di vista permette di creare un collegamento molto interessante fra la situazione dell’epoca e la percezione della nostra cultura. Per me è stato molto importante anche il fatto che questo soggetto evidenziasse il ruolo del giornalismo, perché allora come oggi è importante capire quanto la comunicazione sia polarizzata dai media e utilizzata per manipolare il pubblico. La corruzione dei media che emerge da questa storia è sicuramente un punto di interesse, rilevante a quei tempi e anche adesso.

Qual è l’impatto che queste opere possono avere sugli spettatori e come possono illuminarci la mente?

Sicuramente ci deve essere il momento giusto ma anche la disponibilità da parte del pubblico a ricevere un film che parla di determinati temi. I film possono aiutare a provare una determinata esperienza e a sentire i pericoli del passato che si ripropongono nel presente. Il passato non è mai solo passato, è anche un percorso che il presente sta seguendo e che eventualmente potrebbe influenzare il futuro.

Mentre stavo preparando L’ombra di Stalin, ho letto un’inchiesta fatta in Russia su quale secondo i russi è stato il leader di maggiore successo della nazione. La risposta è stata Stalin, nonostante gli omicidi, per la maggior parte di russi. È come se a una domanda del genere, i tedeschi indicassero Adolf Hitler come il miglior leader della storia della Germania. In questo momento storico di incertezze e sfide è estremamente facile l’insorgenza di partiti populisti di destra con influenze di estrema sinistra. È molto facile essere attratti, confusi e manipolati dalla politica e da personaggi di questo tipo. Molte persone negli Stati Uniti credono a Trump e credono che la vittoria elettorale di Biden sia stata una frode, e che lui sia un pedofilo e un cannibale. Tutte invenzioni frutto della manipolazione dell’opinione pubblica.

Sarà sempre più difficile disinteressarsi alla politica e forse i film possono aiutare a porsi delle domande e a lanciare segnali di allarme.

L'ombra di Stalin

All’inizio de L’ombra di Stalin, a proposito de La fattoria degli animali George Orwell dice: “Volevo raccontare una storia facilmente comprensibile da chiunque. Una storia così semplice che persino un bambino potesse capirla. La verità era troppo strana per dirla in un altro modo”. Questo è stato anche il suo approccio al film e ai fatti narrati?

Quello che ho cercato di fare è stato rendere lo storytelling interessante e accattivante, con un ritmo di narrazione che non fosse piatto. Rispetto ad altri film che ho fatto, raccontare questa storia è stato più facile, perché era più semplice identificare il bene e il male, soprattutto con un personaggio principale così puro e onesto. Per quanto Orwell non sia così semplice da leggere, ho trovato fondamentale il suo modo di presentare la storia e l’introduzione del suo personaggio nel film.

Il nonno della scrittrice Andrea Chalupa era un sopravvissuto dell’Holodomor. Si è ritrovato in Germania alla fine della seconda guerra mondiale ed era registrato in Russia come uno dei tanti soldati che non avevano fatto ritorno a casa. Lui e degli amici hanno trovato il libro de La fattoria degli animali, l’hanno letto in inglese e hanno pensato subito che raccontasse la loro storia. L’hanno quindi tradotto in ucraino e la loro traduzione è stata una delle prime traduzioni del libro. C’è una sorta di collegamento mistico fra la storia e il film.

Ci può dire qualcosa sull’evoluzione del protagonista de L’ombra di Stalin e sulle scelte di fotografia?

Il protagonista all’inizio è semplicemente una persona curiosa, un ragazzo brillante che è a caccia della notizia. Ha chiaramente intuito la verità degli eventi e il fatto che i conti non tornavano nella gestione dell’economia di Stalin, ma allo stesso tempo non era sua intenzione diventare il portavoce del popolo ucraino. C’è un’evoluzione data dal peso della responsabilità e dal suo desiderio di raccontare questa storia. Non volevo forzare troppo le palette della fotografia perché non volevo che si distinguessero chiaramente la fame e l’opulenza. Sono state scelte abbastanza naturali. Noi siamo arrivati a girare in Ucraina a marzo, nello stesso periodo in cui il vero Jones ha fatto il suo viaggio, e abbiamo trovato una condizione climatica dura, con -15 gradi e la neve alta, quindi ci siamo ritrovati già sul set del film. Non abbiamo fatto particolari correzioni a livello di colore.

Come avete lavorato per ricostruire ciò che Jones poteva vedere? Quali fonti avete utilizzato?

La maggior parte delle fonti sono testimonianze orali. Ci sono circa 1000 persone sopravvissute, soprattutto persone rifugiate in Polonia. Ci sono pochi documenti scritti, fra cui testimonianze di altri giornalisti. La scena del carretto con il neonato ancora vivo è realmente avvenuta ed è stata riportata proprio dal nonno della sceneggiatrice, di cui parlavamo prima. L’assurdità di tutta questa storia è che non si sa il numero preciso di vittime, gli storici sono incerti fra 3,5 e 9 milioni, il che significa che la maggior parte delle vittime sono senza nome, dimenticate, senza un luogo in cui riposare. Tutti i registri dell’epoca sono stati distrutti da Stalin. Un altro motivo per cui era mio dovere raccontare questa storia.

Come ha lavorato con James Norton? Avete fatto prove?

Sono stata soddisfatta dal cast del film. Quando si gira un film indipendente la necessità è quella di avere un cast importante per riuscire ad avere i finanziamenti. Il processo di casting ha richiesto quasi un anno e mezzo. Ho lavorato con un direttore molto bravo, che ha invaso la sceneggiatura agli attori, fra cui James Norton. I provini si sono svolti anche online, perché non tutti si trovavano nello stesso posto. James mi ha colpito particolarmente, è un ragazzo intelligente e serio. Ha fatto molte ricerche, perché non conosceva questa storia. Vanessa Kirby poi è più forte della vita stessa. Il budget si è aggirato intorno agli 8 milioni di dollari.

Vanessa Kirby

Un cenno di Agnieszka Holland sulla sua carriera:

Non ho mai pianificato di fare la regista a Hollywood. Volevo fare film in Europa, poi mi sono trovata a lavorare negli Stati Uniti soprattutto per via del successo del mio film Europa Europa. Non sono rientrata in Polonia per un po’ ma ho trovato comunque un ambiente florido in cui lavorare. L’indipendenza nel fare un film a Hollywood diminuisce con l’aumentare del budget, ancora di più per una regista donna. Ce l’ho fatta comunque, perché ho perseverato e non ho mai voluto fare film politici, ma semplicemente essere me stessa. Alla fine degli anni ’90 mi sono resa conto che se avessi voluto raccontare un certo tipo di storie l’avrei potuto fare solo in televisione o col cinema europeo, quindi sono rientrata.

Anche alla luce delle critiche agli Stati Uniti che si percepiscono ne L’ombra di Stalin, quali sono i mostri di cui avere paura oggi?

La chiave di lettura rispetto agli USA è che il capitalismo pone problemi di ingiustizia sociale, economica e razziale. Io comprendo le persone che hanno creduto al comunismo, che poi però si è rivelata utopica. Il capitalismo fa da base a queste crisi che esplodono e portano attrazione verso un altro sistema politico. Volevo raccontare una storia semplice, ma quello che ci sta dietro è sempre molto più complesso.

L'ombra di Stalin

Come ha lavorato sulla colonna sonora?

Ho lavorato anche in altri film col compositore Antoni Lazarkiewicz. Lui è attento e intelligente nel comporre una musica che rifletta la storia. In questo caso abbiamo deciso di avere una musica che accompagnasse il ritmo e il movimento del protagonista e della società sovietica. Serve a dare vivacità a L’ombra di Stalin e al suo racconto. In Ucraina non c’è musica, solo la canzone cantata dai bambini, i cui testi sono originali.

Ci può parlare della sua collaborazione con Ed Harris?

Ed Harris è uno dei miei cari amici, nonché fratello astrale, perché siamo nati lo stesso giorno in anni diversi. Abbiamo già lavorato in altri film insieme, l’ho visto qualche settimana fa a Los Angeles e ci siamo ripromessi di girare ancora insieme prima di diventare entrambi anziani. È una delle persone più oneste che abbia mai conosciuto.

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Interviste

Naufragi: Micaela Ramazzotti e Stefano Chiantini presentano il film

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Naufragi

Abbiamo avuto l’occasione di partecipare alla presentazione di Naufragi, film di Stefano Chiantini con protagonista Micaela Ramazzotti. Naufragi è distribuito da Adler Entertainment, dal 9 luglio sulle principali piattaforme on demand (fra cui Apple TV, Google Play, Amazon TVOD, Rakuten e Chili) e dal 16 luglio su Sky. Il film è una produzione World Video Production con Rai Cinema, in coproduzione con la francese Offshore. Questa la sinossi ufficiale di Naufragi:

Maria, Antonio e i due figli sopravvivono a fatica con il solo stipendio di lui. Nonostante le difficoltà, sono una coppia unita e si amano incondizionatamente. Quando un evento tragico stravolge le cose, Maria deve lottare con tutte le proprie forze per tenere unita la famiglia…

Stefano Chiantini, Naufragi è scritto pensando a Micaela Ramazzotti?

Sì, il film è nato pensando a Micaela. La mia era un’ambizione, una velleità, perché non avevo la certezza che lei avrebbe partecipato a Naufragi. Ho sempre scritto pensando che lei potesse essere la protagonista, poi ci siamo conosciuti e tutto si è concretizzato. Ho quindi affinato la scrittura, perché conoscendola ho colto degli aspetti personali di lei che prima immaginavo soltanto attraverso il suo lavoro. Dopo aver conosciuto la sua forza, la sua passione e la sua fragilità, le ho riportate nel suo personaggio.

Micaela Ramazzotti, cosa ti ha colpito di più del tuo personaggio?

Mi ha colpito il fatto che Maria è nata storta. È una buona a nulla in questa vita, si sente un’inetta, un’incapace. Ha paura di affrontare anche le piccole cose della vita, e quando arrivano i grossi traumi addirittura nasconde la testa sotto il cuscino. Io sono appassionata delle peculiarità e delle debolezze umane, per cui quando incontro personaggi come questi, vulnerabili e stravaganti, per me è un regalo. Mi piace mettere luce su certi personaggi, ho un’inclinazione ad amare chi ha debolezze e paura di vivere.

Stefano Chiantini, dove è ambientato Naufragi?

Siamo nel Lazio. La location precisa è Civitavecchia, anche se non la cito mai. Mi piace raccontare le province, i non luoghi, senza identificarli perché i fatti potrebbero succedere ovunque. Mi piace raccontare la provincia meccanica, con le luci della centrale elettrica sullo sfondo, i fabbricati in metallo come simbolo del progresso mai arrivato, già passato senza diventare presente.

Micaela Ramazzotti, come ti sei avvicinata al dolore della protagonista di Naufragi?

Mi sono fatta guidare da Stefano, perché avviene tutto come se fosse matematico. C’è un tempo ben preciso in Naufragi, che è un film dove si affrontano il dolore per il lutto e la ripartenza successiva, che forse è ancora più dolorosa. Io sono appassionata di film di Lars von Trier come Le onde del destino, che ho visto tante volte, e di John Cassavetes, che spesso raccontano le debolezze umane. In questo caso c’era il lutto, che è raccontato in modo da arrivare piano piano. L’approccio di Stefano è anche lieto, lascia della speranza.

Micaela Ramazzotti, come si pone il tuo personaggio nel dibattito sulla maternità?

Il mio personaggio si trova con due figli, ma è il marito che si occupa di tutti e tre. Lei non vuole avere a che fare neanche con le bollette di casa, piuttosto le strappa. Maria scappa dalle responsabilità sociali perché sono troppo per lei. Vive la maternità quasi come una sorella maggiore screanzata, come se avesse un disturbo dissociativo. La vediamo all’inizio bloccare l’autobus con grande impeto, poi scendere nelle viscere del suo dolore. È un personaggio pieno di sfaccettature e sono molto grata a Stefano per avermi pensata. Maria è una donna molto coraggiosa, non credo che la parola fragile la rappresenti. Lei cade sempre in ginocchio e riesce a rialzarsi.

Naufragi

Stefano Chiantini, cosa ti ha ispirato per la scrittura di Naufragi?

La mia scrittura nasce gradualmente. Ci sono situazioni che osservo intorno a me che metabolizzo e tornano fuori. È difficile dire quale sia l’avvenimento che ha portato a Naufragi, ma io sentivo il bisogno di raccontare l’animo umano femminile alle prese con l’elaborazione di un lutto, nel tentativo di resistergli. È qualcosa che ha sedimentato dentro di me per molto tempo e piano piano ha preso forma.

Stefano, qual è stato il percorso che hai fatto per arrivare alla produzione di Naufragi? Quali sono stati gli ostacoli?

La produzione ha creduto in Naufragi ancora prima dell’arrivo di Micaela, che poi ovviamente è diventata un valore in più. Questo per me è stato molto importante, perché era sintomo del fatto che credevano nel mio progetto. Naufragi è un film coraggioso, quindi si portava dietro delle difficoltà oggettive, legate anche al fatto che io non sono ancora un regista super affermato. È stata una scommessa per tutti, ma ho avuto la complicità totale della Rai e della produzione. 

Samanta Antonnicola di Rai Cinema sul progetto Naufragi:

Questi progetti non ci spaventano, li vogliamo fare a tutti i costi. Naufragi è forte ed empatico, entra dentro il dolore in modo sincero e autentico. La regia di Stefano è molto elegante, depone le armi e lascia che lo spettatore venga preso in carico dai personaggi. Siamo molto contenti, perché è difficile fare film di questo tipo sul dolore.

Micaela, cosa ti ha dato il personaggio?

Mi sono molto divertita a interpretare Maria. Tornavo a casa felice ed ero entusiasta mentre giravamo, perché Stefano mi lasciava totale libertà. Lui metteva le macchine, poi parlavamo insieme di come poterla fare. C’è stata molta allegria tra di noi, perché si sentiva la voglia di partecipare al film. Naufragi è stato interrotto durante la pandemia e l’abbiamo ripreso a giugno, siamo stati il primo set a riaprire. Stefano è andato in ordine cronologico, e questo è stato un aiuto per la mia interpretazione. Mi sono divertita a togliere, come nella seconda parte del film, dove parlo pochissimo. Così tanta sottrazione non mi era mai capitata. Maria mi ha lasciato un ricordo meraviglioso.

Stefano, perché hai scelto di non svelare quasi nulla del passato della protagonista di Naufragi?

Mentre scrivevo, mi sono posto il problema della provenienza del personaggio di Maria, di cosa ci fosse prima dello spaccato che ho deciso di raccontare. Ho però fatto la scelta di non dare troppe spiegazioni e di scardinare il bisogno convenzionale di raccontare quello che c’è dietro un personaggio. I fratelli Dardenne l’hanno fatto in molti loro film, non sono il primo. Maria vive dell’amore delle persone che vediamo in Naufragi.

Naufragi

Micaela, cosa accomuna Maria e il personaggio di Rokia, interpretato da Marguerite Abouet?

Maria e Rokia sono due persone buone. La vita con loro non è stata molta generosa. Si incontrano, si guardano, si scrutano. All’inizio è Rokia che studia Maria, poi il contrario. In totale assenza di sentimenti, Maria comincia ad avere curiosità verso un’altra persona e inizia a emanciparsi.

Marguerite Abouet, cosa pensi del rapporto di Rokia e Maria?

Queste due donne hanno in comune un passato doloroso, che le ha portate a costruirsi una corazza difficile da spezzare. Sono due donne estremamente diffidenti, che non hanno fiducia nelle persone. Costruendo il loro rapporto, riescono però a superare questa sofferenza.

Stefano, la mancata uscita in sala di Naufragi è una privazione o un’opportunità?

Io tendo a vivere prendendo il bene da quello che arriva, per cui la considero un’opportunità. È chiaro che per un regista il cinema in quanto tale è sempre fondamentale, e che vorrei fare anche attraverso mini tour. Naufragi nasce con l’idea del cinema e sarebbe bello vederlo anche sul grande schermo.

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