Interviste
Michel Franco presenta Nuevo Orden a Venezia: “Il mio film è un monito”
Stamattina si è tenuta la proiezione riservata alla stampa di Nuevo Orden, nuovo lavoro di Michel Franco presentato a Venezia 77 e serio candidato per ricevere uno o più premi della manifestazione. Il film è un dramma distopico ambientato in Messico e incentrato su una rivolta sociale che travolge il ricevimento di un matrimonio, pieno di membri dell’alta borghesia. A seguire, si è svolto un incontro con i giornalisti, che ha visto la presenza dello stesso Franco, degli interpreti Naian González Norvind, Diego Boneta e Mónica del Carmen e della produttrice Cristina Velasco.
A rompere il ghiaccio è stato proprio Michel Franco, che ha parlato della genesi di Nuevo Orden:
Ho cominciato a pensare a Nuevo Orden 5 anni fa, e ho ultimato la sceneggiatura 3 anni fa. Per me è una sorta di monito: “Non arriviamo a quel punto”. Cinque anni fa non avrei mai pensato che al momento dell’uscita il mondo sarebbe stato così vicino a questa distopia. La pandemia ha ulteriormente aggravato la situazione: i gilet gialli in Francia, i disordini in Perù e Colombia, fino al movimento Black Lives Matter. Ogni paese, per motivi diversi, affronta queste situazioni, perché la gente è scontenta, e ho paura che i governi si approfittino della situazione.
A seguire, ha preso la parola Diego Boneta, che ha descritto il suo rapporto con il suo personaggio e con lo stesso Franco:
Quando Michel ci ha parlato della sceneggiatura e l’ho letta ho pensato che fosse un capolavoro, perché cammina diretto e dipinge i personaggi in modo tale da permetterti di identificarti con loro. Ti domandi spesso se avresti fatto la stessa cosa al posto loro. Il lavoro ha richiesto tante prove con tutti noi e tante discussioni con Michel sui nostri personaggi, e sul mio in particolare. Una cosa che Michel voleva è che non fosse del tutto cattivo, che si vedesse la sua trasformazione e che il pubblico potesse immedesimarsi con lui. È stato un grande lavoro di squadra nelle prove: Michel fa tante riprese, era come fare teatro dentro al cinema. Ci ha trasformato in una grande famiglia, ed è stato un onore fare parte di un film con grandi personaggi femminili, sia dentro che fuori dal set.
Sulla stessa lunghezza d’onda Mónica del Carmen:
Io vengo da una comunità indigena e ho visto persone per cui è difficile accedere al benessere, alla salute e alle tutele sociali. Nuevo Orden proponeva personaggio che si trova in questa disuguaglianza, un personaggio che aveva tanti punti con me. Ho potuto studiare quello che volevo. Michel chiede sempre un tono specifico per recitare e per me era molto importante sapere di cosa si stava parlando e di come veniva affrontato. Bisognava interiorizzare e mettersi nei panni del personaggio in modo molto razionale e cosciente, come del resto è il cinema di Michel.
Il personaggio ci porta agli estremi e ci spinge a chiederci qual è la nostra prospettiva sulla disuguaglianza, a riflettere su cosa succederebbe se questa disuguaglianza fosse reale. Il mio personaggio l’ho vissuto da vicino dal punto di vista della ragione e della coscienza. Questo film è molto denso e affronta un argomento molto delicato di cui bisogna assolutamente parlare, perché altrimenti continueremo a vedere queste manifestazioni di razzismo e disuguaglianza.
Questo invece il punto di vista della protagonista di Nuevo Orden Naian González Norvind:
Conosco Michel da tanti anni, ed è stato interessante lavorare con lui, fidandomi di lui. È stato un film difficile, ma questa sfida mi ha incoraggiato a fare il film con lui. Quando ho letto la sceneggiatura, l’ordine degli eventi era diverso, si cominciava con una bomba. Sono stata presa completamente dal personaggio e dalla situazione. Il modo in cui Michel lavora è interessante, nei suoi film ci si immaginano riprese lunghe e statiche, e invece stavolta ha lavorato diversamente dal punto di vista visivo. La cosa che ricordo di più è il movimento, la sensazione di camminare come tessendo insieme le varie parti del film. Nuevo Orden in questo senso è molto teatrale, giravamo scene di 10-15 minuti con molte prove prima. Michel vuole che i suoi attori capiscano che sono pezzi di un puzzle, non singole storie, e che non serve essere super espressivi per esprimersi.
Franco ha ripreso la parola per parlare della sua regia, soffermandosi sui paragoni fra Nuevo Orden e il cinema di Robert Altman:
Per me il paragone con Altman è un complimento. Sono un regista con più luce, mi piace avere più punti di vista. Quello che può sembrare naturale e fluido in realtà è dare agli attori la possibilità di descrivere un personaggio e lavorare in modo completo, non necessariamente con la cinepresa su un singolo attore. Cerco sempre di mantenere alto il livello energia, parliamo molto dell’argomento. In Nuovo Orden ci siamo mossi come in un matrimonio vero. Se succedesse qualcosa di questo genere, nessuno se ne accorgerebbe, perché la famiglia è impegnata a organizzare un matrimonio e discute di piccolo cose, senza vedere arrivare la tempesta. Il mio direttore della fotografia mi diceva che era difficile tenere tutto in una scena e mi spronava a fare tutto con un’unica ripresa, cosa che vale la pena soltanto se funziona.
Il regista ha poi continuato la sua analisi, facendo un parallelo fra lo scenario di Nuevo Orden e la realtà messicana:
Sono cresciuto in Messico e queste cose che sembrano straordinarie, e che dovrebbero essere strane, in realtà sono una follia in cui si cresce considerandole normali. È una società corrotta, ma non è una realtà solo messicana. Crescendo lì, si può cominciare a chiedersi perché succede. Perché non si ferma. Per me è normale pensare che prima o poi questa situazione esploderà. Il COVID-19 scuote ancora di più le fondamenta, questi momenti pazzi mettono a dura prova la società e come le persone si relazionano fra loro.
Non voglio sembrare pessimista, ma stiamo vedendo che non c’è nessuna empatia per chi è più sfortunato di noi. Non ho fatto questo film per mandare un messaggio, non credo che sia questa la funzione del cinema. Nuevo Orden è un monito. La mia paura è che molti governi impieghino soldi nell’esercito, per controllare le persone a causa della paura che esploda la situazione, e che questo denaro venga sottratto alla cultura, come se la cultura fosse accessoria.
Sulla stessa lunghezza d’onda Diego Boneta:
Nuevo Orden è un incubo che si realizza, è la paura di ogni messicano. Il COVID-19 ha creato ulteriore confusione. Abbiamo girato questo film un anno e mezzo fa, ma Michel già allora pensava che sarebbe potuto succedere qualcosa di questo tipo. La pandemia ha reso urgente mandare un richiamo non solo al Messico, ma a tutto il mondo. Le divisioni si stanno inasprendo, quindi una situazione così specifica della società messicana ha tanti agganci col resto del mondo.
La produttrice Cristina Velasco ha parlato poi della situazione dell’industria cinematografica messicana:
Tutte le persone che volgono partecipare a una produzione dovranno portare un test negativo. Da punto di vista della produzione non ci sono protocolli, ogni paese adotterà il suo. Noi potremmo lavarci le mani, ma con la magia del cinema vogliamo anche proteggere le persone.
Michel Franco ha poi concluso parlando della possibile accoglienza di Nuevo Orden:
Non so come sarà accolto. Io spero che nessuno si senta preso in causa, perché quando parlo di distopia mi riferisco a un futuro vicino, ma che non è ancora successo. Se le persone sono molto sensibili su questa cosa, allora forse vuol dire che sto girando il coltello nella piaga. Io ho cercato di non politicizzare il film. La militarizzazione è un’idea terribile, su questo ho una posizione chiara. Militarizzare un paese non è mai stato positivo. Nuevo Orden mantiene alcune ambiguità, è stato scritto in uno specifico modo. Si parla di razzismo, che è rivolto verso la stragrande maggioranza dei messicani. Io sono un privilegiato, ma ci sono molti poveri che non sanno come andare avanti. Ma il sistema attuale non permette ai poveri di uscire dalla povertà, e si comincia d avere sfiducia per tutto un paese.
Sono arrivato a questo per dare un significato globale al film, svincolandolo dalla situazione messicana. Ecco perché ho mantenuto l’ambiguità, in modo che tutti possano sentirsi coinvolti. Siamo davvero indirizzati verso un nuovo ordine, non è una strana cospirazione su internet. Serve un cambiamento, ma se non stiamo attenti ci sarà un cambiamento in peggio e questo è il nuovo ordine.
Presentato fuori concorso all’82ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, Piero Pelù. Rumore Dentro è il ritratto intimo che il regista Francesco Fei dedica a un momento cruciale nella vita dell’icona del rock italiano.
Il documentario arriverà nelle sale italiane il 10, 11 e 12 novembre, offrendo al pubblico la possibilità di accompagnare Pelù in un nuovo viaggio artistico e umano. Tutto ha origine nell’ottobre del 2022, quando durante una sessione di registrazione un improvviso shock acustico — dovuto a un errore tecnico nel cambio di cuffie — fa svenire l’artista, causando un danno permanente al nervo acustico. da quel momento inizia per Pelù una difficile battaglia interiore, che lo costringe a cancellare un tour già programmato e a fare i conti con la possibilità di dover interrompere la sua attività live. Quel rumore dentro si trasforma però in un’occasione di riflessione e rinascita. L’artista intraprende un percorso di rigenerazione che lo porta a scrivere un nuovo album, esplorando in profondità il proprio mondo interiore: la famiglia, la libertà, gli amici — tra cui i Litfiba —, il viaggio e, naturalmente, la musica.
Il film è arricchito da una straordinaria selezione di materiali provenienti dall’immenso archivio personale di Pelù, tra pellicole e video che ripercorrono la sua storia musicale fin dagli esordi.
scandito dal pellegrinaggio dei gitani a Saintes-Maries-de-la-Mer, in Camargue, in onore di Santa Sarah la Nera, Piero Pelù. Rumore Dentro si trasforma in un vero e proprio road movie dell’anima: una riflessione su oltre quarant’anni vissuti off road, nel segno della libertà e del coraggio che hanno sempre contraddistinto l’artista.
Ne abbiamo parlato con il regista Francesco Fei, che ci conduce dietro le quinte del film e ci racconta come sia riuscito a trasformare una ferita personale in un potente racconto di rinascita artistica e umana.
Francesco Fei ci parla di Piero Pelù. Rumore dentro
Piero Pelù. Rumore Dentro sarà nelle sale italiane dal 10 al 12 novembre, distribuito da Nexo Studios.
In occasione dell’uscita del film Holland (questa la nostra recensione), disponibile dal 27 marzo su Prime Video, abbiamo avuto l’opportunità di incontrare la regista Mimi Cave e i protagonisti Nicole Kidman e Gael García Bernal. I tre ci hanno parlato di questo thriller ambiguo e sfuggente, ambientato nella pittoresca cittadina di Holland, in Michigan. Qui la vita della casalinga Nancy Vandergroot si sgretola in un vortice di segreti e sospetti, facendole capire che la realtà è ben diversa dalla cornice che la donna si è costruita.
Nicole, abbiamo questa vita idilliaca tra i tulipani e i mulini a vento di Holland, Michigan. Ma sotto la superficie, il tuo personaggio, Nancy Vandergroot, è convinta che ci siano dei segreti e si mette a indagare. Raccontaci un po’ di lei.
Nicole Kidman: «È una donna che ha un’idea ben precisa di cosa significhi vivere una vita idilliaca, tipo “casa con la staccionata bianca”. Ma sotto sotto è inquieta, ha un desiderio latente. E penso che sia lì che la troviamo all’inizio. Voglio sottolineare che quando si pensa a mulini a vento e tulipani, non si pensa subito a Holland, Michigan. [ride] Ed è proprio questo uno degli aspetti affascinanti dell’ambientazione, come ti spiegherà Mimi. È un luogo che ha qualcosa di fiabesco, di idilliaco, ma anche di un po’ surreale. Ed è un ottimo punto di partenza per un thriller, no?»
Mimi Cave: «Ero proprio a Holland, Michigan ieri sera per una proiezione, e abbiamo parlato molto di questo: perché Holland, Michigan? Credo che somigli molto a tante altre periferie americane, ma ha anche qualcosa di speciale. Hanno preservato tradizioni molto ricche: la parata del Tulip Time, il mulino… È come uno spaccato del passato, mantenuto vivo. È un’ambientazione davvero cinematografica, che aiuta molto a raccontare visivamente la storia».
Gael, il tuo personaggio, Dave, si ritrova coinvolto in quest’avventura con Nancy. Cosa vede in lei che lo spinge a seguirla?
Gael García Bernal: «C’è qualcosa di misterioso e magnetico in lei, ma allo stesso tempo una fiducia immediata e una semplicità. Dave, all’inizio, è un po’ solo, nel senso peggiore del termine: non riesce a connettersi con nessuno. E Nancy è l’unica che lo guarda, davvero lo guarda dentro. C’è una connessione immediata. E poi una cosa tira l’altra… [ride]»
Mimi, questo film è difficile da incasellare in un solo genere. Come lo descriveresti?
Mimi Cave: «Hai ragione, è difficile oggi. Ma tante storie ormai vengono raccontate in modi diversi, che sia in TV, al cinema o in streaming. La cosa bella è proprio poter mescolare i generi e toccare tanti punti emotivi diversi. Holland è un’esperienza movimentata: si spera che si rida, ci si spaventi, si resti col fiato sospeso… È un viaggio emozionante, da vivere fino in fondo».
Nicole, Nancy indossa costumi molto particolari. Quanto ha influito il guardaroba nel definire il personaggio?
Nicole Kidman: «Tantissimo. Avevamo una costumista fantastica, Susan Lyall. E trovare il personaggio, anche attraverso questo, è stato fondamentale. Mimi aveva un’idea molto forte dei colori e del modo in cui i costumi dovevano essere… restrittivi. Hanno un leggero senso di costrizione a volte, e poi c’è una sorta di liberazione. C’è anche un aspetto divertente, perché per quanto il film abbia questi colpi di scena e l’aspetto thriller, si deve anche ridere e divertirsi. E questo succede più o meno a metà del film. Cominci davvero a vedere l’aspetto del giallo, del divertimento, dell’investigazione. Poi piano piano tutto comincia a sfilacciarsi, e adoro quando ti ritrovi a dire: “Aspetta un attimo, tutto quello che pensavi di sapere non è affatto come sembra”. Quindi devi iniziare a guardare il film fin dall’inizio cercando gli indizi».
Gael, quali temi tratta Holland che ritieni particolarmente attuali?
Gael García Bernal: «Il tema dell’identità collettiva, di come viene costruita e di come si confronta con il mondo e con il passaggio delle persone. È tutto molto interessante e complesso. Ci sono molte cose che risuonano con l’attualità, l’identità messa in discussione, i cambiamenti».
Nicole, hai un approccio diverso come attrice quando sei anche produttrice?
Nicole Kidman: «Una volta che passo la palla, cerco di delegare alle persone intorno a me, così da essere totalmente un’attrice, in questa situazione. Perché è importante che la regista sia leader. Io sono lì come sua attrice, e lei mi sta plasmando e formando in quel senso. Abbiamo avuto delle situazioni in cui ci sono state delle crisi, come succede in ogni produzione. In quel caso allora devi mobilitare le tue risorse e anche intervenire, ma principalmente, gran parte del mio ruolo è riuscire a far partire il progetto, riuscire a sostenerlo. Oggi è molto difficile fare film, quindi poter dire a Mimi: “Possiamo finanziare e far partire il tuo film” è davvero un grande supporto, ed è questo che amo poter offrire. Poi mi calo nel ruolo di attrice e dico: “Ok, plasmatemi, guidatemi, datemi idee. Andiamo. Giochiamo.”. Perché alla fine stiamo giocando e dovrebbe essere divertente. Ci dev’essere un elemento di divertimento».
Com’è stato lavorare con questo cast incredibile?
Mimi Cave: «È stato emozionante. Conosciamo tutti i loro volti, il loro lavoro, ma non li avevamo mai visti insieme. Anche loro si ammiravano a vicenda. Io mi sono sentita come se stessi guidando una nave piena di maestri, ma allo stesso tempo ho imparato da talenti straordinari. È stato meraviglioso vederli connettersi e crescere insieme sul set».
Gael García Bernal: «Per me è stato un onore lavorare con Nicole e Matthew. Era come far parte di un gioco con persone che portano sempre tutto il loro percorso artistico nei personaggi. E questo è raro oggi. Ammiro molto la carriera di Nicole, è stato davvero bello. Era tutto in fermento, in continuo movimento. Ogni istante lo vivevo con gratitudine».
Nicole Kidman: «È stato davvero divertente. Quando Gael ha detto sì al ruolo, ho tirato un sospiro di sollievo, perché ero davvero entusiasta di andare a fare questa storia d’amore così insolita, che si svela e si dispiega man mano che va avanti. Lui riesce a farmi ridere, ma è anche incredibilmente aperto come attore, molto disponibile. E ovviamente, così talentuoso,
e con una ricchezza emotiva e una comprensione intellettuale delle cose davvero, davvero profonda. Ha davvero aiutato a plasmare tutto il progetto. Anche Matthew, che avevo visto in Succession, ha portato con sé un grande bagaglio di competenze. È un inglese che interpreta un americano, ma ha questo tempismo comico e questo senso oscuro di malizia nella sua performance, davvero fantastico. Io adoro la complicità, e qui c’era una grandissima complicità,
che si rifletteva anche fuori dal set».
Cosa sperate che il pubblico porti con sé dal film?
Nicole Kidman: «Spero che sia un viaggio inaspettato. Che la gente si sieda sul divano, prema play e venga trasportata in qualcosa che non si aspettava. E si diverta. Ne abbiamo bisogno».
Mimi Cave: «Concordo. Penso che sia un grande viaggio inaspettato, volevo che avesse un senso di nostalgia, quasi da film del passato. Spero che lo si senta».
Gael, quale aspetto di Holland ti ha catturato di più al punto da accettare di recitarvi? È stata la natura contorta della storia, oppure ha influito il tono indie del progetto?
Gael García Bernal: «Penso sia stato, prima di tutto, l’invito, sai, l’intero spettro di quello che questo film sarebbe stato, insieme al fatto che ci fosse Nicole. Poi però ho anche parlato con Mimi, perché alla fine sono i registi a guidare davvero tutto. E lì è dove in un certo senso succede che ti innamori. Non c’è una risposta diretta sul perché questo mi ha attratto. È un insieme di molte, molte cose che iniziano a dispiegarsi. E più vai avanti, più inizi a innamorarti sempre di più. Poi diventa questo meraviglioso atto di fede. Quindi non l’ho visto attraverso connotazioni industriali, tipo indipendente o no. L’ho visto più come un gruppo di persone che erano entusiaste di raccontare questa storia e mi hanno invitato a farne parte. Quindi è stato questo ad attrarmi».
Nicole, le sequenze oniriche nel film sono viscerali e inquietanti. Questi momenti nello script ti hanno fornito indizi specifici su come interpretare Nancy?
Nicole Kidman: «Beh, quella è stata proprio Mimi. È stata lei a inventarsi quelle cose. Per me rappresentano il lato disturbato di lei, e io amo sempre poter entrare nello spazio onirico di un personaggio».
Mimi Cave: «Sì, quelle sono state aggiunte alla sceneggiatura da me. Penso fosse importante esplorare quella dimensione, per portarci in un certo stato mentale così da poter stare davvero con Nancy durante il resto del film».
Gael, sei uno dei messicani che stanno trionfando a Hollywood. Com’è stato far parte di questo ultimo progetto?
Gael García Bernal: «Sono davvero felice di far parte di questo film. Sono entusiasta e contentissimo che stia per uscire. Non vedo l’ora di parlarne e ricevere reazioni, soprattutto dalla mia famiglia! Ma anche dalle persone per strada, sono curioso di sentire cosa diranno. Sono grato di essere parte di tutto questo».
Nicole, hai sempre abbracciato il rischio come attrice. La decisione di unirti a Holland nasce dallo stesso desiderio di metterti alla prova?
Nicole Kidman: «Assolutamente sì. Mi definisco un’attrice di carattere. Non mi considero una protagonista “da film di Hollywood”, ma piuttosto una che ama creare personaggi. E questo è quello di cui ho parlato con Mimi: come costruire Nancy come personaggio. Anche l’accento era una parte importante. E poi c’era un’innocenza in lei, una meraviglia che mi attirava molto. Non avevo mai avuto occasione di esplorare quegli aspetti. Siamo molto fortunati se abbiamo l’opportunità di provare, e io sono in una posizione in cui posso provare. Perché è un dono magnifico, un viaggio bellissimo che stiamo facendo. E non dimentico mai quanto sia straordinario. Ci sono così tante persone che non possono fare questo nella loro vita. Noi sì, e non lo do mai per scontato».
Mimi Cave: «Aggiungo anche io una cosa. Nicole ovviamente l’ho vista in tutti i suoi ruoli, e credo anch’io che faccia scelte coraggiose. Vederla nelle scene, vederla diventare Nancy, è stato davvero magnifico, ispirante. Perché se sei qualcuno come Nicole Kidman o Gael García Bernal, con una carriera enorme, e ancora prendi dei rischi… Significa che ami davvero quello che fai. Penso che quell’impegno sia tutto radicato nell’amore, ed è davvero bello starci attorno. Vedere questo in azione con tutti questi attori è stato indimenticabile».
Con Broken Rage, Takeshi Kitano torna dietro la macchina da presa con un’opera audace che sfida le convenzioni del cinema tradizionale. Presentato fuori concorso all’81° Festival del Cinema di Venezia (questa la nostra recensione), il film segna una nuova fase nella carriera del regista giapponese. Tra violenza e comicità, Broken Rage si configura come una riflessione sul futuro del cinema e sulle possibilità offerte dalle piattaforme digitali. Durante la recente conferenza stampa, Kitano e il cast hanno svelato i retroscena della produzione, raccontando le sfide e le scelte artistiche che hanno dato vita a questa pellicola innovativa.
Il regista giapponese, affiancato dagli attori Tadanobu Asano, Nao Omori, Hakuryu e Shoken Kunimoto, ha raccontato la genesi di un’opera che si distingue per la sua natura sperimentale e per la capacità di fondere violenza e comicità in un modo del tutto inedito.
Kitano ha spiegato come Broken Rage sia nato dall’opportunità offerta da Amazon di esplorare nuove forme espressive, senza i vincoli imposti dalla distribuzione tradizionale. “Quando mi è stato chiesto di realizzare questo film, ho pensato a che tipo di esperienza potesse essere per chi lo guarderà nel proprio salotto,” ha dichiarato il regista. Il risultato è un’opera che, pur mantenendo l’impronta autoriale di Kitano, si distacca dalle convenzioni del cinema in sala per abbracciare le peculiarità della fruizione domestica.
L’attore Tadanobu Asano, che interpreta il detective Inoue, ha descritto l’entusiasmo e la sfida di lavorare ancora una volta con Kitano e con i colleghi Nao Omori e Hakuryu. “Quando ho letto la sceneggiatura, mi sono reso conto che andava oltre ogni mia aspettativa. La combinazione tra dramma e comicità era qualcosa di completamente nuovo” ha affermato Asano, sottolineando quanto il set fosse un luogo di costante sperimentazione.
L’accoglienza a Venezia
Uno dei momenti centrali della conferenza è stato il racconto dell’anteprima mondiale al Festival del Cinema di Venezia, dove Broken Rage è stato presentato fuori concorso. Kitano ha rivelato un episodio surreale legato alla sua partecipazione all’evento: “Ho battuto la testa mentre salivo su una barca diretta al festival e, onestamente, non ho molti ricordi della serata. Mi è stato detto che il film ha avuto un’ottima accoglienza, ma io non ne ho memoria!“.
Gli attori presenti hanno confermato l’entusiasmo del pubblico, evidenziando come la percezione del film sia cambiata nel corso della proiezione. “Nella prima parte, il pubblico sembrava aspettarsi un classico film di Kitano, con il suo stile inconfondibile. Ma quando è iniziata la sezione comica, l’atmosfera nella sala è cambiata radicalmente, trasformandosi in un’esperienza collettiva di divertimento e sorpresa” ha raccontato Asano.
Cinema e streaming
Una delle questioni più profonde affrontate nella conferenza è stata la differenza tra cinema e streaming. Kitano ha ammesso che il montaggio del film è stato influenzato dal nuovo formato: “Guardandolo su uno schermo televisivo, ho istintivamente accorciato molte scene, rendendo il film più compatto di quanto inizialmente previsto. Se fosse stato destinato al cinema, probabilmente avrei lasciato più respiro alle sequenze“.
Alla domanda su come il cinema possa evolvere in questo contesto, Kitano ha offerto una visione affascinante: “Se la pittura ha avuto movimenti come il cubismo e l’impressionismo, il cinema non ha ancora sviluppato del tutto il proprio linguaggio sperimentale. Credo che in futuro potremo vedere film che sfruttano tecniche innovative, come la frammentazione delle scene in stili completamente nuovi“.
Un omaggio a Outrage
Il titolo Broken Rage richiama volutamente Outrage, una delle opere più celebri di Kitano. “Si tratta di una sorta di parodia del mio stesso lavoro. È un modo per spezzare il mio percorso artistico e ricostruirlo in una nuova direzione“, ha spiegato il regista. Questa dichiarazione evidenzia l’intento di Kitano di non fermarsi mai sulle proprie certezze, ma di mettersi costantemente alla prova.
Il futuro del cinema secondo Kitano
Verso la conclusione della conferenza, Kitano ha condiviso la sua visione sul futuro del cinema nell’era dello streaming. “La storia del cinema è sempre stata legata all’evoluzione tecnologica, dal passaggio dal muto al sonoro fino ai nuovi effetti digitali. Ora ci troviamo in una fase di trasformazione: il pubblico si sta spostando verso nuove modalità di fruizione e noi registi dobbiamo adattarci e trovare nuove soluzioni creative“.
Broken Rage è attualmente disponibile su Prime Video.