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E venne il giorno: recensione del film di M. Night Shyamalan

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«È stato un atto della natura e noi non lo capiremo mai del tutto». Questa frase, pronunciata non a caso sia nei primi minuti che nelle battute conclusive di E venne il giorno, racchiude il nucleo della controversa opera di M. Night Shyamalan, con protagonisti Mark Wahlberg e Zooey Deschanel. Un lavoro sghembo, bizzarro e a tratti paradossale, ma allo stesso tempo denso di contenuti, suggestioni e soluzioni visive; odiato dalla critica e dagli addetti ai lavori (ben quattro nomination ai Razzie Awards del 2008, incluse quelle per peggior film e peggiore regia), ma capace di ottenere un buon riscontro al botteghino, con 163 milioni di dollari di incasso a fronte di un budget di 48 milioni. Un’opera messa ingiustamente ai margini della storia recente del cinema americano, che ha invece il merito di riflettere sull’isteria collettiva post 11 settembre e di anticipare un messaggio ambientalista oggi sempre più urgente.

E venne il giorno: la cupa favola ambientalista di M. Night Shyamalan

E venne il giorno

Siamo nel 2008, nel pieno della crisi finanziaria che ha tolto certezze economiche e sociali a una generazione intera, sette anni dopo gli attentati che hanno cambiato la storia di New York e di tutto il mondo e 11 anni prima della pandemia che sta ancora pesantemente influenzando le nostre vite. Tre eventi apparentemente indipendenti fra loro, ma che in qualche modo fanno parte dell’ossatura di E venne il giorno. La cupa favola ambientalista travestita da disaster movie di Shyamalan si apre significativamente a Central Park, il polmone verde della Grande Mela ancora ferita dalla perdita delle sue iconiche torri, che la macchina da presa del regista sembra quasi cercare nel fosco cielo che si staglia sul parco.

«Non ricordo dove sono», dice una ragazza alzando lo sguardo dal libro che sta leggendo. La prima battuta pronunciata in E venne il giorno è una duplice dichiarazione di intenti: simboleggia lo stato d’animo di una nazione ancora scossa dall’11 settembre e in perenne paranoia, ma è anche uno degli svariati dialoghi paradossali che sentiamo nel corso del racconto. «Eri al punto in cui i killer decidono cosa fare della ragazza handicappata», risponde l’amica della ragazza, svelando la prima voluta insensatezza di E venne il giorno: perché mai una persona dovrebbe sapere il punto del libro in cui si trova una sua conoscente?

Una domanda destinata a rimanere senza risposta, proprio come il grande quesito alla base dell’opera di Shyamalan, cioè l’origine di una sorta di follia collettiva, che spinge al suicidio prima gli abitanti della città di New York, poi tutto il nord-est degli Stati Uniti.

Fra Alfred Hitchcock e Steven Spielberg

E venne il giorno

Dopo un preludio che lascia presagire le classiche atmosfere da film catastrofico, con quelle inquadrature delle persone che si tolgono la vita gettandosi da un palazzo che ancora una volta non possono non richiamare le struggenti immagini dell’11 settembre, Shyamalan mette in scena il suo beffardo piano, con l’esplicito fine di sovvertire le nostre aspettative e di giocare coi canoni del genere. Proprio quando dovrebbe accelerare, il ritmo del racconto frena bruscamente, per concentrarsi su lunghi dialoghi. Le sequenze catastrofiche sono assenti e lasciano spazio a scenari bucolici, che i personaggi attraversano ignari del pericolo, che potrebbe arrivare proprio dalla flora intorno a loro.

Gli stessi protagonisti sono l’esatto contrario di ciò che ci aspetta da un progetto di questo tipo: nessun eroe senza macchia, ma una coppia in crisi formata da un professore di scienza alle prese con il vano tentativo di dare una spiegazione agli eventi e dall’anonima Alma, che sbaglia tutto ciò che si può sbagliare, compresi i riferimenti ai suoi film preferiti. Ma la scelta più beffarda e sottile di Shyamalan è quella di ribaltare contemporaneamente il cinema dei due maestri a cui viene più frequentemente accostato, cioè Alfred Hitchcock e Steven Spielberg. Il regista persegue infatti la suspense tanto cara a Hitchcock, senza però appagarci con la soluzione dell’enigma, mettendo in scena un thriller senza assassino, o nel migliore dei casi un giallo il cui colpevole è invisibile.

E venne il giorno: un’opera precorritrice dei tempi

Al tempo stesso, Shyamalan omaggia anche Spielberg e i suoi racconti di persone ordinarie alle prese con circostanze straordinarie, sottraendo però tutta la magia delle favole del cineasta statunitense. Nessuna bicicletta che prende il volo, nessun Graal da ricercare, nessuno spettacolare scontro con l’ignoto; solo un nucleo familiare sempre più fragile alle prese con la paranoia di un’intera nazione, vera antagonista di E venne il giorno, al pari delle presunte tossine rilasciate dalle piante per difendersi dagli umani.

Da fine indagatore della nostra epoca, Shyamalan dà vita a un vero e proprio trattato sociologico sulle nostre reazioni a un evento di portata globale e sul nostro rapporto con tutto ciò che sfugge alla nostra comprensione. È sorprendente notare oggi gli inquietanti punti di contatto fra il percorso dei coniugi Moore e la realtà che stiamo vivendo, che per certi versi rendono E venne il giorno un’opera precorritrice dei nostri tempi.

Ci riferiamo alla sequenza in cui una classe osserva ciò che sta accadendo sullo schermo di uno smartphone, definitivamente sdoganato solo un anno prima col lancio dell’iPhone, ma anche alle reazioni delle persone alla minaccia globale, che spaziano da un ingiustificato ottimismo («Le probabilità che possa succedere anche a Philadelphia sono pari a zero») al negazionismo («Un avvertimento? Si potrebbe accettare questa versione se fosse successo in un altro posto, in uno qualunque, tutti crederemmo alla sua teoria»), passando per il complottismo («Che razza di terroristi sono questi?») e il più cieco terrore («Non vi farò portare dentro quel gas avvelenato!»).

E venne il giorno: Shyamalan sovverte le regole della narrazione

In uno dei momenti più dolorosi di E venne il giorno, che coincide con la presa di coscienza da parte del personaggio di John Leguizamo dell’impossibilità di sfuggire a una minaccia che si propaga per via aerea, Shyamalan ci introduce addirittura la crescita esponenziale dei contagi («Quanto avresti se ti dicessi che ti pago un penny il primo giorno, e poi due penny il secondo e poi quattro il terzo e continuassi a raddoppiarli per tutto il mese?»), concetto con cui purtroppo abbiamo imparato a convivere.

Sfruttando consapevolmente il nonsense tipico dei B-movie (Mark Wahlberg che parla con una pianta, l’assurda fuga dal vento, lo scambio di confessioni fra lo stesso Wahlberg e l’inebetita Zooey Deschanel) Shyamalan sovverte ripetutamente le regole della narrazione, in un parallelo con l’irrazionalità del genere umano quando posto sotto pressione. Sono da leggere in questo senso la banalità dei dialoghi, la recitazione artefatta di tutti gli interpreti principali e le numerose forzature che il regista opera per condurci a un lieto fine di facciata, dove l’inseguitore si ricongiunge finalmente con l’inseguita. Un epilogo familiare conciliatorio, immediatamente negato dall’ultima sequenza di E venne il giorno.

Non mancano alcune finezze registiche, come l’eloquente inquadratura di una centrale nucleare circondata da alberi: un’immagine che ci porta a identificare in quelle sinistre costruzioni il colpevole del disastro, che invece è proprio rappresentato da quelle apparentemente pacifiche piante. A sottolineare l’intento metacinematografico del regista sono numerosi dettagli, come il fatto che il suo classico cameo di hitchcockiana memoria sia la voce del potenziale amante di Alma, cioè colui che mina la stabilità familiare, o la scelta di utilizzare per il suo proverbiale twist un non-twist, cioè l’improvvisa scomparsa della minaccia, e addirittura lo stesso titolo originale The Happening: l’avvenimento, una parola generica per cercare di descrivere l’indescrivibile.

Un solenne monito all’umanità

E venne il giorno

Più che la cronaca di una catastrofe, E venne il giorno è un percorso di accettazione dell’insensatezza della vita. Una riflessione che passa per il confronto con il divino, simboleggiato da una natura minacciosa e austera, ma che si concentra anche sulla fragilità della coppia: conosciamo i coniugi Moore divisi da troppi silenzi e da opinioni opposte sui figli, li vediamo unirsi contro le minacce esterne, approfondire il loro legame grazie all’ospitalità di un’anziana signora, sopportare l’isolamento nell’atto conclusivo e infine riunirsi in un epilogo intenzionalmente plastico e ovattato, con una gravidanza che si affianca alla custodia della piccola Jess.

«Se l’ape scomparisse dalla faccia della terra, all’uomo non resterebbero che quattro anni di vita», si legge sulla lavagna di Wahlberg al termine di una delle scene cardine di E venne il giorno. Una frase attribuita a Einstein che enfatizza il doppio filo che lega l’uomo alla flora e alla fauna circostanti, ma che mette in rilievo anche la quantità di informazioni e conoscenze che ci sono precluse.

E venne il giorno si trasforma così in un solenne monito all’umanità: la natura cercherà sempre di proteggersi dai comportamenti aggressivi del genere umano, ma noi, come sottolineano un eminente scienziato e un alunno scapestrato di Wahlberg, non riusciremo mai a comprendere pienamente ciò che ci succede. Riusciremo a imparare questa lezione? A quanto pare, la strada da fare in questo senso è ancora tanta. E il nemico, invisibile e silenzioso, è ancora là fuori.

Overall
8.5/10

Verdetto

E venne il giorno è una delle opere più profonde e incomprese della carriera di M. Night Shyamalan, capace di raccontare la paranoia post 11 settembre e di anticipare il trauma collettivo della pandemia. Il tutto con un impianto narrativo che irride il disaster movie e gioca continuamente con le aspettative dello spettatore.

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Sunny: recensione della serie Apple TV+ con Rashida Jones

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Sunny

Apple TV+ e A24 sono indubbiamente due delle realtà che negli ultimi anni hanno maggiormente sperimentato sul grande e sul piccolo schermo, portando agli spettatori prodotti in grado uscire dai confini dei generi e di riflettere sulla contemporaneità e sui suoi mutamenti. Non stupisce quindi ritrovarle a collaborare in Sunny, nuova serie prodotta da A24 e distribuita proprio su Apple TV+, che ci offre uno spaccato sinistro e allo stesso tempo fortemente umano sui recenti sviluppi della tecnologia, in particolare sull’intelligenza artificiale.

Ci troviamo di fronte a un mystery thriller dalle sfumature distopiche e da dark comedy, in bilico fra le atmosfere già esplorate con successo dalla stessa Apple TV+ in Scissione e gli oscuri presagi tecnologici e sociali lanciati da Black Mirror. In una Kyoto futuristica, facciamo la conoscenza di Suzie Sakamoto (Rashida Jones), donna statunitense che si è trasferita per lavoro in Giappone, trovando l’amore con Masa Sakamoto (Hidetoshi Nishijima, già visto in Drive My Car). Quando Masa e il loro figlio scompaiono in un incidente aereo, Suzie si trova costretta ad affrontare il dolore e la solitudine, acuita dalla sua ancora scarsissima conoscenza del giapponese.

La donna riceve però in dono un robot domestico creato dall’azienda per cui lavorava il marito, chiamato Sunny. Nonostante la sua diffidenza, proprio grazie a Sunny Suzie inizia a reagire e a cercare la verità sulla scomparsa dei suoi cari, fra cospirazioni e segreti aziendali.

Sunny: la nuova serie Apple TV+, fra Scissione e Black Mirror

Nel corso dei 10 episodi che abbiamo avuto l’opportunità di vedere in anteprima, Sunny mette molta carne al fuoco, tessendo lentamente la tela di un mistero sempre più inquietante e lavorando al tempo stesso sui personaggi e sulla loro evoluzione. Lo show creato da Katie Robbins si confronta inevitabilmente con la tecnologia, rappresentata dal robot protagonista con diverse sfumature, anche contraddittorie. Da una parte, emergono infatti i rischi legati alla diffusione senza controllo di innovazioni sempre più invasive e alienanti, ma dall’altra non si negano i possibili risvolti positivi della robotica e dell’intelligenza artificiale, che nello specifico aiutano la protagonista ad alleviare la sua solitudine e a riprendere in mano la propria vita.

Rashida Jones compie un ottimo lavoro di caratterizzazione di Suzie, scolpendola con dettagli che con il passare degli episodi la avvicinano all’universo di alienazione e disagio esistenziale di Sofia Coppola (con cui la protagonista non a caso ha lavorato in On the Rocks, anch’esso prodotto da A24 e distribuito da Apple TV+). L’ambientazione nipponica e la dimensione di straniera in terra straniera di Suzie richiamo inevitabilmente Lost in Translation, ma Sunny oppone all’apparente staticità di Sofia Coppola una narrazione frenetica, fatta di continui salti avanti e indietro nel tempo e di scatole cinesi che rivelano continuamente un intrigo più imponente del precedente.

Una serie coraggiosa

La voglia di sperimentare e di giocare con così tanti generi e suggestioni è lodevole, ma si ha spesso la sensazione che la serie fatichi a trovare il proprio baricentro, in quanto continuamente sballottata fra troppe sottotrame e fra binari narrativi non sempre approfonditi adeguatamente. In uno show così improntato sui dettagli visivi (notevole il lavoro sul design tecnologico, nonché sulla splendida sigla rétro), stona inoltre la scelta di ricorrere troppo spesso ai dialoghi e di sacrificare di conseguenza il racconto per immagini, che in questo caso avrebbe offerto terreno fertile.

Ci resta però uno show raffinato e controcorrente, che in un panorama seriale sempre più appiattito ha il coraggio di osare e di mettere alla prova lo spettatore, anche a costo di respingerlo.

Sunny è disponibile dal 10 luglio su Apple TV+.

Overall
6.5/10

Valutazione

Apple TV+ e A24 consegnano agli spettatori una serie intelligente e controcorrente, capace di mettere alla prova gli spettatori e di porre interrogativi non banali sugli sviluppi tecnologici.

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Horizon: An American Saga – Capitolo 1, recensione del film di Kevin Costner

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Horizon

La carriera di Kevin Costner è indissolubilmente legata al western fin dai tempi di Silverado, passando per il suo esordio alla regia Balla coi lupi, Wyatt Earp e Terra di confine – Open Range, fino ad arrivare al successo televisivo di Yellowstone. Un rapporto che affonda le proprie radici nel cinema di John Ford e Howard Hawks e si interseca con il Clint Eastwood più crepuscolare, riflettendo sulla nascita bagnata nel sangue degli Stati Uniti e donando umanità e dignità ai nativi americani, quasi sempre tratteggiati a senso unico come i disumani cattivi della situazione. Al termine di una gestazione iniziata addirittura nel 1988, che lo ha portato a investire anche ingenti fondi personali, Kevin Costner consegna al pubblico la sua epopea western definitiva con la tetralogia cinematografica di Horizon: An American Saga, che debutta in sala con il suo attesissimo Capitolo 1.

Un’opera imponente e titanica, che si configura come un mix fra un kolossal western e una vera e propria serie distribuita sul grande schermo. Una dimensione acuita dalla narrazione compassata (ben 181 minuti di durata) e dalla stessa distribuzione, con l’arrivo al cinema del secondo capitolo già fissato per il 15 agosto, a poche settimane di distanza da Horizon: An American Saga – Capitolo 1. Nonostante i ritardi causati dai ritardi dei finanziamenti e dallo sciopero di sceneggiatori e attori, Kevin Costner è inoltre già sul set per il terzo film, a cui secondo i suoi piani dovrebbe seguire l’agognata conclusione del progetto, legata ovviamente anche al riscontro del pubblico.

Non è quindi un’esagerazione definire Horizon: An American Saga il progetto della vita di Kevin Costner, che infatti riversa sullo schermo una summa di tutta la sua carriera, rielaborando i temi a lui più cari e le atmosfere già esplorate con successo.

Horizon: An American Saga – Capitolo 1, l’inizio della nuova epopea western di Kevin Costner

Horizon: An American Saga – Capitolo 1

Fin dal Capitolo 1, Horizon: An American Saga si muove parallelamente alla sanguinosa guerra civile americana, esplorandone i prodromi e ponendo le basi per la successiva escalation, con l’esplicito fine di ripercorrere con lucidità e dovizia di particolari le ultime fasi della conquista del West, nonché la genesi degli Stati Uniti moderni. Con un cast forte di nomi del calibro di Sienna Miller, Sam Worthington, Michael Rooker, Danny Huston, Jena Malone, Abbey Lee, Jamie Campbell Bower e Luke Wilson, oltre a lui stesso, Kevin Costner mette in scena un corale racconto di frontiera, popolato da canaglie, opportunisti, coloni, persone in cerca di un futuro migliore o in fuga da un doloroso passato e ovviamente nativi americani, disposti a tutto pur di proteggere il loro territorio e salvaguardare la loro stessa esistenza.

Il regista procede per accumulo, presentando molteplici personaggi e diverse linee narrative parallele, in quello che è fondamentalmente l’episodio pilota della sua personale declinazione di serie televisiva western. Non mancano cali di ritmo e intrecci soltanto abbozzati, ma complessivamente Kevin Costner riesce a gestire bene questo ribollente magma narrativo, che attinge alla gloriosa storia del genere (evidenti soprattutto i richiami a Sentieri selvaggi) ma al tempo stesso riesce a dare vita a travolgenti squarci di umanità, grazie soprattutto al tormentato personaggio della strepitosa Sienna Miller, alla misurata dignità di Sam Worthington e allo stesso regista, che si ritaglia per sé il ruolo di eroe romantico e crepuscolare, perfettamente nelle sue corde.

Fra tradizione e revisione

Kevin Costner lavora sul tempo, dando vita a un’opera che a tratti appare statica, ma al cui interno in realtà rivivono la storia e le sue suggestioni, fra archetipi del western e spinte revisioniste. La scrittura dello stesso Costner e di Jon Baird è affilata, anche se pecca di qualche ingenuità nei dialoghi sullo scontro fra indigeni e colonizzatori, con i primi che in certi passaggi sembrano già rassegnati alla futura sconfitta e i secondi che al contrario appaiono troppo sicuri del loro successo. Un risvolto figlio indubbiamente della rinnovata consapevolezza contemporanea, che tuttavia non impedisce a Horizon: An American Saga – Capitolo 1 di tessere un’intricata tela di personaggi che si muovono ai margini della storia, lungo il sottile confine fra Bene e Male.

Anche se il digitale toglie un pizzico di fascino alla fotografia di J. Michael Muro, Kevin Costner compie un discreto lavoro sugli spazi e sugli scenari naturali, salendo sulle spalle dei giganti che lo hanno preceduto per dare vita a un racconto in cui convivono violenza, istinto di sopravvivenza, nostalgia e fascino di un contesto in cui chiunque ha la sensazione di poter scrivere ogni giorno il proprio destino, nel bene e nel male. Un sottobosco di umanità fallibile e incerta, popolato da uomini ossessionati dallo scontro fisico e di donne costrette ad aggrapparsi alla vita con le unghie e coi denti, ricorrendo anche alle armi dell’astuzia, della manipolazione e della seduzione.

Horizon: An American Saga – Capitolo 1, un nuovo emozionante affresco del far west

Horizon: An American Saga – Capitolo 1

Horizon: An American Saga – Capitolo 1 ha inevitabilmente il retrogusto del già visto, ma anche senza particolari innovazioni o guizzi registici Kevin Costner riesce a farci immergere in questo mondo fatto di orizzonti sconfinati e infiniti pericoli, costruendo i presupposti per un nuovo emozionante affresco del far west e del sogno americano e lasciandoci con un epilogo che di fatto è un trailer dei capitoli successivi. Ennesimo richiamo a un cinema e a un modo di realizzarlo che non esistono più, ma che grazie al coraggio e all’ambizione di autori come Kevin Costner saltuariamente riaffiorano, solleticando il palato dei cinefili più nostalgici.

Dopo la presentazione nel corso del Festival di Cannes 2024, Horizon: An American Saga – Capitolo 1 è disponibile dal 4 luglio nelle sale italiane, distribuito da Warner Bros.

Dove vedere Horizon: An American Saga – Capitolo 1 in streaming

Al momento non disponibile su nessuna piattaforma.
Overall
7/10

Valutazione

Kevin Costner firma il primo capitolo del suo progetto più ardito e spericolato, ponendo le basi per una nuova emozionante epopea western.

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Bodies Bodies Bodies: recensione del film con Rachel Sennott e Maria Bakalova

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Bodies Bodies Bodies

Sono passati oltre 80 anni dalla pubblicazione di Dieci piccoli indiani, ma il seminale capolavoro del giallo firmato da Agatha Christie continua imperterrito a influenzare la narrativa contemporanea. Lo fa grazie alla sua dinamica narrativa ingegnosa (una serie di delitti compiuti in un luogo chiuso o estremamente circoscritto, per mano di un assassino che si cela all’interno di un gruppo limitato di persone), capace di adattarsi a diversi contesti e perfetta per tessere una tela di malcelati rancori e sospetti incrociati. A regalarci una nuova declinazione di questo racconto è Bodies Bodies Bodies, commedia horror di Halina Reijn targata A24, con Amandla Stenberg, Maria Bakalova, Myha’la Herrold, Chase Sui Wonders, Rachel Sennott, Lee Pace e Pete Davidson.

Nel mirino in questo caso c’è la Generazione Z, rappresentata con i suoi pregi e soprattutto con le sue contraddizioni. Un gruppo di giovani di estrazione borghese si ritrova infatti nella villa della famiglia di David (Pete Davidson) per una festa sfrenata. Sophie (Amandla Stenberg) raggiunge il luogo insieme alla sua nuova fidanzata Bee (Maria Bakalova), natia dell’Europa dell’Est e di origini più umili. Il resto del gruppo accoglie con freddezza le due ultime arrivate, soprattutto a causa delle recenti scelte di vita di Sophie. Nonostante ciò, i presenti decidono di fare una partita a un gioco in cui uno dei partecipanti, designato come assassino, deve uccidere uno a uno tutti gli altri giocatori, evitando di farsi scoprire.

La ludica finzione si trasforma però in macabra e sinistra realtà quando viene ritrovato il cadavere martoriato di uno dei ragazzi. Inizia così la ricerca del colpevole, in un clima di crescente paura e di sempre più alta tensione.

Bodies Bodies Bodies: una riuscita commedia horror che mette in luce le contraddizioni della Generazione Z

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Sangue e violenza non mancano, ma il lavoro di Halina Reijn convince maggiormente quando vira in direzione del giallo, condito da una pungente critica sociale. La ricerca dell’assassino mette infatti in luce gli aspetti più controversi dei ventenni di oggi, come l’ossessiva ricerca della fama, il filtro dei social costantemente applicato alla realtà e un’inclusività di facciata che mal si sposa con un dilagante egoismo e con la continua ostentazione di sé e del proprio status. Una visione che ondeggia pericolosamente sull’orlo del paternalismo, mantenuta però in piedi da una scrittura intelligente e dal notevole cast.

Fra i vari personaggi, spicca soprattutto la podcaster Alice, interpretata dal formidabile talento brillante Rachel Sennott (Shiva Baby, Bottoms) che dà vita a un’insopportabile ed egocentrica snob, perfettamente in linea con il racconto. Non è da meno Maria Bakalova, che apre Bodies Bodies Bodies con un lungo e appassionato bacio saffico, per poi tratteggiare con la giusta ambiguità e con notevole umanità l’unico elemento alieno all’interno del gruppo, capace di catalizzare il peggio di ogni elemento.

Whodunit ma non solo

Non mancano rivelazioni e colpi di scena, ben orchestrati dalla regista e dalla sceneggiatrice Sarah DeLappe, in un climax di tensione penalizzato a tratti dal continuo ricorso a scene illuminate solo dalla luce degli smartphone, che emblematicamente diventano l’unico punto di riferimento dei protagonisti, totalmente persi senza la loro estensione tecnologica e digitale. Con il passare dei minuti, il film si concentra però soprattutto sui paradossi di personaggi che predicano empatia, tolleranza e rispetto, salvo poi giungere ad affrettate e gravi conclusioni sulla base di antipatie e dissidi personali.

Il meccanismo a eliminazione e la dinamica del whodunit diventano così il mezzo per un discorso più ampio, reso ancora più chiaro ed esplicito dai numerosi twist narrativi nel corso dell’atto conclusivo. Nell’epoca della post-verità e degli agognati 15 minuti di celebrità sempre più alla portata di ognuno di noi, la differenza fra fatti e suggestioni è sempre più labile, con conseguenze devastanti per tutte le parti in causa. Come già fatto da Rian Johnson con i suoi Knives Out, con le armi della risata e del mistero Bodies Bodies Bodies ci mette quindi di fronte alla nostra pochezza, ricordandoci che spesso siamo noi stessi a creare mostri e mostruosità.

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Dove vedere Bodies Bodies Bodies in streaming

Overall
7/10

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Halina Reijn firma un’intelligente commedia horror, impreziosita da un ottimo cast e penalizzata solo da uno sguardo un po’ troppo paternalistico e da qualche scelta registica poco efficace.

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