Fabrizio De André - Principe libero Fabrizio De André - Principe libero

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Fabrizio De André – Principe libero: recensione del film

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Quando lo schermo si illumina e la cinepresa si muove verso un uomo, con la sigaretta e penna tra le dita, con un ciuffo di capelli impegnato a raggiungere il volto, sembra che tutto sia al posto giusto. Non ci sono errori visivi, non c’è posa forzata che tenga o parola sdrucciola che ne stoni la percussione. L’uomo di cui si sta parlando è come Gaetano Bresci, anarchico, che però non è stato autore di omicidi o sovvertitore di monarchie. Colui di cui si parla ha raccontato di tante creature esistenti, dai fili d’erba, ai cigli delle strade, dal crepaccio dal quale si affacciava per rincorrere i suoi pensieri, al mendicante, alla prostituta, al tossicodipendente.

Inevitabilmente, ciò che si ricrea nelle mente dello spettatore è l’immagine sì di un principe del volgo, libero, ma anche di un uomo inafferrabile, che si solleva dal suolo e che non è mai stato, e mai sarà, facile da raccontare. Chi ha il dono della parola e delle sue forme diventa intangibile, eppure qualcuno trova sempre un modo per ritrarlo.

Fabrizio De André – Principe Libero: la poesia al cinema

Fabrizio De André – Principe Libero

Fabrizio De André – Principe Libero è un film che ha portato al cinema, per poco, e in televisione la poesia. Non c’è altro modo per poterlo dire, e non c’è altro modo per poterlo fare se non così come è stato fatto, probabilmente. La musica, ma in senso più ampio la poesia, non è facilmente adattabile alla televisione. La tv vorrebbe essere bella e pura come la musica, ma non c’è scampo, non ci riesce. L’esempio più semplice che si può sollevare è che quando si tiene in mano un album, un vinile, lo si ascolta, più volte, decidendo l’ordine delle tracce, dandogli un senso personale.

Questo è ciò che inevitabilmente manca alla televisione, e purtroppo al cinema in certi casi: quel disordine, quella scelta, ovvero poterne usufruire in modo sempre diverso e continuo, ed è inevitabile che parte dell’attrito musicale e poetico di un inciso non si possa trasferire liberamente e coerentemente in una fiction.

Faber e Paolo Villaggio

Questo il regista, Luca Facchini, probabilmente lo sa e lo sapeva, ed è per questo che Fabrizio De André – Principe Libero alterna debolezze e picchi di gioia. La prima gioia su cui riflettere è Luca Marinelli, che interpreta il cantautore genovese. Un attore che ha lavorato sul portamento, sulla voce, sul timbro, sulle mani, su come impugnare la penna o disfarsi di una sigaretta. Insomma, si è plasmato corpo e anima senza mai perdersi, una dote rara che denota un’indomita vocazione verso la recitazione. Ma se da un lato Luca Marinelli copre e regna su ogni scena del film, e in qualche modo nobilita la fruizione di un biopic su un cantautore così difficile da rappresentare, dall’altro la sua presenza non basta a rendere le tre ore di durata accettabili, sia dal punto di vista estetico che etico.

La scelta di romanzare, come è giusto che sia, alcuni aspetti della vita del cantautore genovese non rende plausibile però il modo qualunquista e dispersivo con il quale si sono affrontati alcuni passaggi. Prima di tutto il rapporto con Paolo Villaggio, al quale è anche dedicato Fabrizio De André – Principe Libero, ma che al di là del palco, dei loro spettacoli irriverenti, non viene approfondito. Il legame fra Paolo e Fabrizio è una ripetizione di gesti ed eventi, di frasi che il comico ripete in loop, tra cui “sei un genio”. Pleonastico e irrisorio.

Fabrizio De André – Principe Libero: la decontestualizzazione della musica

Fabrizio De André – Principe Libero

Inseguendo il rettilineo dei rapporti umani, ciò che salta all’occhio è come alcuni personaggi, tra cui lo stesso Villaggio o Fernanda Pivano, compaiano e scompaiano alla stregua di figuranti su un palcoscenico. È snervante vedere persone così care e determinanti nella vita del protagonista rese come delle macchiette, senza spessore, senza mai scendere nel dettaglio.

Altro grande assente all’interno di Fabrizio De André – Principe Libero è il suo maître à penser, Georges Brassens, non in quanto persona, considerato che non si conoscevano personalmente, ma in quanto ispirazione. Non è mai citato, nemmeno per sbaglio. Questo ci porta al nocciolo, al culmine delle debolezze, e al centro di questa critica è proprio la musica. La musica, ed è una sofferenza doverlo dire, fa da spartiacque tra le scene, è totalmente decontestualizzata, non ha un posto ben preciso, non ha peso e non è connessa al fluire della storia, si inserisce come un orpello scenico disatteso e isolato.

Genova amaramente assente

Dispiace percepire come venga abusata a volte, come delle note tanto preziose siano lanciate nel racconto senza una direzione. Ed è sempre la musica il punto debole di un racconto che parla di un cantautore ma non mostra da dove nasce la sua arte, quel fuoco, le ideologie, quella necessità di parlare di non violenza, di anarchia, dei diseredati. Come tutto ciò nasca, quando nasca, come cresca e diventi Storia di un impiegato o Non al denaro non all’amore né al cielo non è dato saperlo.

Amaramente assente è Genova, suolo patrio tanto discusso e cantato, che al di là di qualche sguardo alle barche in riva al mare o alle strade diurne sembra non ricavare nemmeno un minuto d’amore da parte della cinepresa. Eppure anche nel film si può ben sentire il suo inno che si rinnova: “Nei quartieri dove il sole del buon Dio non da i suoi raggi, ha già troppi impegni per scaldar la gente d’altri paraggi”. Da apprezzare però come Fabrizio De André – Principe Libero si dedichi in modo totale al momento del rapimento.

Fabrizio De André – Principe Libero: un film privo di mitizzazione

Fabrizio De André – Principe Libero

Quando Faber e Dori Ghezzi vengono sequestrati dall’anonima sequestri e tenuti prigionieri alle pendici del Monte Lerno, ciò a cui si assiste è una scena realizzata con consapevolezza, con i tempi giusti, e pur occupando molto tempo all’interno del film, non risulta mai tempo sacrificato o dilapidato. Menzione speciale va a Ennio Fantastichini, capace di incarnare un personaggio, il padre Giuseppe De André, senza sbavature o forzature caratteriali, donando un’interpretazione al tempo stesso intensa e precisa, rammentando con semplicità il rapporto che aveva con il figlio Fabrizio, indissolubile e scanzonato.

Fabrizio De André – Principe Libero è purtroppo la somma delle sue parti, il ritratto di un timido menestrello, un genovese apolide, pagano e panteista, principe e libero. E la giusta resa del film è tutta nelle mani e nella grana di Luca Marinelli, con una bravura sbalorditiva nel far aderire la sua voce a quella di Faber. Ed è altrettanto preciso e ammirevole quando imbraccia la chitarra e canta alcune strofe immortali del cantautore genovese, ma, purtroppo, il suo lavoro, per quanto encomiabile e vulcanico, non è mai abbastanza. Per tre ore di film l’attenzione è dedicata molto alla famiglia, ad attimi di crescita personale, alla scrittura, all’incontro con Tenco, al rapimento, ai suoi amori, ai suoi amici. E in tutto questo non c’è mitizzazione, non c’è epopea.

Fabrizio De André – Principe Libero è la storia di un uomo, un uomo che si è fatto poeta, oppure sarebbe più giusto dire un poeta che si è fatto uomo, un ritratto dell’uomo dietro la canzone, anzi al di là dell’artista, un inquietante ossimoro.

Overall
5/10

Verdetto

Fabrizio De André – Principe Libero delude le aspettative. La musica è totalmente decontestualizzata e Genova è una passante che non riesce a ricavare la giusta presenza all’interno dell’economia visiva del film. Unico punto a favore è Luca Marinelli, che regala un’interpretazione solida e poetica.

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E noi come stronzi rimanemmo a guardare: recensione del film di Pif

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E noi come stronzi rimanemmo a guardare

E noi come stronzi rimanemmo a guardare. Il titolo del terzo lavoro da regista di Pierfrancesco Diliberto (in arte Pif) non è solamente la perfetta sintesi dell’opera, ma anche un monito sulla leggerezza con cui stiamo vivendo il nostro presente e sui cupi scenari a cui stiamo andando incontro. Ideato e realizzato prima della pandemia, E noi come stronzi rimanemmo a guardare ci trasporta in un prossimo futuro distopico, che ci appare ancora più vicino del previsto per la repentina svolta impressa dal COVID-19 alle nostre vite. Un futuro in cui è un algoritmo a decidere chi è produttivo o quali sono le possibilità di una coppia. Uno distopia inquietante e terribilmente realistica, in cui i lavoratori sono ridotti a sfiancarsi per pochi spiccioli e a rincorrere un altro algoritmo, che li penalizza per ogni loro errore. Una realtà in cui anche l’amore è parte integrante della gig economy.

E noi come stronzi rimanemmo a guardare la disumanizzazione del lavoro

E noi come stronzi rimanemmo a guardare

In questa epoca cupa, dove i rigurgiti fascisti sono un tema per festini privati (la storia si ripete sempre sotto forma di farsa), Fabio De Luigi è Arturo, manager di successo che nel giro di un brevissimo lasso di tempo perde la fidanzata e pure il posto di lavoro, per via di una scelta di un algoritmo che lui stesso ha contribuito a creare. Impossibilitato a trovare un lavoro adeguato al suo curriculum, l’uomo accetta un lavoro come rider presso Fuuber, colosso mondiale delle consegne a domicilio.

La medesima azienda offre ai propri clienti anche un’innovativa app rivolta alle persone sole, grazie alla quale è possibile godere della compagnia di un ologramma che si adatta alle preferenze alle necessità del consumatore. Grazie a questo progetto, Arturo conosce Stella (Ilenia Pastorelli), di cui si innamora. Al termine del periodo di prova del servizio, l’uomo si trova però costretto a sborsare una cifra fuori dalla sua portata per rinnovarlo. Messo a dura prova sia dal punto di vista lavorativo che da quello sentimentale, Arturo si addentra nei meandri di Fuuber, scoprendo una realtà ancora più sinistra di quanto immagina.

Pierfrancesco Diliberto frulla nello stesso contenitore Play Time – Tempo di divertimento di Jacques TatiLei di Spike Jonze, fondendoli con spunti alla Black Mirror e col cinema di Maurizio Nichetti (che non a caso compare in un cameo in E noi come stronzi rimanemmo a guardare), ricorrendo addirittura a echi fantozziani per la rappresentazione del grottesco ambiente di lavoro di Arturo. Svariati riferimenti per molta carne al fuoco, dal momento che Pif spazia con libertà e un pizzico di superficialità fra gig economy, satira politica e intelligenza artificiale, senza mai rinunciare alle dinamiche e alle atmosfere della commedia romantica.

Fra Jacques Tati e Ken Loach

Raro assistere a un’opera italiana così corrosiva e riflessiva in ambito tecnologico e sociale. Difficile infatti rimanere indifferenti di fronte alle disavventure di Fabio De Luigi, che pur nel contesto di una commedia popolare mai davvero disturbante portano avanti istanze lavorative e umane care a Ken Loach. Ci riferiamo soprattutto all’attività di rider di Arturo, che mette a nudo molti degli aspetti più controversi della gig economy, come l’assenza di certezze sulla retribuzione, il sistema perverso che porta lo stesso lavoratore a pagare per gli strumenti necessari per la sua attività e l’ancora più intollerabile meccanismo del rating, che precipita i rider in un vortice di penalizzazioni e privazioni di opportunità da cui è possibile uscire solo attraverso attività e orari ancora più massacranti.

Allo stesso tempo, Pierfrancesco Diliberto semplifica eccessivamente altri temi portati avanti in E noi come stronzi rimanemmo a guardare, ricorrendo a collegamenti superficiali e fuori luogo, come il nome dell’azienda di Arturo (che richiama Uber) o il modo di vestire e di comunicare del fondatore della multinazionale, chiari richiami a Steve Jobs. A lasciare perplessi è proprio quest’ultimo personaggio, vero e proprio villain del racconto insieme alla tecnologia stessa, del quale non comprendiamo mai la personalità e a cui Pif mette in bocca una sorta di monologo sull’utilizzo dei dati delle persone da parte dei colossi del tech, argomento non adeguatamente approfondito e sviluppato nel resto della narrazione.

Come già avvenuto per La mafia uccide solo d’estate e In guerra per amore, il caratteristico approccio a dimensione di bambino di Diliberto diventa anche la principale debolezza delle sue opere, troppo concilianti per riuscire a scuotere lo spettatore.

 E noi come stronzi rimanemmo a guardare: si ride a denti stretti

E noi come stronzi rimanemmo a guardare

Anche se E noi come stronzi rimanemmo a guardare mostra varie fragilità, accogliamo comunque con simpatia e stima un progetto italiano che esce per una volta dal seminato, proponendo diversi di spunti di riflessione e osando anche sequenze abbastanza ardite e scivolose, come l’intero incipit ambientato nella festa neonazista. La maschera comica di Fabio De Luigi fa il resto, concentrando sull’attore romagnolo il senso di disorientamento e inadeguatezza tipico del mondo del lavoro contemporaneo e garantendo il solito carico di risate. Risate che stavolta si trasformano però in sorrisi a denti stretti, perché il mondo descritto da Pif è purtroppo perfettamente coerente con l’involuzione tecnologica e umana che stiamo vivendo.

Il nuovo prodotto Sky Original E noi come stronzi rimanemmo a guardare sarà nelle sale italiane dal 25 al 27 ottobre, distribuito da Vision Distribution.

Overall
6.5/10

Verdetto

E noi come stronzi rimanemmo a guardare. Nella speranza di non dover mai pronunciare queste parole, Pif mette in scena un sinistro scenario futuro in cui l’umanità è totalmente asservita all’intelligenza artificiale. Non tutti i temi sono affrontati con la giusta profondità, ma le riflessioni proposte dal film allo spettatore sono giuste e sempre più urgenti.

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Time is Up: recensione del film con Bella Thorne e Benjamin Mascolo

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Time is Up

A cavalcare il rinnovato interesse internazionale nei confronti dell’Italia arriva Time is Up, teen drama di produzione italiana (per la precisione Lotus Production e Rai Cinema), girato in lingua inglese fra Roma e gli Stati Uniti. Un progetto confezionato su misura per i suoi due protagonisti, cioè la popstar Benjamin Mascolo – alla sua prima prova come attore – e la sua futura moglie Bella Thorne, conosciuta in tutto il mondo e particolarmente amata dai più giovani per le sue partecipazioni a piccoli cult come La Babysitter e Il sole a mezzanotte – Midnight Sun.

Dirette da Elisa Amoruso, le due star mettono in scena una classica storia d’amore tardo adolescenziale, che rimesta con fierezza fra i vari stereotipi del genere, come la disparità di classi sociali, l’importanza di cogliere l’attimo e l’immancabile appuntamento col destino. Un’opera dal valore artistico modesto, che ha però il pregio di proporre al proprio pubblico di riferimento, quello dei giovanissimi, la ritrovata immagine della Hollywood sul Tevere, sfruttando pienamente una Roma quasi deserta per via del periodo di restrizioni durante il quale è stata girata. Time is Up arriverà in sala grazie a 01 Distribution per un’uscita evento di soli 3 giorni, fissata al 25, 26 e 27 ottobre.

Time is Up: Bella Thorne e Benjamin Mascolo tra schermo e realtà
Time is Up

Vivien (Bella Thorne) è un’ambiziosa studentessa americana, con una passione viscerale per la fisica e impegnata con un talentuoso nuotatore. Nella stessa squadra del suo ragazzo c’è Roy (Benjamin Mascolo), ragazzo povero, estremamente tormentato, senza fiducia in se stesso e in fuga dai traumi del passato. Due mondi inconciliabili, due personalità incompatibili, che trovano un punto di incontro proprio a Roma, sede di un importante gara di nuoto dove Vivien si reca per fare una sorpresa al fidanzato. Le misteriose e imprevedibili dinamiche dell’amore avvicinano questi due poli opposti, portandoli a rivedere drasticamente le loro convinzioni sulla vita e sui sentimenti.

Dopo il documentario Chiara Ferragni — Unposted e il dramma intimo e autobiografico Maledetta primavera, Elisa Amoruso dimostra ancora una volta la sua poliedricità dando vita all’incrocio di due racconti di formazione e di educazione sentimentale, a cui fa da sfondo una Città Eterna da cartolina, più abbagliante e ovattata che mai. In un’opera letteralmente plasmata sui corpi e sulle vite dei protagonisti, a lasciare perplessi è il pudore nei loro confronti della regista, molto trattenuta sia nelle sequenze più sentimentali sia in quelle potenzialmente bollenti. Una scelta che non contraddice solamente la storia di Bella Thorne e Benjamin Mascolo, ma anche lo stesso impianto narrativo di Time is Up, che indugia ripetutamente sull’erotismo della protagonista ed è ancora più esplicito nella messa in scena di un rapporto omosessuale.

Aspettando il sequel

Time is Up

Data la natura fortemente commerciale e promozionale del progetto, ci si sarebbe inoltre potuti aspettare qualcosa di più anche sulla location di Roma, ridotta a mera cornice di una storia d’amore che si gioca più sugli sguardi e sul lento avvicinamento dei protagonisti che sullo scenario del loro rapporto. Una scelta che con ogni probabilità deriva dall’emergenza sanitaria, ma che ha comunque l’effetto di depotenziare il processo di valorizzazione dell’Italia chiaramente alla base di questo progetto.

Quasi a compensare queste incertezze dal punto di vista squisitamente editoriale, Time is Up è sovraccarico di tematiche, soprattutto per quanto riguarda la personalità dei protagonisti. Mentre il personaggio di Benjamin Mascolo è più quadrato e meno sfumato, anche per andare incontro all’inevitabile rigidità espressiva dell’attore debuttante, per caratterizzare Vivien si ricorre nuovamente a variazioni dell’ormai logora equazione di Dirac, legge fisica nota anche come equazione dell’amore. Bella Thorne si disimpegna bene, sostenendo diverse scene con la propria verve, ma diventa purtroppo inefficace quando chiamata a declamare frasi da Smemoranda o a diventare il volto di una vaga riflessione sulla memoria.

In questo lavoro che a malincuore non possiamo definire riuscito, ci sono due buone notizie: la prima è che Bella Thorne e Benjamin Mascolo funzionano insieme sullo schermo, quando sostenuti da una sceneggiatura adeguata o da una scena che li valorizzi, come la sequenza ambientata nell’idromassaggio o quella sulle note della loro canzone Up in Flames. La seconda è che c’è la possibilità di correggere il tiro. Nella cornice della Festa del Cinema di Roma, la produzione ha infatti annunciato che grazie alla buona accoglienza ricevuta dal film oltreoceano è in corso la lavorazione di Time is Up 2. Appuntamento quindi al sequel, nella speranza di vedere un’opera che contribuisca concretamente al rilancio del nostro cinema nel mondo.

Overall
5/10

Verdetto

Time is Up non rinnega mai la propria natura di opera puramente commerciale e dal target ben specifico, ma non convince proprio quando cerca di sfruttare la popolarità dei suoi protagonisti e di valorizzare le location romane.

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Anni da cane: recensione del film con Aurora Giovinazzo

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Anni da cane

Dopo aver portato sugli schermi di tutto il mondo Curon, serie mistery italiana da lui diretta, Fabio Mollo sbarca su Amazon Prime Video il 22 ottobre con Anni da cane, primo film Amazon Original italiano. Un’opera prodotta da Notorious Pictures e chiaramente frutto del processo di internazionalizzazione del nostro panorama cinematografico e seriale, soprattutto in ambito giovanile. Anni da cane è infatti una classica dramedy adolescenziale, che condivide con Sul più bello lo spettro della morte sulla narrazione (anche se declinato in maniera completamente diversa), strizzando ripetutamente l’occhio all’immaginario televisivo e cinematografico, citato più o meno esplicitamente in diverse occasioni. Nulla di nuovo sotto il sole, ma non si può che accogliere con favore e curiosità un progetto nato con l’ambizione di essere fruibile anche oltre i confini nazionali e capace di valorizzare un giovane talento come Aurora Giovinazzo, già sulla cresta dell’onda grazie a Freaks Out.

Anni da cane: il disagio adolescenziale in una rom-com tutta italiana

Anni da cane

Stella è un’adolescente come tante: insicura, goffa negli approcci con i coetanei e forte di una fervida immaginazione. A seguito di un incidente in auto che ha sconvolto per sempre la sua vita, in cui ha incontrato il suo cane, Stella si è convinta che i suoi anni vadano contati proprio nel modo con cui si contano quelli dei migliori amici dell’uomo. Dal momento che la ragazza sta per compiere 16 anni, per via di questo bizzarro calcolo Stella risulta un’ultracentenaria. La protagonista è talmente convinta della sua imminente dipartita da stilare una lista delle cose che deve assolutamente provare prima di compiere 16 anni. In cima alla lista c’è la sua prima esperienza sessuale, per la quale c’è anche il principale indiziato, cioè Matteo (Federico Cesari). Con l’aiuto dei coetanei Nina e Giulio e sotto lo sguardo rassegnato della mamma e della sorella, Stella comincia la sua bizzarra missione.

Anni da cane ragiona su un tema universale come il disagio esistenziale tipico dell’adolescenza, prendendo come punto di riferimento i giovani della generazione Z, sempre più privi di punti di riferimento. In una sorta di bignami degli adolescenti di oggi, ci addentriamo così fra i loro miti (come Achille Lauro, che compare nel film nel ruolo di se stesso), il loro naturale progressismo (all’insegna del poliamore e dell’integrazione sempre più efficace degli italiani di seconda generazione) e i loro punti di riferimento culturali, come Riverdale (citato esplicitamente), Euphoria, i cui colori audaci sono ripresi nella fotografia di Martina Cocco, e il generazionale Noi siamo infinito, sbertucciato bonariamente da Giulio. Un immaginario prevalentemente americano, accompagnato non casualmente da una Roma inaspettatamente discreta, che affiora quasi esclusivamente con le proprie location da cartolina (il Colosseo), per ribadire il respiro internazionale di Anni da cane.

La Stella Aurora Giovinazzo

Anni da cane

Il lavoro di Fabio Mollo doveva affrontare parecchie insidie, come un soggetto costantemente in bilico fra realismo e fantastico, un gruppo di personaggi decisamente eccentrici e gli inevitabili cliché che ogni racconto adolescenziale si porta dietro. Al netto di qualche passaggio meno riuscito, come il tira e molla amicale fra Stella, Nina e Giulio, Anni da cane vince la sua scommessa, trovando il giusto equilibrio fra commedia e dramma e soprattutto la Stella dal luminoso futuro di Aurora Giovinazzo, che domina ogni scena con il suo naturale carisma e con la sua vitalità costantemente repressa. A convincere sono soprattutto le sfumature più malinconiche e amare, che vedono protagonista anche Valerio Mastandrea con un prezioso cameo e rendono addirittura plausibili potenziali svolte tragiche, solitamente impensabili per un progetto del genere.

In mezzo a soluzioni prevedibili e discreti colpi di scena, Anni da cane mette in scena un elogio alle diverse velocità con cui si può vivere la vita. Fra la serena lentezza di Matteo e l’impazienza di Stella emerge una giusta via di mezzo, che può portarci a rallentare quando andiamo troppo di fretta o a riprendere a correre quando credevamo che non fosse più possibile. Anni da cane si rivela quindi un buon esordio per le produzioni originali italiane su Amazon Prime Video, capace di rappresentare la nostra industria all’estero ma paradossalmente frenato dalla sua stessa ambizione internazionale: l’immaginario a stelle e strisce in cui vivono i protagonisti (le feste sfarzose, la sessualità libertina) finisce infatti per sovrapporsi all’italianità dell’operazione, indebolendo un prodotto che ha non pochi pregi, fra cui quello di provare a svecchiare un movimento cinematografico perennemente proteso verso gli over 50.

Overall
6.5/10

Verdetto

Anni da cane si rivela una rom-com adolescenziale garbata e priva di evidenti difetti, che sconta la volontà di aprirsi al mercato internazionale celando troppo la sua italianità.

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