Halloween - La notte delle streghe Halloween - La notte delle streghe

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Halloween – La notte delle streghe: recensione del film di John Carpenter

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Sono passati ormai 40 anni da quell’ottobre del 1978 in cui John Carpenter cambiò per sempre la storia del cinema horror, dando ufficialmente vita con il suo Halloween – La notte delle streghe a quel filone dello slasher che fino ad allora aveva emesso solo alcuni vagiti con Reazione a catena di Mario Bava, Silent Night, Bloody Night di Theodore Gershuny e Black Christmas (Un Natale rosso sangue) di Bob Clark. Una insuperabile miscela di tensione, paura, perfetta regia e inquietante sonoro, che ha influenzato gran parte del cinema horror successivo (le saghe di Venerdì 13, Nightmare e Scream sono solo alcuni esempi di opere debitrici di Halloween – La notte delle streghe), generando inoltre un’impressionate sfilza di sequel, prequel e reboot, che con l’imminente distribuzione di Halloween di David Gordon Green (seguito diretto del capostipite) ha raggiunto un totale di ben 11 film.

Halloween – La notte delle streghe è inoltre tuttora uno dei film indipendenti di maggiore successo della storia del cinema, capace di racimolare oltre 70 milioni di dollari in tutto il mondo a fronte di un budget di circa 300.000, e principale artefice della definitiva esplosione di un vero e proprio Maestro della Settima Arte come John Carpenter, ancora oggi imperitura fonte di ispirazione per nuove generazioni di spettatori e cineasti.

Halloween – La notte delle streghe: l’inizio della leggenda di Michael MyersHalloween - La notte delle streghe

Nella Haddonfield del 1963, il bambino di 6 anni Michael Myers uccide inspiegabilmente a coltellate la sorella maggiore Judith. Dopo 15 anni di reclusione nel manicomio locale, poco prima della nottata di Halloween Myers riesce a fuggire, dirigendosi verso la sua città Natale. Consapevole della pericolosità del suo paziente, lo psichiatra Sam Loomis (Donald Pleasence) si mette subito sulle sue tracce. Nel frattempo, il folle, dopo aver ucciso un meccanico e rubato la sua tuta, comincia a pedinare la giovane Laurie Strode (Jamie Lee Curtis). Nella notte più tenebrosa dell’anno, ha così inizio una lunga scia di sangue e di morte.

Halloween - La notte delle streghe

Tralasciando per un attimo la componente emotiva, e la dirompente sensazione di angoscia che Halloween – La notte delle streghe ha provocato negli spettatori 40 anni fa, la cosa che salta più all’occhio guardando oggi il film di John Carpenter è la sua estrema semplicità in diverse scelte registiche e narrative. Una semplicità da non confondere assolutamente con superficialità, forte di una purezza di intenti ed esecuzione che diventa rivoluzionaria, inevitabilmente spartiacque fra ciò che c’è stato prima e ciò che è venuto dopo.

Lo straordinario prologo di Halloween – La notte delle streghe

Doveroso aprire con quella che è indiscutibilmente una delle scene più celebri e riuscite del film, ovvero il prologo con il quale assistiamo al battesimo di sangue di Michael Myers. Carpenter compie una scelta disarmante nella sua elementarità, ovvero dare allo spettatore lo stesso punto di vista del futuro mostro. La steadycam fluttua dolcemente, mostrandoci in un magistrale piano sequenza l’esitazione prima, e la lucida follia poi, del piccolo Myers, soffermandosi in ogni scalino e in ogni piccolo anfratto della casa, per poi metterci di fronte al lacerante orrore di una sorella che diventa vittima del più giovane fratello. Una soluzione che raggiunge il duplice scopo di generare il clima di ansia e tensione che non ci abbandonerà più fino ai titoli di coda e di presentarci al contempo la personificazione stessa del male, con un’azione inspiegabile e totalmente disumana.

Uno stacco temporale, e poi la pioggia. La stessa pioggia che giusto un anno prima aveva accompagnato l’eccezionale incipit di un altro capolavoro come Suspiria di Dario Argento (anche lui amante della soggettiva dal punto di vista dell’assassino) ci mette di fronte a quello che sarà il filo conduttore di Halloween – La notte delle streghe e per certi versi dell’intero cinema di Carpenter, ovvero l’impossibilità di sconfiggere il Male. “Non si può uccidere l’uomo nero”, dirà in seguito il piccolo Tommy, accudito dalla protagonista Laurie nella notte di Halloween ma al tempo stesso vera e propria chiave di accesso dello spettatore in una storia che, pur nella sua raggelante cupezza, assume quasi i toni della fiaba.

Halloween – La notte delle streghe gode delle memorabili musiche dello stesso John Carpenter

Con un’intelligenza registica e un rispetto per lo spettatore oggi sempre più rari, John Carpenter gioca con le nostre aspettative e con la cinepresa, utilizzando lente carrellate che progressivamente svelano la presenza di Michael Myers, che sembra quasi giocare al gatto col topo con quelle che saranno le sue future prede. Il regista sfrutta inoltre magnificamente le sue inconfondibili musiche, che si basano sulla ripetizione quasi psichedelica di pochissime note (ancora una volta, la semplicità come impagabile risorsa) per poi aprirsi alle tipiche sonorità synth che abbiamo imparato a conoscere e amare.

Halloween - La notte delle streghe

Nascosto sotto un’anonima maschera e dentro una banalissima tuta da meccanico, la figura di Michael Myers si fa sempre più sinistra, grazie anche alle parole del Sam Loomis del sempre efficace Donald Pleasence, che riesce con le sue parole e con il suo sguardo fra lo stralunato e l’atterrito a dare l’idea della portata della minaccia che incombe su Haddonfield. Come la protagonista Laurie (di nuovo personaggio e spettatore sullo stesso livello) diventiamo paranoici, vedendo la figura di Myers in ogni angolo, cercandolo in ogni vicolo e fremendo per le sue apparizioni, saggiamente centellinate da Carpenter.

Con Halloween – La notte delle streghe, John Carpenter rielabora il mito dell’uomo nero in maniera del tutto personale

Mentre il regista ci cuoce a fuoco lento, ci passano sotto il naso figure e situazioni tipiche dei successivi decenni di horror, perfettamente condensate nelle celeberrime “regole per un film horror” della saga di Scream. Dall’immancabile maschera del cattivo al sesso che anticipa la morte, passando per la ricorrenza di una tragedia e per le telefonate e le aperture delle porte, presagi di imminenti sventure. La crudezza dei delitti di Myers passa in secondo piano rispetto alle atmosfere che Carpenter riesce a creare, senza mai ricorrere a quelli che abbiamo imparato a chiamare jump scare, ma lavorando invece sulla nostra psiche, grazie a figure che emergono dal buio con un’inesorabile lentezza, figlia degli zombi di Romero ma declinata in maniera del tutto personale e originale.

Fondamentale nella costruzione del racconto e della tensione l’apporto di Jamie Lee Curtis, dapprima contraltare serioso e virginale dell’esuberanza delle amiche, poi antesignana scream queen perseguitata da Myers e infine disperatamente in lotta per la propria sopravvivenza contro il mostro. La sua progressiva perdita dell’innocenza coincide con la nostra graduale discesa all’interno di un orrore che si fa sempre più palpabile e reale, pur mantenendo connotati quasi magici come l’ubiquità (Michael Myers ha il potere di scomparire e ricomparire in brevissimo tempo a notevole distanza) o l’invincibilità (nonostante i diversi colpi subiti, il mostruoso protagonista si rialza sempre). John Carpenter rielabora così l’immarcescibile mito dell’uomo nero, facendo dell’inespressività un’arma (Myers non pronuncia una sola parola nel corso del film) e lasciando opportunamente diverse porte aperte alla fantasia dello spettatore, spesso sciaguratamente sbattute dai sequel.

Halloween – La notte delle streghe: un caposaldo dell’horror

Qual è l’origine della follia omicida di Michael Myers? La scelta delle sue vittime è determinata solo dall’associazione con la sorella o c’è qualcosa di più? Da dove deriva la sua apparente invincibilità? Tante domande senza risposta, che insieme a un finale quasi beffardo nella sua irresolutezza, suggellano una pietra miliare del cinema, che a 40 anni dall’uscita e nonostante mezzi tecnici risicati (soltanto 20 giorni di riprese totali) non ha perso neanche la minima parte della sua dirompente forza. Siamo cambiati noi, ed è cambiato il cinema intorno a noi, ma Halloween – La notte delle streghe rimane imperturbabilmente a osservarci nel buio, mettendoci ogni volta di fronte alle nostre più ancestrali e recondite paure.

Halloween - La notte delle streghe

In conclusione, non possiamo che fare un plauso a Stardust, che, in occasione del quarantesimo compleanno del film di Carpenter e in concomitanza con l’uscita al cinema dell’atteso sequel (forte della colonna sonora del Maestro), è riuscita a riportare in sala per 3 giorni Halloween – La notte delle streghe in versione rimasterizzata, permettendo una visione al cinema a chi, per motivi meramente anagrafici, non aveva potuto godere di questo capolavoro sul grande schermo e dando al tempo stesso l’opportunità alle nuove generazioni di avvicinarsi a un vero e proprio caposaldo dell’horror.

Halloween – La notte delle streghe: curiosità

Nel corso del film viene ripetutamente mostrato La cosa da un altro mondo, che i bambini guardano in TV durante la notte di Halloween. Oltre a essere un omaggio del regista alla storia del genere, questa citazione costituisce un importante aggancio con il prosieguo della carriera di Carpenter, che 4 anni più tardi dirigerà un suo remake del film, ovvero La cosa.

Nell’altro film di John Carpenter Il signore del male, il personaggio di Donald Pleasence si chiama Loomis, come quello da lui interpretato in Halloween – La notte delle streghe.

Il nome Michael Myers è un inquietante omaggio al distributore del precedente film di Carpenter, ovvero Distretto 13: le brigate della morte.

La sceneggiatura è stata scritta da Carpenter e dalla sua compagna di allora Debra Hill in soli 10 giorni.

John Carpenter ha citato Psycho come principale fonte di ispirazione per Halloween – La notte delle streghe. La scelta di Jamie Lee Curtis (all’esordio sul grande schermo) come protagonista è stata dettata anche da una connessione con il sopracitato film, interpretato dalla madre Janet Leigh. Il personaggio di Sam Loomis prende inoltre il suo nome da quello dell’amante di Marion Crane nello stesso Psycho.

Peter Cushing e Christopher Lee hanno entrambi rifiutato il ruolo poi andato a Donald Pleasence, per via del salario troppo basso. In seguito, Christopher Lee ha dichiarato che questo è stato uno dei più gravi errori della sua carriera.

Overall
10/10

Verdetto

A 4o anni dalla sua uscita, Halloween – La notte delle streghe non ha perso nulla della sua dirompente forza, che lo porta a essere un caposaldo dell’horror e un fondamentale tassello della leggendaria carriera di John Carpenter.

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Titane: recensione del film scritto e diretto da Julia Ducournau

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Titane

Alexia (Agathe Rousselle) ha una placca di titanio conficcata nel cranio a causa di un incidente passato. Ballerina in un salone di automobili, le sue performance erotiche la rendono preda facile degli uomini, che l’approcciano senza mezze misure. Ma Alexia uccide con un fermaglio chi si avvicina troppo e colleziona omicidi che la costringono a fuggire e ad assumere l’identità di un ragazzo, Adrien, il figlio scomparso dieci anni prima di un comandante dei pompieri, Vincent (Vincent Lindon). Titane, scritto e diretto da Julia Ducournau, ha vinto la Palma d’oro al 74º Festival di Cannes.

L’incontro di due mondi: Titane

Titane

Titane è un’esperienza metamorfica, è il viaggio di una donna che vive e osserva il suo corpo infrangersi e rifrangersi come un’onda. Un’esperienza corporale che si porta con sé l’idea che non esiste solo un corpo fisso, fermo, inerte, succube, ma che sa come cambiare, sa come mutarsi, quindi alterarsi, esoscheletrato da nuove realtà, nuove urgenze. 

Titane è l’incontro di due mondi, il primo è virile, steroidato, sofferente e ipertrofico, programmato per salvare vite, e un altro di metallo, omicida, gravido, erotico, programmato per uccidere. Sembra non poterci essere alcun collegamento tra i due mondi, ma in realtà c’è, e sta nella contrapposizione di una paternità elettiva e di una manipolazione relazionale. Titane vibra nella scarnificazione del metallo, è un mondo ibrido che si incendia nella combustione tra il titanio e la carne umana, è incorniciato dalla stessa idea che lingue di fuoco possono lambire la quotidianità di una famiglia, di una persona, di una stessa società.

Il mito di Prometeo

Quel fuoco sembra riportarci al mito, a Prometeo, come la sua protagonista, Alexia, che raffigura una semidivinità, macchina e donna, cyborg e umanoide, che dopo aver lasciato una scia di sangue senza fine, sceglie di frenarsi davanti a chi non chiede di smorzare il suo fuoco, ma lo accoglie come un nuovo inizio, un inizio frainteso, sbugiardato, compromesso, complesso, ma pur sempre l’inizio di una nuova casa, di una nuova famiglia, di una nuova forma di vita. 

Se il suo istinto omicida sembra quasi portarla sempre nella stessa direzione, sarà l’incontro con un uomo dagli occhi di ghiaccio, un padre imperfetto, imperituro, inadeguato, che farà cessare la sua ricerca, la sua fuga. Alexia sente per la prima volta il desiderio di tornare in quella che può definire una casa, pur non essendolo mai stata, pur non essendo concepita per lei, per il suo corpo, per la sua persona.

Vincent, che si ostina a vestire i panni di un Rambo di quartiere, con il suo senso del dovere, con la sua virilità ostinata e ostentata, si riflette nella figura androgina di quel figlio ritrovato, confuso, irriconoscibile, che non sa come restituire le sue attenzioni, che non sa come giustificare quel paradosso, che non sa come l’occhio umano possa concepire tale infingimento e viverlo quotidianamente, per giunta.

Titane: un cinema che sa ancora stupire

Titane

Titane vive di infingimenti, di paradossi, e si esprimono nelle relazioni, più che nel sentimento cyberpunk, meramente derivativo, che si porta con sé.  È un sentimento intelligibile quello che lega spettatore e immagine, e in questo caso c’è un fil rouge che si instaura fin dall’inizio quando Alexia, poco più che bambina, convive con una placca di titanio conficcata nel cranio, e ancora quando poi da adulta diventa ballerina nei Motor show, e si lancia in splendidi amplessi con una Cadillac.

Un fil rouge che è attrazione, attrazione per il gioco della regista, che si compie nell’ibridazione, visiva, corporale, tematica, simbolica, strutturale, nel giocare con la carne, con il rapporto epidermico tra macchina e umano, con la realtà e la sua interpretazione, con la vertigine delle ossessioni (della regista) che abbraccia M. Butterfly, rileggendo a più riprese David Cronenberg, trasformando la sua opera in una manipolazione, in approssimazione, in avvicinamento di immagini diverse, gore, orrorifiche, cyberpunk, melò, realizzando un cinema che sa ancora stupire, che sa come attrarre lo sguardo, che sa come generare una nuova umanità, dentro e fuori lo schermo. 

Titane è nelle sale italiane dall’1 ottobre, distribuito da I Wonder Pictures.

Overall
9/10

Verdetto

Il film vincitore della Palma d’oro dell’ultimo Festival di Cannes è un’esperienza metamorfica fra generi e suggestioni diverse,  che ci ricorda che il cinema può ancora stupire.

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La scuola cattolica: recensione del film con Benedetta Porcaroli

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La scuola cattolica

Al cinema, gli omaggi ad altri film non sono mai fini a se stessi. A volte sono vere e proprie dichiarazioni di intenti, mentre in altri casi hanno il fine di suscitare nello spettatore emozioni o ricordi specifici. Nell’ultimo lavoro di Stefano Mordini La scuola cattolica, una particolare citazione è invece l’emblema di cosa è andato storto in questo progetto, tratto dall’omonimo romanzo di Edoardo Albinati, vincitore del Premio Strega del 2016. Nello stesso 1975 in cui ha luogo il massacro del Circeo, intorno al quale ruota La scuola cattolica, nelle sale italiane arrivano The Rocky Horror Picture Show, che una delle vittime ha appena visto e apprezzato, e soprattutto L’ultimo treno della notte, rape and revenge movie di Aldo Lado la cui locandina non a caso è esposta fuori dal cinema che avrebbe dovuto accogliere Donatella Colasanti e Rosaria Lopez, dirette invece verso una notte di follia e orrore.

Cinema che esalta la vita, cinema che avrebbe potuto salvare dalla violenza e dalla morte. Cinema di genere privo di compromessi, verso il quale Mordini propende con decisione nell’ultimo atto de La scuola cattolica, scatenando le ire della Commissione per la classificazione delle opere cinematografiche, che con una delle decisioni più imbarazzanti della storia recente del cinema italiano ha deciso di vietare il film ai minori di 18 anni, per una “sostanziale equiparazione della vittima e del carnefice” ben distante dagli intenti e dall’operato del regista. Tralasciando questa triste e anacronistica vicenda, torniamo alla locandina de L’ultimo treno della notte, simbolo involontario di un’opera coraggiosa ma incompiuta, disturbante ma farraginosa, che vaga in un contesto complesso come l’Italia degli anni ’70 senza approfondirlo a sufficienza, entrando poi nella tragedia del Circeo senza aver creato gli adeguati presupposti narrativi.

La scuola cattolica: il massacro del Circeo nel discusso film di Stefano Mordini

La scuola cattolica

Chiamato al non facile compito di condensare in poco più di 100 minuti un romanzo di oltre 1200 pagine, Mordini fa del proprio meglio, riproponendo lo stesso contesto del libro, cioè un istituto scolastico maschile privato di stampo cattolico, popolato da figli di borghesi corrotti e annoiati, incapaci di dialogare con ragazzi in balia di una vera e propria trasformazione culturale e sociale. Fra padri che appianano con soldi le intemperanze dei figli (un mefistofelico Riccardo Scamarcio), mogli alle prese con mariti distanti fisicamente o emotivamente (Jasmine Trinca e Valeria Golino) e famiglie in preda al più cieco e insostenibile bigottismo, emerge un desolante quadro di mascolinità tossica e di deriva morale, che osserviamo dal punto di vista dello stesso Edoardo Albinati, interpretato da Emanuele Maria Di Stefano.

Il risultato è un gruppo di ragazzi allo sbando, che si rendono protagonisti di sopraffazione, anaffettività e violenza fra di loro e soprattutto nei confronti delle ragazze che frequentano. Un quadro che nella realtà era esacerbato dalle aderenze di questi giovani della Roma bene con gruppi e organizzazione neofasciste e dal loro utilizzo smodato di droga. Aspetti colpevolmente trascurati da Mordini per concentrarsi su una mentalità prevaricatrice e autoindulgente. Una peggio gioventù raccontata dal regista con continui (e talvolta confusi) salti temporali e attraverso una cernita non sempre convincente degli svariati episodi che alimentano il romanzo.

Il risultato è un’opera che si spande in diverse direzioni, senza imboccarne neanche una con decisione. Dalla goffa sessualità dei ragazzi alle specifiche psicologie dei protagonisti, passando per l’interpretazione distorta di quanto appreso a scuola (esemplare in tal senso il discorso del Prof. Golgota di Fabrizio Gifuni), sono svariati gli spunti proposti e non adeguatamente sviluppati.

Il disturbante epilogo

Nel percorso che porta La scuola cattolica verso la tragedia italiana più facilmente accostabile all’eccidio di Cielo Drive (non solo per la vicinanza temporale), Mordini sembra guardare proprio a Quentin Tarantino e al suo C’era una volta a… Hollywood: dall’enfasi sui cartelli stradali del luogo del massacro al sapiente utilizzo delle musiche dell’epoca (fra cui La collina dei ciliegi di Lucio Battisti, con i suoi non casuali “boschi di braccia tese”), il regista mette in pratica la lezione del più celebrato collega statunitense, dosando suspense e riproduzione di un’epoca lontana. Ad attendere lo spettatore non c’è però la classica ucronia tarantiniana, ma una cruenta e fedele rappresentazione di quanto avvenuto a San Felice Circeo tra il 29 e il 30 settembre del 1975.

Grazie anche alle dolorose e immersive prove di Benedetta Porcaroli e Federica Torchetti, Mordini mette a dura prova la sopportazione dello spettatore, pur distogliendo rispettosamente lo sguardo dai momenti più laceranti da quella funesta notte. Gianni Guido, Angelo Izzo e Andrea Ghira (interpretato in una breve apparizione da Giulio Pranno) sembrano però dei fantocci impazziti, di cui non comprendiamo la personalità. Non bastano infatti l’allucinato overacting di Luca Vergoni e il labile delineamento del contesto familiare di Gianni Guido per restituire allo spettatore i percorsi che hanno trasformato tre scapestrati adolescenti borghesi in spietati assassini, le cui malefatte si sono estese anche oltre il Circeo. Un evidente difetto in termini di coesione e incoerenza che indebolisce anche le migliori intuizioni del regista, come gli svariati riferimenti all’iconografia cattolica e l’audace e provocatorio accostamento dell’Eucaristia con un atto sessuale.

La scuola cattolica e il divieto agli under 18

La scuola cattolica

Un ulteriore elemento di perplessità arriva dai titoli di coda de La scuola cattolica, durante i quali si traccia una parabola sommaria dell’esistenza dei protagonisti e si accenna all’importanza del caso del Circeo per il riconoscimento dello stupro come reato alla persona, in uno slancio di impegno sociale che non trova collegamenti con quanto mostrato in precedenza. Anche se a nostro avviso i difetti de La scuola cattolica sono più significativi ed evidenti dei pregi, non possiamo che accogliere con rispetto un progetto che riporta alla luce una penosa pagina della storia italiana e la fa dialogare con un presente in cui l’attenzione sulla violenza di genere è sempre più alta, sporcandosi le mani col genere e valorizzando diversi giovani talenti nostrani. Un’opera ardita, ma anche una grande occasione per la produzione italiana, purtroppo malamente affossata da incomprensibili decisioni esterne.

La scuola cattolica è nelle sale italiane dal 7 ottobre, distribuito da Warner Bros.

Overall
5/10

Verdetto

Stefano Mordini riporta alla luce il delitto del Circeo in un’opera estremamente coraggiosa, che disperde però le proprie buone intenzioni a causa di una narrazione dispersiva e poco centrata.

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No Time to Die: recensione del film con Daniel Craig e Léa Seydoux

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No Time to Die

No time for spoilers. Questa la scritta che ci ha accolto all’anteprima stampa di No Time to Die, invitandoci a mantenere il più assoluto riserbo sugli eventi principali del venticinquesimo capitolo della saga di James Bond. Indicazione che, oggi più che mai, rispetteremo scrupolosamente, dal momento che sarebbe davvero un peccato rovinare agli spettatori questo vero e proprio viaggio emozionale in quasi 60 anni di storia di una delle serie cinematografiche più conosciute e apprezzate.

Come già ampiamente annunciato, No Time to Die è l’ultimo capitolo dell’era di Daniel Craig, nonché il primo diretto da un regista americano, con Cary Joji Fukunaga che ha ereditato il posto di Danny Boyle, uscito anzitempo dal progetto. Due snodi produttivi che si riflettono sulla storia di questo sontuoso episodio, toccante addio a uno degli interpreti dell’Agente 007 più efficaci in assoluto, in cui James Bond collabora attivamente con i colleghi della CIA tramite l’amico di sempre Felix Leiter (impersonato nuovamente da Jeffrey Wright). A seguito del precedente Spectre e della cattura di Blofeld, Bond si sta infatti godendo un pensionamento anticipato in Giamaica, lontano da quel mondo di avventure e pericoli che è stato la sua vita per tanti anni.

La sua lunga vacanza viene interrotta proprio da Leiter, che lo vuole con sé per salvare lo scienziato rapito Waldo Obruchev. Missione a cui Bond decide di partecipare, nonostante l’invito a starne alla larga da parte della nuova agente Nomi (Lashana Lynch), anch’essa provvista di una sigla doppio zero. Come spesso accade, questa missione è solo la punta dell’iceberg di una minaccia molto più grande, portata avanti dal terrorista Lyutsifer Safin (Rami Malek) attraverso una pericolosissima tecnologia, che si comporta esattamente come un virus.

No Time to Die: alla ricerca del tempo perduto

Credit: Nicola Dove

Non è un caso che No Time to Die veda il ritorno, in un ruolo ancora più centrale rispetto al precedente capitolo, della Madeleine Swann di Léa Seydoux, che come rimarcato dal suo nome è indubbiamente la Bond Girl più proustiana di tutte. Il titolo del capolavoro dello scrittore francese Alla ricerca del tempo perduto calzerebbe infatti a pennello anche come sottotitolo di questo capitolo della saga, che ha nel proprio nel tempo un protagonista assoluto, alla pari di James Bond. Tempo speso dall’Agente 007 in decine di avventure che lo hanno indurito, senza però mai eliminare il suo spessore umano, sapientemente esaltato da un Daniel Craig in stato di grazia. Tempo perso a respingere sentimenti e possibili lampi di felicità, a causa di alcune delusioni amorose che hanno portato James Bond a diffidare ulteriormente del prossimo, in una delle svariate proiezioni della sua professione nella vita privata.

Ma anche tempo che ritorna, sotto forma di seconda possibilità servita su un piatto d’argento all’Agente 007 per ricomporre il rapporto con Madeleine, in un groviglio di emozioni, coincidenze e disavventure che abbraccia il passato, il presente e il futuro di entrambi, indirizzandoli verso Lyutsifer Safin. Con la sua lucida spietatezza, il villain ben interpretato da Rami Malek rappresenta perfettamente un’epoca in cui, nella vita come sul grande schermo, è sempre più difficile separare nettamente il bene e il male, nonché un’ulteriore spina nel fianco per James Bond, sempre più fragile e logoro, nella mente e nel fisico. In questo contesto, non stupisce che la scelta della location per lo splendido spezzone che precede i titoli di testa sia ricaduta su una città senza tempo come Matera, verso cui Bond si dirige citando We Have All The Time In The World, frase e brano fondamentali per la serie.

No Time to Die e Agente 007 – Al servizio segreto di Sua Maestà

No Time to Die

Credit: Nicola Dove

Gli appassionati della saga di James Bond si dividono in due categorie: quelli per cui l’unico capitolo con protagonista George Lazenby Agente 007 – Al servizio segreto di Sua Maestà è uno dei migliori (se non il migliore in assoluto) e quelli secondo cui si tratta invece di uno degli episodi più scialbi e dimenticabili dell’intera serie. No Time to Die si schiera senza incertezze coi primi, costruendo con il film del 1969 un lungo e profondo dialogo a distanza, che non si limita ai molteplici richiami dell’immortale brano di Louis Armstrong. Un collegamento non certo casuale, dal momento che quella di George Lazenby è la versione più fallibile e sentimentale di James Bond, quindi naturalmente in sintonia con il percorso avviato da Daniel Craig nel fondamentale Casino Royale, anch’esso omaggiato con una visita alla tomba dell’indimenticabile Vesper Lynd, nel corso del segmento ambientato nel Sud Italia.

Adattandosi ai tempi, No Time to Die continua la radicale rivisitazione del personaggio avviata con questo ciclo, mostrandoci un James Bond sempre meno macho e in certi casi nettamente a disagio. Le donne intorno a James Bond lo determinano, all’opposto di quanto avveniva in passato. È questo il caso di Nomi, che punge ripetutamente l’Agente 007 sul vivo ricordandogli che è un’agente doppio zero come lui, ma anche del personaggio di Ana de Armas (ottima prova anche per lei), che nonostante la sua goffaggine sembra non subire il fascino di Bond e instaura con lui un rapporto decisamente meno bollente rispetto alle attese. Come Sean Connery in Agente 007 – Licenza di uccidere davanti alla celestiale visione di Ursula Andress, in una scena vediamo addirittura Daniel Craig letteralmente pietrificato di fronte a Madeleine, in un ulteriore ridimensionamento della sensualità di James Bond che paradossalmente ne accresce il mito.

L’azione non manca

No Time to Die

Credit: Nicola Dove

Mentre il contributo in sceneggiatura della star di Fleabag Phoebe Waller-Bridge nobilita No Time to Die, portando anche a qualche divertente siparietto in cui le donne evidenziano limiti e difficoltà di Bond in sua assenza, lo script realizzato a 8 mani con Fukunaga, Neal Purvis e Robert Wade mostra alcune debolezze, soprattutto per quanto riguarda il piano del malvagio Lyutsifer Safin. Nonostante le inquietanti analogie con le diverse teorie sull’origine del Coronavirus, come il laboratorio di massima sicurezza da cui viene sottratta la sostanza chiave per il temibile progetto Hercules di Safin, si fatica a comprendere la reale estensione della sua organizzazione, nonché i passi che il villain intende compiere per concretizzare i propri intenti. Aspetti che impattano notevolmente sulla percezione della minaccia da parte dello spettatore, e che forse sono frutto di aggiustamenti in fase di montaggio motivati proprio dalla pandemia in corso.

La costruzione del passato dei personaggi secondari è ben congegnata (pregevole in questo senso il flashback sulla giovane Madeleine, che sembra quasi ammiccare all’incipit di Bastardi senza gloria) grazie anche al contributo di Christoph Waltz, che dà al suo Blofeld sfumature di follia tipiche del Joker. Ciononostante, No Time to Die funziona a pieni giri solo quando si concentra sulla personalità del protagonista, sui suoi dubbi e sui suoi difetti, che lo rendono un antieroe umano e perfettamente al passo coi tempi.

A dispetto di ciò che si è erroneamente portati a pensare, l’approfondimento psicologico non cozza con l’azione: il venticinquesimo capitolo è infatti uno dei più riusciti anche sotto quest’aspetto, grazie agli spettacolari inseguimenti sulle strade di Matera, agli immancabili gadget avveniristici (per l’occasione si rispolvera la macchina con le mitragliatrici anteriori) e a sparatorie e scazzottate ben coreografate, per la gioia dei fan del Bond più fisico e pericoloso.

No Time to Die: l’epica chiusura di un ciclo

Credit: Nicola Dove

Man mano che ci si avvicina all’epico finale, che ci guardiamo bene dal rivelare, si percepisce la portata del periodo di Daniel Craig per la serie. Nel corso di questi ultimi 15 anni, fra picchi straordinari come No Time to Die e poche superabili scivolate, abbiamo scoperto la reale dimensione umana dell’Agente 007 e parte del suo tormentato passato e della sua situazione familiare, soffermandoci anche sul suo modo di affrontare l’amicizia, l’amore e la propria eredità. Il venticinquesimo episodio coincide con un punto di ritorno per il franchise, dal momento che alza l’asticella della qualità fino a una quota che non si toccava dai tempi del già citato Casino Royale e pone importanti interrogativi sul nuovo corso di James Bond, che dovrà necessariamente intraprendere nuove strade e abbracciare diverse sfumature per non correre il rischio di risultare una sbiadita rimasticatura del precedente.

Prima di scoprire quali delle tante possibili strade aperte da No Time to Die saranno intraprese, godiamoci però questo memorabile ultimo viaggio del James Bond di Daniel Craig, che fra conferme e colpi di scena, sorrisi e lacrime, ricongiungimenti e addii, rappresenta la chiusura perfetta di un ciclo destinato a rimanere impresso per sempre nella storia della saga. In fondo, per conoscere il futuro abbiamo tutto il tempo del mondo.

No Time to Die arriverà nelle sale italiane il 30 settembre, distribuito da Universal Pictures.

No Time to Die

Credit: Nicola Dove

Overall
8.5/10

Verdetto

No Time to Die è la perfetta chiusura di un cerchio narrativo, che nonostante qualche passaggio a vuoto nella rappresentazione dei piani del villain di turno si distingue come uno dei migliori capitoli della saga, tributando il meritato omaggio al James Bond di Daniel Craig.

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