I Used to Be Funny I Used to Be Funny

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I Used to Be Funny: recensione del film con Rachel Sennott

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Shiva Baby, Bottoms e adesso I Used to Be Funny, senza dimenticare l’escursione horror di Bodies Bodies Bodies e la piccola apparizione in Finalmente l’alba. Se tre indizi fanno una prova, Rachel Sennott è indubbiamente una delle giovani interpreti più promettenti in circolazione, capace di imporsi all’attenzione generale nel giro di pochissimi anni e di tratteggiare con le sue interpretazioni, sempre in bilico fra commedia e dramma, l’insoddisfazione e il disagio della Generazione Z. Dopo averla apprezzata nelle prime due regie di Emma Seligman (altro nome da tenere d’occhio), la ritroviamo di nuovo protagonista di un film indipendente (purtroppo non ancora distribuito in Italia), opera prima di Ally Pankiw. Un racconto dolceamaro, che parla di amicizia e del potere salvifico della commedia, ma anche di abusi e stress post-traumatico.

Al centro della vicenda c’è Sam (Rachel Sennott), ragazza che condivide con i suoi coinquilini Paige (Sabrina Jalees) e Philip (Caleb Hearon) la passione per la stand-up comedy, esercitandola sulla scena di Toronto. Per garantirsi un’entrata aggiuntiva, Sam accetta un lavoro come ragazza alla pari alle dipendenze di Cameron (Jason Jones) per occuparsi della figlia adolescente Brooke (Olga Petsa), che sta affrontando la malattia allo stadio terminale della madre. In un continuo gioco di salti avanti e indietro nel tempo, ritroviamo la protagonista in stato depressivo, chiamata a dare informazioni e suggerimenti per la ricerca di Brooke, scomparsa e irreperibile ormai da diversi giorni.

I Used to Be Funny: Rachel Sennott al centro di un dolceamaro ritratto generazionale

I Used to Be Funny

Nel fiorente panorama del cinema indipendente nordamericano è facile imbattersi in nuove voci e in nuovi sguardi, capaci di interpretare il contemporaneo con maggiore efficacia rispetto alle grandi produzioni hollywoodiane. Ally Pankiw è un perfetto esempio in questo senso: una solida gavetta in TV (anche con la regia di episodi di The Great e Black Mirror) in preparazione a un’opera prima di invidiabile solidità, che senza mai eccedere in retorica racconta con lucidità la società contemporanea, fatta di giovani tanto disincantati quanto fragili e di adulti troppo spesso incapaci di ascoltarli e aiutarli.

Sam è una ragazza come tante, costretta a convivere con altre persone per dividere le spese e disposta a fare compromessi per mantenere viva la fiamma artistica, rappresentata nel suo caso dalla stand-up comedy. I Used to Be Funny appunto, perché la vita le ha tolto la vis comica, bloccandola in un limbo emotivo da cui non riesce a fuggire. Nei flashback ben orchestrati da Ally Pankiw la vediamo dare fondo a tutta la sua ironia per allietare la vita di Brooke, scardinando lentamente il muro eretto dal dolore e dalla diffidenza della ragazza. Una dinamica non certo inedita, a cui la regista dà però una luce nuova attraverso la stand-up comedy, flusso continuo di analisi e rielaborazione della realtà.

Le cascate del Niagara come metafora della vita che scorre sul dramma

In equilibrio fra tatto e leggerezza, la regista dipinge un ritratto esistenziale doloroso ma pieno di speranza, rivelando progressivamente i risvolti più drammatici della vicenda. A dare forza e intensità al racconto è proprio Rachel Sennott, che si conferma attrice di invidiabile poliedricità, padroneggiando sia il registro comico sia le sfumature più cupe di I Used to Be Funny. Fra le spassose esibizioni sul palcoscenico, l’ironia con cui Sam affronta ogni risvolto della sua vita e l’affetto della sua famiglia adottiva queer, nell’ultimo atto emerge il lato più protettivo della protagonista, che porta il racconto in direzione di una sorellanza conflittuale ma necessaria per entrambe le parti.

Un’emblematica visita alle cascate del Niagara diventa così il simbolo di un racconto in cui il trauma e l’amarezza, per quanto crudeli e strazianti, scivolano a valle, lavati via dalla vita e dall’incrollabile spirito di una generazione figlia del declino e delle difficoltà ma sempre protesa in avanti.

I Used to Be Funny è stato presentato in anteprima italiana al Noam Off 2024.

Dove vedere I Used to Be Funny in streaming

Overall
7.5/10

Valutazione

Alla sua opera prima, Ally Pankiw firma con I Used to Be Funny un sorprendente ritratto generazionale, in bilico fra i traumi e il potere salvifico della commedia e dell’ironia.

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Cinema indipendente

Pennywise: The Story of IT, recensione del documentario sulla celebre miniserie

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Pennywise: The Story of IT

A quasi 40 anni dal suo arrivo nelle librerie di tutto il mondo, il fascino di It di Stephen King non accenna a diminuire, dal momento che è in lavorazione la serie Welcome to Derry, prequel degli eventi narrati nei due recenti adattamenti cinematografici di Andy Muschietti. L’occasione ideale per riportare alla luce il primo adattamento di questo folgorante romanzo, cioè la miniserie televisiva di Tommy Lee Wallace, divisa in due puntate e trasmessa nel 1990 dall’emittente americana ABC. Un successo immediato, diventato in poco tempo un fenomeno planetario, grazie soprattutto alla formidabile prova di Tim Curry nei panni del pagliaccio Pennywise, incarnazione di una mostruosa creatura che ciclicamente torna a seminare paura e morte nella fittizia cittadina di Derry. Uno show scandagliato in profondità da Pennywise: The Story of IT, documentario del 2021 di John Campopiano e Christopher Griffiths, finanziato con una campagna di crowdfunding su Indiegogo.

Pennywise: The Story of IT si concentra sulla genesi, sulla lavorazione e sul lascito di questa popolare miniserie, che in un’epoca in cui la serialità era ancora considerata la serie B dell’audiovisivo ha immobilizzato davanti allo schermo decine di milioni di spettatori in tutto il mondo, imprimendosi nell’immaginario collettivo anche grazie alla sua forte vena orrorifica e sanguinolenta, solo parzialmente attenuata dagli inevitabili compromessi dovuti alla programmazione televisiva. Un prodotto fondamentale per la formazione di molti cinefili e appassionati di horror di oggi, nonostante gli ampi tagli al materiale di partenza e una seconda parte (quella con i protagonisti adulti) molto meno efficace e riuscita della prima.

Pennywise: The Story of IT, dietro le quinte di una miniserie di culto

Pennywise: The Story of IT

Pennywise: The Story of IT deve scontare numerose assenze, come quelle di Jonathan Brandis (Bill Denbrough bambino), Harry Anderson (Richie Tozier adulto) e John Ritter (Ben Hanscom da adulto), che purtroppo sono prematuramente scomparsi. Fra i vari intervistati inoltre manca quello più importante di tutti, cioè Stephen King, comunque presente all’inizio del documentario grazie a del girato d’archivio, in cui racconta la genesi del suo terrificante capolavoro. John Campopiano e Christopher Griffiths si concentrano poi sulla lunga fase di gestazione, che ha coinvolto anche George A. Romero (la cui versione si sarebbe però aggirata intorno alle 10 ore) e Lawrence D. Cohen, autore della prima versione della sceneggiatura, rivista poi dallo stesso regista designato Tommy Lee Wallace, stretto collaboratore di John Carpenter già apprezzato dietro alla macchina da presa per Halloween III – Il signore della notte e Ammazzavampiri 2.

Proprio Lawrence D. Cohen e Tommy Lee Wallace raccontano la complessa fase di adattamento, che ha portato a sforbiciare numerosi passaggi fondamentali del libro, come il controverso momento in cui la giovane Beverly fa sesso con tutti gli altri componenti maschili del Club dei Perdenti, di cui era ignara anche l’interprete Emily Perkins, che nel corso del documentario racconta alcuni aneddoti divertenti in proposito. Fra confessioni, ricordi e retroscena, emerge chiaramente l’insoddisfazione di Tommy Lee Wallace a proposito della famigerata seconda parte, penalizzata dal budget e a suo dire anche da un cast adulto complessivamente meno convincente rispetto agli interpreti bambini.

Fra aneddoti e ricordi

Pennywise: The Story of IT concede comunque il suo momento a ogni protagonista, in un flusso di emozioni e nostalgia alimentato da Richard Thomas (Bill Denbrough adulto), Seth Green (Richie Tozier bambino), Dennis Christopher (Eddie Kaspbrak adulto) e tanti altri. A emergere su tutti è però ancora una volta Tim Curry, che nonostante la salute precaria porta il suo contributo di attore di razza, nonché il suo fondamentale punto di vista sulla creazione dell’agghiacciante look del pagliaccio che ha infestato i sogni di molti bambini degli anni ’90, anche grazie al trucco non troppo invasivo preteso dall’attore.

Pennywise: The Story of IT non indora mai la pillola e affronta anche i risvolti meno riusciti del progetto, come le divergenze creative sul ragno al centro dello scontro finale della seconda parte, che ancora oggi grida vendetta. Un approccio lucido e sincero, che completa una riuscita operazione nostalgia, capace di fornire agli appassionati di questa miniserie diverse informazioni utili e allo stesso tempo di solleticare la fantasia e la memoria di chi invece ha dimenticato o non ha mai visto questo pezzo di storia della televisione.

Sul sito della casa di produzione del documentario Cult Screenings UK, è disponibile in edizione limitata anche un libro basato su Pennywise: The Story of IT.

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7/10
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Cinema indipendente

The Strong Man of Bureng: recensione del documentario di Mauro Bucci

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The Strong Man of Bureng

Il cinema etnografico è un genere glorioso, intrecciato indissolubilmente con la storia della settima arte fin dagli anni ’20 del secolo scorso, grazie al lavoro di maestri come Robert J. Flaherty e a opere come il suo celeberrimo Nanuk l’esquimese, pietra angolare del cinema documentaristico. Un genere che si evolve insieme al mondo, permettendo di raccontare storie lontane sia dal cinema mainstream, sia dalla vita degli spettatori, spalancando così piccole ma fondamentali porte su persone e percorsi esistenziali che meritano di essere portati alla luce. È questo il caso di Essa J. Darboe, ex soldato ONU e rifugiato del Gambia protagonista di The Strong Man of Bureng di Mauro Bucci, presentato nel corso del FESCAAAL 2024 e disponibile su Mymovies One.

Essa J. Darboe, già al centro del precedente lavoro di Mauro Bucci Hotel Splendid, è un esempio perfetto dell’imprevedibilità della vita e dei paradossi della burocrazia, capaci di distruggere anche le migliori intenzioni. The Strong Man of Bureng ce lo presenta in una fase di relativa stabilità, al termine di un lungo e tortuoso viaggio che l’ha portato dall’Africa alla Finlandia, passando per l’Italia e per un sospirato permesso di soggiorno. Essa J. Darboe costruisce con successo sulle macerie, dando vita a un proficuo business dell’usato fra Europa e Gambia che assicura sostentamento non solo a lui, ma anche alla sua numerosa e poverissima famiglia. Lo vediamo così finalmente sereno, anche se sospeso fra i suoi affetti e un sentimento difficile da definire con la donna che lo ospita e con cui porta avanti i suoi affari.

The Strong Man of Bureng: la paradossale vita di Essa J. Darboe

The Strong Man of Bureng

A stravolgere questo fragile equilibrio è il Covid, che blocca il mondo (Gambia compreso) proprio quando Essa J. Darboe si trova in Africa. Impossibilitato a portare avanti il suo business e allo stesso tempo impotente di fronte alla scadenza del suo visto, l’uomo precipita nuovamente in un inferno fatto di povertà estrema per sé e per i suoi cari, nonché di una misera esistenza in un accampamento nell’attesa che si sblocchi la sua situazione burocratica in Italia.

Mauro Bucci documenta il peregrinare del protagonista con lucidità e sensibilità, senza mai diventare né moralmente ricattatorio né eccessivamente retorico. ConThe Strong Man of Bureng, il regista ci mette di fronte a una situazione ancora peggiore della povertà estrema e della mancanza di alternative per sopravvivere, quella di chi torna nella medesima situazione di prima proprio nel momento in cui scorge qualche timido raggio di speranza. Un viaggio struggente, reso ancora più doloroso dalle assurdità di un sistema che trasforma le persone in fantasmi apolidi, costretti a rimanere bloccati per mesi nell’attesa del completamento di una pratica semplicissima, che per loro rappresenta però il confine fra la vita e la totale privazione di dignità.

Una struggente altalena emotiva

Una parabola totalmente illogica, che Mauro Bucci sottolinea con le sue scelte registiche, tratteggiando l’effimera gioia della famiglia Darboe nel momento in cui, pur in un contesto di povertà, le donne, i bambini e gli altri cari di Essa hanno tutto ciò che gli occorre davvero, cioè l’acqua e un pasto sicuro. La ciclicità della vita del protagonista si ripropone poi nel toccante epilogo, in cui dopo la burrasca torna nuovamente il sereno, sotto forma di una grande festa nel villaggio di Bureng, fra nuove vite, gioiose danze e graditi ritorni. Un’altalena emotiva che ci ricorda l’importanza di ciò che troppo spesso diamo per scontato, narrata con passione da un grande documentarista, che nobilita ancora una volta questo fondamentale genere.

Overall
8/10

Valutazione

Mauro Bucci firma un fulgido esempio di grande cinema etnografico, che attraverso la paradossale parabola di Essa J. Darboe ci ricorda l’imprevedibilità della vita.

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Cinema indipendente

Saudade: recensione del documentario di Pietro Falcone

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Saudade

«Gli spagnoli dicono “añoranza”, i portoghesi “saudade”. In ciascuna lingua queste parole hanno una diversa sfumatura semantica. Spesso indicano esclusivamente la tristezza provocata dall’impossibilità di ritornare in patria. Rimpianto della propria terra. Rimpianto del paese natio». Milan Kundera descrive così la saudade, stato d’animo tipico dei brasiliani e dei portoghesi spesso tratteggiato con sfumature comiche (un esempio su tutti: L’allenatore nel pallone), ma utilizzato in realtà per descrivere un sentimento ben più profondo, in bilico fra la malinconia e la vera e propria perdita. Un sentimento al centro di Saudade, documentario di Pietro Falcone presentato nel corso del FESCAAAL 2024 (disponibile su Mymovies One) e incentrato sulla storia di Nilde, madre brasiliana del regista.

Un racconto nato durante il Covid, che attraverso l’isolamento forzato ha portato Pietro Falcone a ripercorrere la storia della sua famiglia e in particolare della madre, partita da ragazza dal Brasile per raggiungere il suo amore Marco, padre del regista. Una scelta di cuore, che ha portato alla nascita di una splendida famiglia, ma anche a un netto distacco e a un conseguente profondo rimpianto di Nilde, costretta a vivere lontana dai suoi cari e dal Paese in cui è cresciuta. Attraverso quattro capitoli, ripercorriamo questa toccante storia, fatta di gioie ma anche di nostalgia.

Saudade: la storia di un amore e di una famiglia, in bilico fra gioia e rimpianto

Fra vecchi filmati di famiglia e riprese ad hoc, Saudade dipinge la parabola esistenziale di Nilde, segnata da un amore nato in modo del tutto casuale, con il più classico e fortunato dei colpi di fulmine. Un racconto privato ma non parziale, con cui Pietro Falcone analizza lucidamente la sua famiglia, incollandosi affettuosamente a Nilde con primi e primissimi piani volti a scandagliare i più reconditi anfratti dell’animo della madre. Un quadro che non estromette le asperità, documentando al contrario anche la frustrazione della donna per la sua dipendenza economica dal marito e per il brusco distacco dal padre.

Saudade ondeggia liberamente fra presente e passato, sottolineando così il rapporto causale che intercorre fra ogni fase della vita di Nilde, soffermandosi con invidiabile sincerità sui suoi rimpianti, sulle sue paure, sui suoi desideri e persino sui momenti di tensione col marito. Nonostante il breve minutaggio (appena 65 minuti) e la dimensione totalmente indipendente del progetto (il documentario è prodotto da IFA Scuola di Cinema), Saudade genera naturale empatia nei confronti della protagonista, divisa fra due culture, due continenti e due mondi, e perciò impossibilitata a sentirsi totalmente felice e appagata.

Il promettente esordio di una nuova voce

Con il passare dei minuti, il documentario si allarga al ramo italiano della famiglia di Pietro Falcone, inserendo nella narrazione la nonna Esterina, protagonista di alcuni momenti di grande dolcezza e di alcuni inevitabili contrasti con la nuora. Una presenza che offre uno spaccato ancora più preciso e approfondito di questa famiglia, ma che allo stesso tempo toglie spazio a Nilde, vero e proprio baricentro narrativo ed emotivo del documentario. Piccole battute d’arresto che non impediscono però a Saudade di fare emergere i paradossi e le contraddizioni che accompagnano anche le esistenze più felici, stimolando al contempo domande tutt’altro che banali su cosa siamo disposti a sacrificare per amore e per il sogno della felicità.

Un promettente esordio di una nuova voce, che vogliamo ascoltare di nuovo negli anni a venire.

Overall
7/10

Valutazione

Con il suo lucido e appassionato documentario, Pietro Falcone tratteggia la toccante parabola esistenziale di sua madre Nilde, costantemente sospesa fra amore e malinconia.

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