Il filo nascosto Il filo nascosto

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Il filo nascosto: recensione del film di Paul Thomas Anderson

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A tre anni di distanza dal discusso Vizio di forma, Paul Thomas Anderson muta radicalmente luoghi e atmosfere, abbandonando le soleggiate spiagge di Los Angeles e la scena hippy, magistralmente incarnata dall’atipico detective Larry Sportello di Joaquin Phoenix, in favore del rigore e dell’eleganza dell’alta moda londinese degli anni ’50, teatro del suo ultimo sbalorditivo lavoro Il filo nascosto.

Ancora una volta, il cineasta statunitense, con alle spalle già diverse pietre miliari degli ultimi decenni come Boogie Nights, Magnolia e Il petroliere, stupisce per il suo totale controllo del mezzo cinematografico e per la sua stupefacente libertà autoriale e narrativa nel mettere in scena storie uniche e inclassificabili, capaci di giocare costantemente con le emozioni e le aspettative dello spettatore per portarlo in recessi profondi e inesplorati della sua mente. A dare corpo e volto all’ultima fatica di uno dei migliori registi del cinema statunitense contemporaneo è uno dei massimi interpreti della Settima Arte, ovvero Daniel Day-Lewis, il quale, salvo auspicabili ma improbabili ripensamenti, concluderà proprio con Il filo nascosto il suo memorabile percorso sul grande schermo.

Il filo nascosto: una miracolosa armonia di generi e sfumature

L’attore inglese impersona magistralmente Reynolds Woodcock, affermato stilista britannico che guida insieme alla sorella Cyril (Lesley Manville) il prestigioso marchio sartoriale di famiglia, a cui si rivolgono le più altolocate celebrità. Un artista schivo e austero, che si oppone alla sfavillante eleganza dell’ambiente in cui opera con una sorprendente rigidità, alla perenne ricerca della perfezione assoluta e in costante fuga da un qualsiasi coinvolgimento sentimentale. Tutto cambia nel momento in cui Reynolds fa la conoscenza dell’umile e tenace cameriera Alma (la bravissima Vicky Crieps). Fra i due scocca immediatamente la scintilla dell’amore, che li trascina in un ineffabile, ossessivo e appassionato dualismo sentimentale, alimentato dalla voglia di reciproca affermazione e dal vicendevole bisogno di supporto nei momenti di debolezza.

Il filo nascosto è una miracolosa armonia di sfumature e generi diversi, che Paul Thomas Anderson attraversa con eccezionale maestria, utilizzando un’estetica ricercata, ma mai fine a se stessa, come strumento narrativo di una profonda riflessione sul rapporto di coppia nella sua interezza, dalle tante luci alle poche ma minacciose ombre, che diventano al tempo stesso agenti del caos e carburante di ogni legame sentimentale.

Il regista utilizza l’imponente impianto visivo, con luci calde e avvolgenti che si alternano ad atmosfere più fredde, a sottolineare il mutevole stato d’animo dei protagonisti, la trionfale anche se a tratti ridondante colonna sonora orchestrale di Jonny Greenwood, la sfarzosa scenografia e l’ineguagliabile espressività di Daniel Day-Lewis per mettere in scena un racconto che sa essere contemporaneamente toccante melodramma, thriller hitchcockiano (chiara l’ispirazione da Rebecca – La prima moglie), noir con sfumature da ghost story (il metaforico fantasma della madre che ossessiona il protagonista) e delicata e malinconica riflessione storica e sociale, con l’alta moda britannica  emblema del contrasto fra il più sobrio stile british e l’imminente rivoluzione culturale della Swinging London.

L’ultima sensazionale prova di Daniel Day-Lewis

Il filo nascosto

Il filo nascosto è soprattutto la storia di un amore viscerale e respingente, che proprio come un filo invisibile ma palpabile lega due anime opposte e complementari, che si cercano, si toccano, si allontanano e si riprendono, in un valzer sentimentale in cui i passi sono gli sguardi, gli impercettibili gesti, le sottili provocazioni e i più ambigui giochi di potere insiti in ogni coppia. Una tela ostica e rarefatta, su cui Paul Thomas Anderson disegna un’opera costantemente attraversata da una tenue e appagante tensione, che la rende una sorta di giallo amoroso, in cui al posto delle violenze più efferate ci sono loquaci silenzi e dove i colpi di scena sono sostituiti dalla lenta ma inesorabile manifestazione della vera personalità e delle più umane e condivisibili fragilità dei protagonisti.

Daniel Day-Lewis e Vicky Crieps sono sensazionali nel dare profondità e spessore ai gesti e alle azioni più semplici, come un pasto, la discesa di una scala, la reazione a una frase poco gradita, rendendoli parte di uno struggente saliscendi emotivo, in cui non esistono né vittime e carnefici, né capi e schiavi, ma soltanto due innamorati che attraverso il cibo, le movenze e la reciproca riottosità combattono e si donano per trovare il proprio posto in un rapporto che va al di là delle parole e della carnalità, toccando gli anfratti più nascosti del significato dello stare insieme.

Una menzione d’onore la merita certamente la straordinaria Lesley Manville, giustamente candidata all’Oscar per la sua performance, il cui personaggio diventa una sorta di arbitro in questa contesa sentimentale, agendo da filtro fra la soltanto apparente fragilità e inesperienza di Alma e l’inquietante maniacalità di Reynolds e spostando continuamente gli equilibri della coppia.

Il filo nascosto: il manifesto sentimentale di Paul Thomas Anderson

Il filo nascosto

Come i pregiati abiti creati da Reynolds, Il filo nascosto amalgama magnificamente le più preziose eccellenze, che si intrecciano fra loro in un’opera unica e ineguagliabile di uno dei più grandi autori del cinema contemporaneo. La più ricercata rappresentazione visiva e scenografica si incrocia con la recitazione teatrale di attori poliedrici e icastici, mentre le musiche di Jonny Greenwood esaltano le fasi più significative di un rapporto particolare e allo stesso tempo universale, in un tripudio di emozioni e sentimenti che appaga i sensi, soddisfa la mente e riscalda il cuore. Un manifesto sentimentale che ci mostra come a volte il miglior modo per farsi valere sia quello di defilarsi e la maniera più efficace per affermarsi sia cedere e abbandonarsi alle proprie debolezze.

Un lavoro fatto più di sensazioni che di storia, più di gesti che di parole, che con dissacrante sincerità scava nell’animo dello spettatore, raccontando da un mondo lontano ed elitario i più misteriosi e intimi segreti del cuore.

Overall
9.5/10

Verdetto

Paul Thomas Anderson aggiunge un nuovo tassello alla sua sfavillante carriera, immergendoci in un viaggio nel mondo della sartoria che diventa pungente, sfarzosa e appassionante riflessione sui rapporti di coppia.

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Petite Maman: recensione del film di Céline Sciamma

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Petite Maman

Dopo il successo planetario di Ritratto della giovane in fiamme, Céline Sciamma torna dietro la macchina da presa con una pellicola suggestiva, politica e intima, Petite Maman, applaudita all’ultimo Festival di Berlino. Distribuita in Italia da Teodora Film e MUBI, Petite Maman è stata presentata in anteprima durante Alice nella Città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma. 

Da sempre attenta al mondo dei giovanissimi e al tema dell’identità femminile, Sciamma torna alle atmosfere di Tomboy, uno dei suoi film più amati, dimostrando ancora una volta una sensibilità fuori dal comune. Petite Maman ha per protagonista Nelly, una bambina di otto anni che dopo la morte della nonna passa qualche giorno nella casa di campagna dove è cresciuta la madre, Marion. Nelly esplora la casa e il bosco che la circonda, dove sua madre giocava da bambina e dove aveva costruito la casetta di legno di cui aveva sentito tanto parlare. Dopo che la madre va via all’improvviso, Nelly incontra nel bosco una bambina della sua età che si chiama proprio Marion e sta costruendo una casetta di legno. 

Petite Maman: recensione del film di Céline Sciamma

Céline Sciamma

Céline Sciamma confeziona una storia delicata che si sublima nell’incontro tra due bambine, due specchi umani, due individui, Nelly e Marion. Quel che seduce della storia così particolare che ha scritto e diretto Sciamma è una pervicacia dell’assenza che si insinua in ogni fotogramma: nelle scene, soprattutto quelle girate negli interni, si percepisce la mancanza di qualcosa, il silenzio lambisce e incornicia la storia, e lo sguardo della regista si focalizza ora sulle bambine, ora sulla casa vicino il bosco che ospita Nelly, una dimora abitata da una presenza-assenza, da un sentimento, da un lutto, da un realismo magico che pervade anche l’intero film. 

Petite Maman è un lavoro che imperversava nella mente della regista mentre girava Ritratto della giovane in fiamme. Ma è stato poi girato dopo il primo lockdown. L’elemento più detonante è l’aspetto dell’incontro, del viaggio temporale, che diventa una strada da percorrere: “Vengo dalla strada dietro di te”, dice Nelly prima di rivelare la verità. Una strada che la conduce dalla sua vita, dal suo tempo, ad un momento diverso, in cui sua mamma, Marion, ha la sua stessa età e vive in quella stessa dimora. Lo spazio si contrappone, si sovrappone, come anche i colori, gli spazi, i luoghi, i giochi, le abitudini, gli interni, che sono visibilmente cambiati, e le due bambine si ritrovano come due amiche che hanno solo il desiderio di giocare, di tracciare un vissuto, una ritualità, di colmare un vuoto. 

Inventare un’amicizia per sottrarsi al vuoto

“Tu non hai inventato la mia tristezza”, dice Marion a Nelly. Una frase potentissima che rimanda alle sensazioni che vivono e provano i bambini, come anche le paure: una delle paure più forti che pervade questo film è la tristezza degli adulti, quando i grandi che entrano in scena. La regista unisce due sguardi, quello femminile e quello infantile, che in fondo sono personaggi che non riescono quasi mai a dimostrare o a vivere la loro integrale individualità, e lo fa eliminando le gerarchie, creando una sorta di equilibrio, una genealogia orizzontale, tra madre e figlia. C’è un’intimità dello spazio, dell’infanzia stessa, ed è uno spazio e un tempo che non ha una connotazione precisa, uno spazio intimo, politico, evocativo, in cui l’immaginazione serve per compiere un viaggio nel tempo, per superare un lutto, inventare un’amicizia, imprevista, spontanea, per sottrarsi al vuoto. 

Non c’è magia, non ci sono varchi, solo una strada che si percorre che lega due mondi, due tempi diversi. 

Overall
8/10

Verdetto

Dopo il successo planetario di Ritratto della giovane in fiamme, Céline Sciamma torna dietro la macchina da presa con una pellicola suggestiva, politica e intima. 

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E noi come stronzi rimanemmo a guardare: recensione del film di Pif

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E noi come stronzi rimanemmo a guardare

E noi come stronzi rimanemmo a guardare. Il titolo del terzo lavoro da regista di Pierfrancesco Diliberto (in arte Pif) non è solamente la perfetta sintesi dell’opera, ma anche un monito sulla leggerezza con cui stiamo vivendo il nostro presente e sui cupi scenari a cui stiamo andando incontro. Ideato e realizzato prima della pandemia, E noi come stronzi rimanemmo a guardare ci trasporta in un prossimo futuro distopico, che ci appare ancora più vicino del previsto per la repentina svolta impressa dal COVID-19 alle nostre vite. Un futuro in cui è un algoritmo a decidere chi è produttivo o quali sono le possibilità di una coppia. Uno distopia inquietante e terribilmente realistica, in cui i lavoratori sono ridotti a sfiancarsi per pochi spiccioli e a rincorrere un altro algoritmo, che li penalizza per ogni loro errore. Una realtà in cui anche l’amore è parte integrante della gig economy.

E noi come stronzi rimanemmo a guardare la disumanizzazione del lavoro

E noi come stronzi rimanemmo a guardare

In questa epoca cupa, dove i rigurgiti fascisti sono un tema per festini privati (la storia si ripete sempre sotto forma di farsa), Fabio De Luigi è Arturo, manager di successo che nel giro di un brevissimo lasso di tempo perde la fidanzata e pure il posto di lavoro, per via di una scelta di un algoritmo che lui stesso ha contribuito a creare. Impossibilitato a trovare un lavoro adeguato al suo curriculum, l’uomo accetta un lavoro come rider presso Fuuber, colosso mondiale delle consegne a domicilio.

La medesima azienda offre ai propri clienti anche un’innovativa app rivolta alle persone sole, grazie alla quale è possibile godere della compagnia di un ologramma che si adatta alle preferenze alle necessità del consumatore. Grazie a questo progetto, Arturo conosce Stella (Ilenia Pastorelli), di cui si innamora. Al termine del periodo di prova del servizio, l’uomo si trova però costretto a sborsare una cifra fuori dalla sua portata per rinnovarlo. Messo a dura prova sia dal punto di vista lavorativo che da quello sentimentale, Arturo si addentra nei meandri di Fuuber, scoprendo una realtà ancora più sinistra di quanto immagina.

Pierfrancesco Diliberto frulla nello stesso contenitore Play Time – Tempo di divertimento di Jacques TatiLei di Spike Jonze, fondendoli con spunti alla Black Mirror e col cinema di Maurizio Nichetti (che non a caso compare in un cameo in E noi come stronzi rimanemmo a guardare), ricorrendo addirittura a echi fantozziani per la rappresentazione del grottesco ambiente di lavoro di Arturo. Svariati riferimenti per molta carne al fuoco, dal momento che Pif spazia con libertà e un pizzico di superficialità fra gig economy, satira politica e intelligenza artificiale, senza mai rinunciare alle dinamiche e alle atmosfere della commedia romantica.

Fra Jacques Tati e Ken Loach

Raro assistere a un’opera italiana così corrosiva e riflessiva in ambito tecnologico e sociale. Difficile infatti rimanere indifferenti di fronte alle disavventure di Fabio De Luigi, che pur nel contesto di una commedia popolare mai davvero disturbante portano avanti istanze lavorative e umane care a Ken Loach. Ci riferiamo soprattutto all’attività di rider di Arturo, che mette a nudo molti degli aspetti più controversi della gig economy, come l’assenza di certezze sulla retribuzione, il sistema perverso che porta lo stesso lavoratore a pagare per gli strumenti necessari per la sua attività e l’ancora più intollerabile meccanismo del rating, che precipita i rider in un vortice di penalizzazioni e privazioni di opportunità da cui è possibile uscire solo attraverso attività e orari ancora più massacranti.

Allo stesso tempo, Pierfrancesco Diliberto semplifica eccessivamente altri temi portati avanti in E noi come stronzi rimanemmo a guardare, ricorrendo a collegamenti superficiali e fuori luogo, come il nome dell’azienda di Arturo (che richiama Uber) o il modo di vestire e di comunicare del fondatore della multinazionale, chiari richiami a Steve Jobs. A lasciare perplessi è proprio quest’ultimo personaggio, vero e proprio villain del racconto insieme alla tecnologia stessa, del quale non comprendiamo mai la personalità e a cui Pif mette in bocca una sorta di monologo sull’utilizzo dei dati delle persone da parte dei colossi del tech, argomento non adeguatamente approfondito e sviluppato nel resto della narrazione.

Come già avvenuto per La mafia uccide solo d’estate e In guerra per amore, il caratteristico approccio a dimensione di bambino di Diliberto diventa anche la principale debolezza delle sue opere, troppo concilianti per riuscire a scuotere lo spettatore.

 E noi come stronzi rimanemmo a guardare: si ride a denti stretti

E noi come stronzi rimanemmo a guardare

Anche se E noi come stronzi rimanemmo a guardare mostra varie fragilità, accogliamo comunque con simpatia e stima un progetto italiano che esce per una volta dal seminato, proponendo diversi di spunti di riflessione e osando anche sequenze abbastanza ardite e scivolose, come l’intero incipit ambientato nella festa neonazista. La maschera comica di Fabio De Luigi fa il resto, concentrando sull’attore romagnolo il senso di disorientamento e inadeguatezza tipico del mondo del lavoro contemporaneo e garantendo il solito carico di risate. Risate che stavolta si trasformano però in sorrisi a denti stretti, perché il mondo descritto da Pif è purtroppo perfettamente coerente con l’involuzione tecnologica e umana che stiamo vivendo.

Il nuovo prodotto Sky Original E noi come stronzi rimanemmo a guardare sarà nelle sale italiane dal 25 al 27 ottobre, distribuito da Vision Distribution.

Overall
6.5/10

Verdetto

E noi come stronzi rimanemmo a guardare. Nella speranza di non dover mai pronunciare queste parole, Pif mette in scena un sinistro scenario futuro in cui l’umanità è totalmente asservita all’intelligenza artificiale. Non tutti i temi sono affrontati con la giusta profondità, ma le riflessioni proposte dal film allo spettatore sono giuste e sempre più urgenti.

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Time is Up: recensione del film con Bella Thorne e Benjamin Mascolo

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Time is Up

A cavalcare il rinnovato interesse internazionale nei confronti dell’Italia arriva Time is Up, teen drama di produzione italiana (per la precisione Lotus Production e Rai Cinema), girato in lingua inglese fra Roma e gli Stati Uniti. Un progetto confezionato su misura per i suoi due protagonisti, cioè la popstar Benjamin Mascolo – alla sua prima prova come attore – e la sua futura moglie Bella Thorne, conosciuta in tutto il mondo e particolarmente amata dai più giovani per le sue partecipazioni a piccoli cult come La Babysitter e Il sole a mezzanotte – Midnight Sun.

Dirette da Elisa Amoruso, le due star mettono in scena una classica storia d’amore tardo adolescenziale, che rimesta con fierezza fra i vari stereotipi del genere, come la disparità di classi sociali, l’importanza di cogliere l’attimo e l’immancabile appuntamento col destino. Un’opera dal valore artistico modesto, che ha però il pregio di proporre al proprio pubblico di riferimento, quello dei giovanissimi, la ritrovata immagine della Hollywood sul Tevere, sfruttando pienamente una Roma quasi deserta per via del periodo di restrizioni durante il quale è stata girata. Time is Up arriverà in sala grazie a 01 Distribution per un’uscita evento di soli 3 giorni, fissata al 25, 26 e 27 ottobre.

Time is Up: Bella Thorne e Benjamin Mascolo tra schermo e realtà
Time is Up

Vivien (Bella Thorne) è un’ambiziosa studentessa americana, con una passione viscerale per la fisica e impegnata con un talentuoso nuotatore. Nella stessa squadra del suo ragazzo c’è Roy (Benjamin Mascolo), ragazzo povero, estremamente tormentato, senza fiducia in se stesso e in fuga dai traumi del passato. Due mondi inconciliabili, due personalità incompatibili, che trovano un punto di incontro proprio a Roma, sede di un importante gara di nuoto dove Vivien si reca per fare una sorpresa al fidanzato. Le misteriose e imprevedibili dinamiche dell’amore avvicinano questi due poli opposti, portandoli a rivedere drasticamente le loro convinzioni sulla vita e sui sentimenti.

Dopo il documentario Chiara Ferragni — Unposted e il dramma intimo e autobiografico Maledetta primavera, Elisa Amoruso dimostra ancora una volta la sua poliedricità dando vita all’incrocio di due racconti di formazione e di educazione sentimentale, a cui fa da sfondo una Città Eterna da cartolina, più abbagliante e ovattata che mai. In un’opera letteralmente plasmata sui corpi e sulle vite dei protagonisti, a lasciare perplessi è il pudore nei loro confronti della regista, molto trattenuta sia nelle sequenze più sentimentali sia in quelle potenzialmente bollenti. Una scelta che non contraddice solamente la storia di Bella Thorne e Benjamin Mascolo, ma anche lo stesso impianto narrativo di Time is Up, che indugia ripetutamente sull’erotismo della protagonista ed è ancora più esplicito nella messa in scena di un rapporto omosessuale.

Aspettando il sequel

Time is Up

Data la natura fortemente commerciale e promozionale del progetto, ci si sarebbe inoltre potuti aspettare qualcosa di più anche sulla location di Roma, ridotta a mera cornice di una storia d’amore che si gioca più sugli sguardi e sul lento avvicinamento dei protagonisti che sullo scenario del loro rapporto. Una scelta che con ogni probabilità deriva dall’emergenza sanitaria, ma che ha comunque l’effetto di depotenziare il processo di valorizzazione dell’Italia chiaramente alla base di questo progetto.

Quasi a compensare queste incertezze dal punto di vista squisitamente editoriale, Time is Up è sovraccarico di tematiche, soprattutto per quanto riguarda la personalità dei protagonisti. Mentre il personaggio di Benjamin Mascolo è più quadrato e meno sfumato, anche per andare incontro all’inevitabile rigidità espressiva dell’attore debuttante, per caratterizzare Vivien si ricorre nuovamente a variazioni dell’ormai logora equazione di Dirac, legge fisica nota anche come equazione dell’amore. Bella Thorne si disimpegna bene, sostenendo diverse scene con la propria verve, ma diventa purtroppo inefficace quando chiamata a declamare frasi da Smemoranda o a diventare il volto di una vaga riflessione sulla memoria.

In questo lavoro che a malincuore non possiamo definire riuscito, ci sono due buone notizie: la prima è che Bella Thorne e Benjamin Mascolo funzionano insieme sullo schermo, quando sostenuti da una sceneggiatura adeguata o da una scena che li valorizzi, come la sequenza ambientata nell’idromassaggio o quella sulle note della loro canzone Up in Flames. La seconda è che c’è la possibilità di correggere il tiro. Nella cornice della Festa del Cinema di Roma, la produzione ha infatti annunciato che grazie alla buona accoglienza ricevuta dal film oltreoceano è in corso la lavorazione di Time is Up 2. Appuntamento quindi al sequel, nella speranza di vedere un’opera che contribuisca concretamente al rilancio del nostro cinema nel mondo.

Overall
5/10

Verdetto

Time is Up non rinnega mai la propria natura di opera puramente commerciale e dal target ben specifico, ma non convince proprio quando cerca di sfruttare la popolarità dei suoi protagonisti e di valorizzare le location romane.

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