Il ladro di giorni Il ladro di giorni

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Il ladro di giorni: recensione del film di Guido Lombardi

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Il cinema spesso riesce a parlare della famiglia in modo autentico. Per questo è avvilente assistere a film dispersivi, che raccontano, ad esempio, un rapporto padre-figlio con un’indulgenza narrativa e di visione sperticata e approssimativa. Il rapporto padre-figlio è un rapporto specifico di cui il cinema ha proposto alcuni buoni esempi ultimamente: da Beautiful Boy, Quando un padre Tutto il mio folle amore. Il più recente Il ladro di giorni ne offre un esempio molto debole e bolso.
 
Il ladro di giorni è un film diretto da Guido Lombardi, con Riccardo Scamarcio, Massimo Popolizio e Augusto Zazzaro, presentato durante la Festa del Cinema di Roma. La storia ci porta nella vita di Salvo, undici anni, un bambino che vive con gli zii in Trentino. Un giorno, mentre gioca a pallone, davanti a Salvo compare, dopo sette anni di assenza, suo padre Vincenzo. L’ultima volta che si erano visti erano al mare, in Puglia. Vincenzo ha trascorso sette anni in prigione e, adesso che finalmente è libero, vuole trascorrere del tempo con il figlio. Vincenzo e Salvo si dirigono a sud, attraversando luoghi, volti e segreti del passato. Sarà l’occasione per Salvo per conoscere fino in fondo chi è suo padre.

Il ladro di giorni: il film di Guido Lombardi

Il ladro di giorni
Il ladro di giorni è l’incontro tra un uomo con un passato criminale, che ha tradito ogni promessa al figlio, e un figlio che ha covato per anni la distanza dal padre e allo stesso tempo il desiderio di ritrovarsi con lui. C’è un mistero di fondo in questa pellicola, che non si vede ma si percepisce e appartiene al personaggio di Salvo: la sua trasformazione, la sua lontananza/vicinanza dal padre Vincenzo è una sorta di danza che lo porta a respingerlo poi ad accoglierlo nella sua vita, in modo sempre nuovo, violento, inevitabile. Forse questo dettaglio è la cosa migliore del film, la dinamica meglio riuscita all’interno del disegno drammatico. Come anche lo stesso personaggio di Salvo, un bambino solo, abbandonato, sempre fuori dal mondo, che avrebbe meritato forse più spazio nell’economia visiva della pellicola.
 
Tutto questo passa in secondo piano poiché il personaggio che vive di una centralità assoluta, ovvero Vincenzo, non riesce a traferire il suo dolore, il suo astio, il suo desiderio di vendetta in modo trasparente. Riccardo Scamarcio resta serrato in un personaggio che non sa gestire, che non veicola altro che la sua fisicità e la sua connivenza. La sceneggiatura è poco interessante, è senza spessore, senza sapore, non riesce ad emozionare, a raggiungere il cuore, non suggerisce alcun turbamento, neppure una minima trepidazione. Il rapporto padre-figlio è sghembo, decadente, sembra crescere fino ad un certo punto ma non va in alcuna direzione.

Un film senza spessore

Il ladro di giorni
 
Il ladro di giorni è un’opera che non elargisce particolare enfasi nel raccontare un rapporto così tempestoso, considerata la prigionia di Vincenzo e l’orfanità quasi coercitiva di Salvo. Il film di Guido Lombardi possiede dei presupposti importanti, densi, che non preconizzano affatto ciò che accade durante il film. L’elemento che avvilisce ulteriormente la narrazione è anche un finale preannunciato che concretizza ogni timore accumulato durante la visione del film: non c’è una vera direzione all’interno del meccanismo narrativo, e di conseguenza anche il senso stesso del film resta inglobato, fermo all’inizio, quando padre e figlio sono al mare e ignorano cosa sta per accadergli.
 
Il ladro di giorni arriverà prossimamente nelle sale italiane, distribuito da Vision Distribution.
Overall
4/10

Verdetto

Il ladro di giorni è un film deludente, senza spessore, senza sapore; sembra crescere fino ad un certo punto senza andare in alcuna direzione.

Apple TV+

La donna del lago: recensione della serie con Natalie Portman

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Se c’è una qualità che si deve riconoscere ad Apple TV+, indipendentemente dal giudizio di ognuno di noi sui prodotti della piattaforma, è sicuramente il coraggio di sperimentare con narrazioni in netta controtendenza con la standardizzazione seriale odierna, sfidando l’attenzione e la curiosità dello spettatore. Non fa eccezione a questa vera e propria linea editoriale La donna del lago, serie di Alma Har’el basata sull’omonimo romanzo di Laura Lippman, nonché primo show televisivo con protagonista Natalie Portman.

Mystery, noir e thriller intrecciati nella Baltimora degli anni ’60, teatro di una storia che nasce dal pregiudizio, dalla sopraffazione e dalla tragedia, per poi proporre allo spettatore un’angosciante riflessione sull’indipendenza e sull’autodeterminazione, a trazione femminile. Al centro della vicenda ci sono infatti tre donne: la ragazzina 11enne ebrea Tessie Durst (Bianca Belle) e la barista nera Cleo Johnson (Moses Ingram), entrambe scomparse e capaci di suscitare l’attenzione e l’interesse investigativo di Maddie Schwartz (Natalie Portman), moglie e madre casalinga con la passione sopita ma mai esaurita per il giornalismo. Per inseguire la sua ritrovata passione, Maddie lascia il marito Milton (Brett Gelman) e il figlio Seth (Noah Jupe), dedicandosi anima e corpo a un’indagine su due omicidi, ma anche e soprattutto su se stessa.

La donna del lago: su Apple TV+ la prima serie con Natalie Portman

La donna del lago

La donna del lago gioca con la formula del whodunit per parlare di molto altro, precipitandoci in un’America in cui nonostante l’avvento del Civil Rights Act la segregazione razziale è ancora triste realtà, insieme alle discriminazioni per sesso e religione. In questo ribollente contesto, in cui si fondono marciume morale e slanci progressisti, ha luogo un racconto di ri-formazione, grazie al quale Maddie Schwartz prende coscienza di se stessa, del suo posto nel mondo e del suo doloroso passato, ripercorrendo due vite spezzate completamente diverse dalla sua. Il risultato è un viaggio avvilente in una società profondamente razzista e maschilista, che sminuisce il lavoro e le intuizioni delle donne e oscura i soprusi subiti dalla comunità nera.

Una società corrotta e opportunista in cui non si salva nessuno compresa Maddie, che con il passare del tempo è mossa sempre più dal carrierismo, anziché per genuino interesse nei confronti di Cleo. Alma Har’el porta avanti in parallelo la storia di questi due personaggi, in una dinamica a tratti zoppicante per le differenze di scrittura e interpretazione: nonostante gli sforzi della regista e della stessa Moses Ingram per dare profondità e spessore alla vicenda di Cleo, Natalie Portman surclassa inevitabilmente il resto del cast, dominando la scena da diva consumata e catalizzando l’attenzione del pubblico anche quando il racconto si dilata nel tempo e negli spazi, abbracciando l’onirico e il surreale.

Un universo in cui è affascinante e doloroso perdersi

Con una cura per le atmosfere e per l’immagine più unica che rara nel panorama seriale contemporaneo. la regista mescola sogni, suggestioni e ricordi con scene musicali, umanità disperata e momenti di pura claustrofobia, dando vita a un’opera suggestiva e allo stesso tempo respingente (emblematico in questo senso il penultimo episodio dei 7 totali). Un racconto che ci parla di abuso, di anime tormentate e di discriminazione su molteplici livelli, dando vita a toccanti rapporti umani (come quello fra la protagonista e il personaggio di Mikey Madison, già vista in C’era una volta a… Hollywood e nella Palma d’Oro di Cannes 2024 Anora) ma mettendo in secondo piano ciò che dovrebbe fare da collante narrativo, ovvero il mistero.

Come in Twin Peaks, verso cui La donna del lago sembra quasi spingersi nei momenti più perturbanti, quando la componente mystery perde di intensità ne risente l’intera opera, che resta comunque un mondo in cui è affascinante e doloroso perdersi, per comprendere come ogni storia e ogni battaglia per i diritti siano fondamentali nel lungo e tortuoso cammino per il cambiamento e l’evoluzione della società.

La donna del lago è disponibile dal 19 luglio su Apple TV+.

La donna del lago

Dove vedere La donna del lago in streaming

Al momento non disponibile su nessuna piattaforma.
Overall
6.5/10

Verdetto

La prima serie con Natalie Portman è un’opera dal livello tecnico e produttivo impeccabile, che tende però a disperdere parte del proprio fascino quando mette in secondo piano il mistero.

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Recensioni

Twister: recensione del film con Helen Hunt e Bill Paxton

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Twister

Squadra che vince non si cambia, recita l’adagio. Devono avere pensato la stessa cosa Steven Spielberg e Michael Crichton, che dopo il successo planetario di Jurassic Park nel 1996 decidono di cavalcare l’onda con Twister. A prendere il posto dei suggestivi e spaventosi dinosauri del parco di divertimenti di John Hammond sono i tornado, altrettanto pericolosi e spettacolari, con il dirompente progresso degli effetti speciali a fare da ulteriore trait d’union fra i due progetti. Michael Crichton si occupa di soggetto e sceneggiatura insieme alla moglie Anne-Marie Martin, mentre Steven Spielberg, che l’anno successivo sfornerà Il mondo perduto – Jurassic Park e Amistad, si limita alla co-produzione con la sua Amblin Entertainment, lasciando la regia a Jan de Bont, reduce dal successo della sua opera prima Speed.

Ci sono tutti gli ingredienti per il successo, che in effetti arriva sotto forma di poco meno di 500 milioni di dollari di incasso, il secondo dell’anno dopo l’irraggiungibile Independence Day. In occasione dell’imminente uscita del sequel stand-alone Twisters, è però opportuno ripensare a questo film, scolpito nell’immaginario collettivo e indubbiamente fra i più notevoli frutti del filone del disaster movie, imperante a cavallo fra gli anni ’90 e i 2000. Oggi che la polvere sollevata nella finzione e nella realtà da Twister si è definitivamente posata, possiamo infatti osservare con equilibrio ed equidistanza quest’opera, i cui difetti appaiono ora molto più evidenti dei pregi.

Twister: l’uomo contro la natura in una sbiadita rimasticatura di Jurassic Park

Twister

Al centro della vicenda c’è l’ex coppia formata da Jo (Helen Hunt) e Bill Harding (Bill Paxton), due esperti di tornado in procinto di divorziare che si ritrovano per firmare le ultime carte in coincidenza dell’inizio della sperimentazione de La piccola Dorothy, innovativo strumento dedicato allo studio di questi violenti fenomeni atmosferici. Con Bill c’è anche la nuova fidanzata Melissa Reeves (Jami Gertz), mentre con Jo c’è la sua affiatata squadra, capitanata dallo spassoso Dusty Davis (Philip Seymour Hoffman). Fra dolorosi ricordi e crescenti pericoli, il gruppo si ritrova in mezzo a tornado sempre violenti, con il doppio fine di salvare la pelle e di fare compiere un passo in avanti alla scienza.

Di nuovo il genere umano impegnato nel vano tentativo di controllare e dominare la natura, ancora persone ordinarie alle prese con situazioni straordinarie. I punti fermi del cinema di Steven Spielberg (a cui possiamo aggiungere le famiglie disastrate) sono in bella vista, insieme al desiderio di spingere più avanti l’asticella dello spettacolo, in un percorso parallelo a quello della stessa Jo, ossessionata dai tornado fin dall’infanzia. Proprio a questo triste collegamento fra la protagonista e l’oggetto della sua ossessione è dedicato l’incipit di Twister, con l’improvvisa e raggelante morte del padre della piccola Jo a costituire l’unico vero momento tipicamente spielberghiano di un’opera che per il resto sceglie sempre di privilegiare l’azione fine a se stessa, lasciando in secondo piano l’evoluzione dei personaggi e il racconto per immagini.

Un prodotto di buona fattura tecnica (ottimo il sonoro, invecchiati decisamente peggio gli effetti speciali), in cui manca però sempre il bicchiere che vibra, ovvero quel dettaglio che in un vero capolavoro come Jurassic Park riesce a coniugare spettacolo, tensione, tecnica e umanità.

Twister: un film museale

Twister

Lo scarso interesse di Jan de Bont (in precedenza direttore della fotografia di film come Trappola di cristallo, Black Rain – Pioggia sporca, Caccia a Ottobre Rosso e Basic Instinct) nei confronti dei personaggi dà vita a caratteri nel migliore dei casi impalpabili, quando non totalmente macchiettistici. È questo il caso della psicologa Melissa Reeves, improbabile portabandiera della linea comica persa fra inutili siparietti telefonici a sfondo sessuale e imbarazzanti gag sulla sua sempre più traballante storia d’amore, ma le cose non vanno meglio per il compianto Philip Seymour Hoffman, sprecato nel ruolo di bizzarra spalla.

Persino due ottimi interpreti come Helen Hunt e Bill Paxton faticano a dare vita ai rispettivi personaggi, pallide imitazioni di Alan Grant ed Ellie Sattler alimentate più dal loro ruolo che da una vero e proprio arco narrativo. Completa il quadro l’incolore villain di Cary Elwes, che anche i più strenui sostenitori di Twister faticheranno a ricordare.

Dalla prospettiva odierna, emerge invece con chiarezza la dimensione museale di Twister, che cita più volte esplicitamente Il mago di Oz (non dimentichiamo inoltre che il viaggio di Dorothy inizia proprio con un tornado che trascina via casa sua), mostra malinconicamente la stessa Judy Garland in È nata una stella e distrugge un drive-in che proietta Shining, in un simbolico viaggio all’interno dell’incubo kubrickiano e kinghiano che anticipa di 22 anni l’amorevole omaggio contenuto in Ready Player One, firmato ovviamente dallo stesso Steven Spielberg. Nel momento in cui il cinema si scopre sempre più in grado di superare i propri limiti, volontariamente o meno Twister rimarca così la fragilità del genere umano e della settima arte, entrambi alla mercè di un fenomeno atmosferico incomprensibile e ingovernabile.

Il mancato messaggio ecologista

Mentre l’ineluttabile termine di paragone Jurassic Park (evocato anche dal tema musicale) riesce a mettere in scena anche un inquietante monito all’umanità, sempre più sull’orlo dell’abisso per la sua tendenza a superare i limiti e a prevaricare la natura, Twister manca anche l’opportunità di ragionare sull’ecologismo. In piena emergenza climatica, oggi possiamo purtroppo toccare con mano le colpe del genere umano per i sempre più frequenti fenomeni atmosferici estremi, ma le avvisaglie nel 1996 erano già evidenti, e sapientemente sfruttate da film coevi come Pom Poko e Il pianeta verde. Nell’opera di Jan de Bont non ci sono invece né prese di coscienza né critiche sociali, ma solo una rassegnazione condita da pallida utopia, evidente nel finale in cui si festeggia per il sospirato invio dei dati dei sensori sulla struttura dei tornado.

Restano una manciata di buone sequenze di fughe dai tornado (favorite anche dal caos correlato a questo evento atmosferico), qualche effetto speciale capace di reggere alla prova del tempo e una suggestiva fotografia plumbea. Troppo poco per un film che oggi fatica a reggere il confronto anche con prodotti realizzati nello stesso periodo e altrettanto fracassoni come Deep Impact e Armageddon – Giudizio finale. Oggi sono dunque più attuali che mai le parole di un grande maestro della critica mondiale come Roger Ebert: «Volete un intrattenimento rumoroso, stupido, abile ed evasivo? Twister funziona. Volete pensare? Pensateci due volte prima di vederlo».

Twister

Twister in Home Video

Dove vedere Twister in streaming

Overall
5/10

Valutazione

Nonostante il successo dell’epoca e gli effetti speciali pionieristici, oggi Twister appare come una pallida imitazione di Jurassic Park, priva di vitalità e abilità nel racconto per immagini.

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In evidenza

Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna: recensione del film con Scarlett Johansson

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Fly Me to the Moon

L’allunaggio del 20 luglio 1969 è stato un evento fondamentale sotto diversi punti di vista: quello tecnico-scientifico ovviamente, ma anche sul fronte geo-politico, dal momento che, con questa conquista, in piena Guerra Fredda gli Stati Uniti hanno inferto un duro colpo di immagine all’Unione Sovietica, precedentemente in testa nella corsa allo spazio grazie a Jurij Gagarin, primo uomo a volare nel cosmo. Quel piccolo passo per un uomo e allo stesso tempo gigantesco balzo per l’umanità ha però immediatamente acceso la fantasia di milioni di persone in tutto il mondo, dando vita alla cosiddetta teoria del complotto lunare, secondo cui le storiche immagine trasmesse in tutto il mondo sono state in realtà un’abile messa in scena. Una teoria già esplorata da film come Capricorn One e Moonwalkers, al centro anche di Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna.

Ennesimo importante investimento cinematografico di Apple in cerca di fortuna in sala (con primi risultati tutt’altro che incoraggianti, per usare un eufemismo), Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna è un’operazione decisamente coraggiosa, che cerca di fondere ricostruzione storica, analisi del capitalismo statunitense e commedia romantica, affidandosi all’estro e all’aura divistica di Scarlett Johansson e Channing Tatum. Un racconto costantemente in bilico fra leggerezza e dramma, fra cospirazione e spirito pionieristico, fra sentimento e cinismo, affidato alla mano esperta di Greg Berlanti, reduce dal successo di Tuo, Simon. Non mancano gli spunti di interesse e i momenti riusciti, ma in più di un’occasione si ha la sensazione che la sceneggiatura di Rose Gilroy fatichi a tenere insieme tutte le suggestioni e le tematiche proposte.

Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna: la corsa allo spazio come metafora del marketing capitalista

Fly Me to the Moon

Al centro della vicenda c’è la scaltra pubblicista Kelly Jones (Scarlett Johansson), ingaggiata da un funzionario governativo senza scrupoli (Woody Harrelson) con il compito di rilanciare l’immagine della NASA, alla disperata ricerca di consenso e sostegno economico per la missione Apollo 11. Quest’ultima si scontra però con Cole Davis (Channing Tatum), direttore del programma di lancio con diversi problemi da risolvere. Nonostante la diffidenza di Cole, fra i due nasce un sentimento sempre più forte. Le cose però si complicano quando la Casa Bianca chiede a Kelly di predisporre in gran segreto le riprese di un finto sbarco sulla Luna, da sostituire al filmato originale in caso di problemi.

Fin dai primi minuti, Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna si concentra su temi tutt’altro che superficiali come il concetto di verità (o post-verità) e il mefistofelico lavoro di marketing con cui gli USA vendono se stessi al loro interno e al resto del mondo. Riflessioni sviscerate con brio e leggerezza dall’ottima Scarlett Johansson, il cui personaggio racchiude perfettamente sia le dinamiche di personal branding con cui oggi infestiamo i nostri profili social, sia l’utilizzo più bieco dello storytelling, grazie al quale l’irresistibile Kelly Jones riesce a vendere letteralmente qualsiasi storia e a non farsi mai dire di no. Tutto ciò riverbera inevitabilmente nell’intreccio, che procede su un doppio binario: da una parte le verità nascoste fra Cole e Kelly, dall’altra la necessità di costruire una finzione alternativa alla realtà, che in uno dei momenti più emblematici del film è addirittura indistinguibile da essa.

Una rom-com insapore

Scarlett Johansson e Channing Tatum funzionano bene quando il secondo fa la spalla comica della prima; molto meno quando i due devono “venderci” una storia d’amore blanda e incolore. Il problema principale di Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna risiede proprio nella volontà di inserire a forza una sottotrama romantica in un impianto narrativo che avrebbe potuto tranquillamente reggersi sulla verve dei suoi protagonisti. Il risultato è un racconto che ondeggia senza convinzione fra commedia, sentimentalismo e seriosità, navigando a vista fra la screwball comedy e i più inflazionati cliché (un passato doloroso come unico improbabile punto di incontro fra persone diametralmente opposte).

Non è un caso che, nonostante le buone prove di Scarlett Johansson e Channing Tatum, il personaggio più efficace sia quello di Woody Harrelson, l’unico a cogliere pienamente lo spirito critico e disincantato alla base della vicenda. Molto meno efficace invece il personaggio di Jim Rash, che dopo Community si trova di nuovo a interpretare una macchietta gay, in questo caso decisamente fuori tempo massimo. Lontano dall’ossessiva epica di First Man – Il primo uomo, dalla raffinatezza di scrittura delle migliori rom-com e dalle più pungenti satire a sfondo cospirativo, Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna si accontenta dell’equidistanza in termini di temi e registri, con esiti non disprezzabili ma tutt’altro che travolgenti.

Fly Me to the Moon

Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna è attualmente in programmazione nelle sale italiane, distribuito da Eagle Pictures.

Dove vedere Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna in streaming

Al momento non disponibile su nessuna piattaforma.
Overall
6.5/10

Valutazione

Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna funziona quando affronta il cinico marketing targato USA, ma lascia a desiderare sul fronte della rom-com, davvero poco ispirata nonostante le buone prove di Scarlett Johansson e Channing Tatum

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