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Lacci: recensione del film di Daniele Luchetti con Alba Rohrwacher

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Dopo la pandemia e il conseguente lockdown nella stragrande maggioranza delle nazioni del mondo, il cinema prova a ripartire da Venezia 77, con una selezione dal minore richiamo mediatico rispetto all’abbondanza degli anni passati, ma comunque meritevole di interesse. L’onore e l’onere di aprire le danze, nonché quello di tenere alta la bandiera del cinema nostrano, tocca a Lacci di Daniele Luchetti, basato sull’omonimo romanzo di Domenico Starnone, che è stato inserito dal New York Times nella lista dei 100 migliori libri del 2017. 

La storia di un matrimonio, dai toni decisamente più accesi e amari rispetto all’opera di Noah Baumbach che aveva incantato al Lido proprio lo scorso anno, scelta da Venezia e da 01 Distribution per un’insolita distribuzione: Lacci sarà infatti proiettato in sale selezionate già stasera, in contemporanea con la presentazione veneziana, per poi tornare al cinema in maniera stabile a partire dall’1 ottobre. Un segnale di vicinanza fra festival e distribuzione, in un’annata falcidiata dal COVID-19.

Lacci apre Venezia 77

Lacci

© Gianni Fiorito

Per molto tempo ci siamo chiesti come ripartirà il cinema italiano dopo la pandemia. Si cercheranno nuove strade? Atmosfere diverse? Riletture originali della nostra complessa realtà? La prima risposta che arriva da Venezia 77, che piaccia o meno, è decisamente più convenzionale. Luchetti ci trasporta nella Napoli degli anni ’80, mettendoci di fronte alla fine di un amore. La coppia formata da Aldo (Luigi Lo Cascio) e Vanda (Alba Rohrwacher) entra infatti improvvisamente in crisi quando lui si innamora della giovane collega Lidia (Linda Caridi), anteponendola al matrimonio, ai figli e alle proprie responsabilità.

Ha così inizio un viaggio avanti e indietro nel tempo lungo 30 anni, che avvalendosi di numerosi interpreti dei vari personaggi (fra gli altri anche Laura Morante, Silvio Orlando e Giovanna Mezzogiorno) ci trascina in un vortice di imbarazzo, rabbia repressa e verità taciute, che si trasformano in lacci capaci di legare indissolubilmente il destino dei protagonisti.

Nonostante la temporalità impazzita, ci troviamo davanti a niente di più e niente di meno di ciò che l’industria cinematografica italiana ha cavalcato negli ultimi decenni: un dramma familiare fatto di scontri verbali fra le mura casalinghe e incentrato sulle conseguenze a medio e lungo termine dei dissapori fra madre, padre e figli. Rispetto alle decine di opere nostrane sullo stesso tema che abbiamo visto negli ultimi anni, Lacci ha dalla sua un cast di ottimi interpreti (Orlando e la Morante i migliori a giocare sul non detto e sugli sguardi), una sceneggiatura che prende in prestito dal romanzo la volontà di muoversi fra le sfumature e su diverse chiavi di lettura e un comparto sonoro finalmente all’altezza, che ci fa dimenticare la fatica a cui troppo spesso siamo costretti per comprendere i dialoghi di produzioni italiane medio-grandi. Ma possiamo ancora accontentarci di questo?

Drammi familiari e stereotipi

Lacci

© Gianni Fiorito

Proprio il già citato Storia di un matrimonio ci ha dimostrato lo scorso anno che è possibile essere efficaci e originali anche con una trama ridotta all’osso (una coppia che si rompe e che cerca faticosamente di ritrovare un proprio equilibrio), a patto di credere fino in fondo nei propri personaggi, di attraversarli e di restituire allo spettatore qualcosa di vero, in cui sia possibile immedesimarsi. Malgrado le ambizioni e la lezione di Baumbach (che ritroviamo solo nelle due lettere che i protagonisti si scrivono e leggono a vicenda), Lacci non fa niente di tutto questo. Le rappresentazioni di Aldo (Lo Cascio e Orlando) e Vanda (Rohrwacher e Morante), pur incisive se prese singolarmente, sembrano fare capo a personaggi diversi, e non alle stesse persone invecchiate e maturate.

I personaggi secondari, d’altra parte, si configurano come degli stereotipi (la giovane vitale, il figlio con problemi relazionali a causa della dissoluta figura paterna), che esistono solamente in funzione di Aldo e Vanda, e che entrano ed escono di scena senza lasciare traccia e senza una vera e propria risoluzione. In un simile contesto, servono a poco i rimandi fra passato e presente (i dialoghi ricorrenti, il ricordo di una persona simboleggiato da delle foto gelosamente custodite), perché tutto ciò che dovrebbe farci appassionare a questa storia trentennale è tagliato fuori dal racconto. Restano così solo delle sporadiche sequenze di buon cinema e l’originale e insistita metafora dei lacci delle scarpe, unico flebile legame fra dei figli in difficoltà e un padre irresponsabile e al tempo stesso simbolo dell’ambivalente forza dei rapporti sentimentali e familiari: determinante sostegno a cui aggrapparsi e invisibili e asfissianti corde.

Lacci: una buona occasione persa

Lacci

© Gianni Fiorito

Nel particolare momento storico che stiamo vivendo, era forse lecito attendersi un film d’apertura più coraggioso e di rottura, che potesse offrirci una breve sbirciata sul prossimo futuro o un appassionato ricordo della vecchia normalità, che potrebbe non tornare mai più come prima. L’opera di Luchetti invece, proprio come i lacci che le danno il titolo, ci lega a un passato lontano nel tempo ma ancora determinante per ciò che siamo e ciò che desideriamo, facendoci sentire a nostro agio in una storia fatta di rabbia, mediocrità e nevrosi, ma lasciandoci anche un indesiderato retrogusto di buona occasione mancata.

Dopo il breve passaggio in sala del 2 settembre, Lacci arriverà nelle sale italiane l’1 ottobre, distribuito da 01 Distribution.

Overall
5/10

Verdetto

Nonostante le nobili intenzione, Lacci si rivela un dramma familiare stereotipato e convenzionale, che non toglie e non aggiunge nulla alle numerose produzioni nostrane su questo tema.

In evidenza

Ghostbusters – Minaccia glaciale: recensione del nuovo film degli acchiappafantasmi

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Ghostbusters - Minaccia glaciale

Ghostbusters – Minaccia glaciale arriva a 40 anni di distanza dal primo capitolo della saga, l’indimenticabile Ghostbusters – Acchiappafantasmi. Una ricorrenza temporale che da una parte funge da allerta sulla tenuta qualitativa di un franchise nato in un momento storico, culturale e produttivo completamente diverso da quello attuale, ma al tempo stesso ci deve ricordare che il pubblico di riferimento del film di 40 anni fa, cioè gli adolescenti e i giovani adulti, nel frattempo si sono trasformati nel migliore dei casi in adulti molto più disillusi dei ragazzini di allora. Una dinamica che non deve sostituirsi alla critica, ma evidenzia comunque i rischi connessi a questo progetto e in parte spiega la sua ricezione particolarmente divisiva, con tanto di prese di posizione molto nette da parte del pubblico e degli opinionisti social.

Tre anni fa, Ghostbusters: Legacy ha riportato in auge un franchise che per più di 30 anni si era nutrito solo del passato, delle serie animate e di Ghostbusters del 2016. fallimentare tentativo di reboot al femminile basato solo sull’idea di ripescare i comici e la comicità del Saturday Night Live, all’origine del primo film. La formula scelta è stata quella che i capitoli più recenti di Scream definiscono “requel”, cioè un ibrido fra sequel, reboot e remake in cui convivono personaggi storici di un franchise e nuovi protagonisti da lanciare, all’interno di una narrazione nostalgica che attinge a piene mani dalla trama e dalle dinamiche dei predecessori.

Una formula imposta all’attenzione generale da Star Wars: Il risveglio della Forza, sfruttata efficacemente anche dal regista di Ghostbusters: Legacy Jason Reitman, figlio del regista di Ghostbusters – Acchiappafantasmi Ivan Reitman, nel frattempo scomparso e omaggiato con una toccante dedica in Ghostbusters – Minaccia glaciale.

Ghostbusters – Minaccia glaciale: gli acchiappafantasmi fra presente e passato

Ghostbusters: Legacy ha coniugato la sempreverde nostalgia per gli anni ’80, condita da sfumature adolescenziali alla Stranger Things, con la voglia di fondere passato e presente al servizio di una commedia soprannaturale capace di unire diverse generazioni di personaggi e di spettatori. Un risultato abbastanza valido da portarci oggi a Ghostbusters – Minaccia glaciale, diretto da Gil Kenan ma basato fondamentalmente sulla stessa identica idea. Dopo il riavvio del franchise di tre anni fa, ci troviamo infatti di fronte a un secondo riavvio, che riporta ancora in scena i vari Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson e Annie Potts (stavolta più svogliati che malinconici) con l’intento di supportare i nuovi protagonisti, che nel frattempo avrebbero però dovuto essere sufficientemente amati da camminare sulle proprie gambe.

Una resa in partenza, che riverbera in un racconto in cui la nuova giovane protagonista Phoebe Spengler (Mckenna Grace) si muove insieme alla sua famiglia dall’Oklahoma a New York, per riprendere in mano l’iconica caserma dei pompieri, convertita a quartier generale degli acchiappafantasmi. Prevedibilmente, non mancano vecchi nemici e nuove minacce da affrontare, in particolare una che arriva da un lontano passato e dai ghiacci. Accanto ai vari Gary (Paul Rudd), Callie (Carrie Coon) e Trevor (Finn Wolfhard) ci sono novità come Nadeem Razmaadi (l’ottimo Kumail Nanjiani) e le già citate vecchie glorie, coinvolte a più riprese nella marcia di avvicinamento all’inevitabile confronto finale.

Lo spirito degli acchiappafantasmi

Slimer in una scena di Ghostbusters - Minaccia glaciale.

Jason Reitman stavolta è coinvolto solo come produttore e sceneggiatore, ma in Ghostbusters – Minaccia glaciale si respira la stessa voglia di riunire le generazioni del suo film precedente, insieme alla sua abilità di raccontare i tormenti degli adolescenti, già mostrata in Juno e Men, Women & Children. Il cuore emotivo di questo nuovo capitolo è infatti Phoebe, per distacco il migliore dei nuovi personaggi e qui alle prese con un profondo cambiamento, fra passione per la scienza, desiderio di portare avanti l’attività del nonno e le sue prime impacciate forme di socializzazione, rappresentate in questo caso da una ragazza trasformatasi in fantasma alla sua stessa età. Con la sua bulimia narrativa, Ghostbusters – Minaccia glaciale finisce però per annacquare questo risvolto sia in termini di contenuti (che peccato non aver avuto un po’ di coraggio in più nel raccontare quell’amicizia così speciale!) sia all’interno dell’economia di un racconto con troppi personaggi.

Si fatica non poco a comprendere personalità, paure e motivazioni di tutti gli elementi di questo eterogeneo e bizzarro gruppo di persone, al punto che i vecchi protagonisti, pur con poco spazio e senza particolari guizzi di sceneggiatura, finiscono per rubare più volte la scena ai più giovani. Nonostante tutto però Ghostbusters – Minaccia glaciale riesce, seppur con difficoltà, a ingranare la marcia, regalando agli spettatori qualche scoppiettante scena fra le strade di New York e una commistione fra comicità ed entità demoniache decisamente fedele allo spirito dell’originale, reclamato a gran voce dagli spettatori più critici sui reboot. Certo, la comicità non è più fedele alle atmosfere del Saturday Night Live (ma lo stesso Saturday Night Live ha mantenuto lo stesso spirito di quello di 40 anni fa?), le allusioni sessuali sono azzerate e la nostalgia domina sulla creatività, ma il risultato non è da buttare.

Ghostbusters – Minaccia glaciale: un capitolo senza infamia e senza lode

Il nuovo villain di Ghostbusters - Minaccia glaciale.

Pur con una sceneggiatura caotica e con qualche personaggio caratterizzato in maniera sciatta e inconsistente, Ghostbusters – Minaccia glaciale riesce, seppur in maniera derivativa e molto meno brillante, a compiere la stessa impresa di Ghostbusters – Acchiappafantasmi, cioè trasformare il disordine e l’eccesso narrativo (riguardate il primo capitolo: è pieno di errori e ingenuità che oggi scatenerebbero l’ira dei detestabili cacciatori di buchi di sceneggiatura, ma continuiamo ad amarlo lo stesso) in un racconto che sorprendentemente riesce a intrattenere.

Come per il già citato Star Wars e per altri franchise recentemente riportati alla luce, anche Ghostbusters è condannato all’eccellenza, nonostante l’unico film con consenso unanime e duraturo nel tempo in 40 anni di storia sia il primo. Un lavoro senza infamia e senza lode come Ghostbusters – Minaccia glaciale può quindi essere visto come un bicchiere mezzo vuoto, anche e soprattutto nell’ottica di un eventuale terzo film del nuovo corso, che se mai verrà realizzato dovrà necessariamente distaccarsi con maggiore forza e coraggio dalla storia del franchise, pur con il rischio di una caduta ben più rovinosa e definitiva.

Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd ed Ernie Hudson in una scena di Ghostbusters - Minaccia glaciale.

Ghostbusters – Minaccia glaciale è al cinema dall’11 aprile, distribuito da Eagle Pictures.

Overall
6/10

Valutazione

Ghostbusters – Minaccia glaciale si rivela un capitolo senza infamia e senza lode, penalizzato dalla coesistenza fra nuovi e vecchi personaggi ma capace comunque di dare vita a una gradevole commedia a sfondo soprannaturale.

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The Greatest Hits: recensione del film con Lucy Boynton

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The Greatest Hits

Prima il gioiellino Sing Street, poi Bohemian Rhapsody (in cui interpretava la fidanzata di Freddie Mercury, Mary Austin) e adesso The Greatest Hits. Quando si parla di musica e del suo potere salvifico, il luminoso e allo stesso tempo fragile sguardo di Lucy Boynton è evidentemente un punto di forza narrativo ed espressivo. La trentenne britannica è in questo caso alle prese con un racconto sentimentale a sfumature fantascientifiche, con cui Ned Benson torna alla regia dopo La scomparsa di Eleanor Rigby, struggente anatomia di una coppia montata da diversi punti di vista (Him, Her e Them) con Jessica Chastain e James McAvoy. Un dramma sull’elaborazione del lutto e sulla necessità di lasciarsi in qualche modo alle spalle una perdita, dalle notevoli ambizioni ma penalizzato da una scrittura non sempre a fuoco.

Al centro di The Greatest Hits c’è la giovane Harriet (Lucy Boynton), che scopre di avere il potere di tornare indietro nel tempo e rivivere i suoi ricordi con l’ex fidanzato Max (David Corenswet), tramite l’ascolto di alcune canzoni. Una dinamica che destabilizza la sua già tormentata personalità, portandola a chiudersi a riccio. Tutto cambia quanto Harriet nel presente conosce David (Justin H. Min), ragazzo segnato da un lutto con cui intreccia un legame sempre più profondo. In bilico fra due amori, la protagonista non può fare a meno di interrogarsi sulla possibilità di cambiare il passato e su quali possano essere le conseguenze sul presente.

The Greatest Hits: il potere salvifico della musica fra lutti e viaggi nel tempo

Il cinema non deve essere per forza il terreno del realismo. Abbiamo visto e amato le storie più fantasiose e improbabili, fra creature mitologiche, galassie lontane lontane e supereroi intenti a lottare fra di loro con bizzarri costumi. Un risultato garantito non solo dalla sospensione dell’incredulità, ma da una scrittura attenta a creare mondi con propri specifici dettagli, con determinate regole e con rapporti di forza ben delineati, a cui abbandonarsi nonostante la loro implausibilità. Anche film sentimentali come Questione di tempo e Un amore all’improvviso (entrambi con Rachel McAdams) hanno rispettato questa regola non scritta, che invece Ned Benson (anche sceneggiatore di The Greatest Hits) decide deliberatamente di mettere in secondo piano.

Harriet non ha solo ricordi del suo passato con Max, ma è in grado di andare fisicamente indietro nel tempo e può interagire con le persone che incontra, il tutto con la consapevolezza degli eventi che ha nel presente. Anche senza addentrarsi in riflessioni troppo cerebrali sui paradossi temporali (che ancora oggi accompagnano le discussioni più accese su Ritorno al futuro), questo potere apre diverse questioni, la più importante delle quali è ovviamente la possibilità di cambiare il corso degli eventi. Un potere che sarebbe fondamentale per la stessa Harriet, che tuttavia vive i suoi viaggi temporali prevalentemente in modo passivo, limitandosi a catalogare le canzoni che hanno effetto su di lei e a creare una sorta di timeline degli eventi principali del suo passato con Max.

The Greatest Hits: il problema della musica

Lucy Boynton in una scena di The Greatest Hits, disponibile dal 12 aprile su Disney+.

La scelta di sceneggiatura di Ned Benson è motivata dalla necessità di lasciare spazio al sentimento nascente fra la ragazza e David, ma il risultato è quello di minare dalle fondamenta The Greatest Hits. Come possiamo credere a un personaggio che non usa un potere soprannaturale nel modo in cui chiunque al suo posto farebbe immediatamente?

Un peccato originale che riverbera su altri elementi della caotica sceneggiatura, come la personalità contraddittoria della protagonista (prima chiusa in se stessa, poi lanciata in una nuova storia, poi ancora desiderosa di cambiare il suo passato) e l’elemento che dovrebbe essere portante in The Greatest Hits ovvero la musica. Riuscite a immaginare film con al centro la musica come Alta fedeltà, School of Rock, I Love Radio Rock e il già citato Sing Street senza una colonna sonora studiata approfonditamente in termini qualitativi e contenutistici? The Greatest Hits fa esattamente questo, affidandosi a una scaletta sbiadita e svogliata, in cui il brano più rilevante per la narrazione è incomprensibilmente I’m Like a Bird di Nelly Furtado (autrice anche di un cameo altrettanto sciatto nei panni di se stessa).

Un vero peccato, perché quando Ned Benson sceglie di addentrarsi nell’incontro di dolori e solitudini dei personaggi sa regalare anche momenti toccanti, che mettono in luce la caducità della nostra esistenza e la possibilità di superare anche i traumi più laceranti aprendo la porta al futuro e al prossimo.

Un film mal pensato e mal scritto

Justin H. Min e Lucy Boynton in una scena di The Greatest Hits, disponibile dal 12 aprile su Disney+.

Ned Benson ondeggia con tatto, sensibilità e inclusività fra i suoi personaggi (emblematico il personaggio nero e gay di Austin Crute, migliore amico di Harriet), per poi arrivare atterrare precipitosamente sul tema portante dell’intero racconto, ovvero la possibilità di cambiare il passato. Ne nasce un epilogo abbastanza originale e coerente, che tuttavia arriva quando i buoi sono già scappati, nonostante la bravura e l’espressività di Lucy Boynton, capace di colmare con il suo carisma molti vuoti del suo personaggio ma non di salvare un film mal pensato e mal scritto.

The Greatest Hits è disponibile dal 12 aprile su Disney+.

Overall
5/10

Valutazione

Nonostante la buona prova di Lucy Boynton, The Greatest Hits vanifica i suoi ottimi spunti con una sceneggiatura sciatta e una colonna sonora sbiadita.

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L’ultima notte di Amore: recensione del film con Pierfrancesco Favino

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L’ultima notte di Amore

Si apre con una sinuosa ripresa a volo d’uccello di una Milano torbida e malsana L’ultima notte di Amore, pregevole poliziesco dalle tinte noir di Andrea Di Stefano. Uno dei tanti virtuosismi registici di un’opera che si riconnette con la florida e in costante rivalutazione tradizione del cinema di genere italiano, dando vita a una commistione di malavita, corruzione e violenza all’interno della cangiante dimensione urbana della metropoli lombarda.

Dopo le notevoli esperienze all’estero con Escobar e The Informer – Tre secondi per sopravvivere, Andrea Di Stefano rientra in patria per tratteggiare la parabola umana e lavorativa di Franco Amore (interpretato da Pierfrancesco Favino), poliziotto in procinto di andare in pensione dopo 35 anni di lavoro. Mentre fervono i preparativi per la festa a sorpresa per il pensionamento, gestiti dalla moglie Viviana (Linda Caridi), l’ultima notte di lavoro di Amore si trasforma in un dramma sempre più cupo e teso, causato da una leggerezza del protagonista. Un errore di cui apprendiamo genesi e conseguenze, in un crescendo di disperazione e ferocia.

L’ultima notte di Amore: l’ottimo polar all’italiana di Andrea Di Stefano

Con le sue opere precedenti, Andrea Di Stefano ha già dimostrato di saper padroneggiare molte sfumature del thriller, in racconti all’interno dei quali si assottiglia sempre di più il confine fra bene e male. Ne L’ultima notte di Amore, il regista continua la sua esplorazione, addentrandosi nei territori già battuti dal grande polar francese ma con una sensibilità tutta italiana, traendo il massimo dalla città di Milano, crocevia di diverse culture e di notevoli interessi economici. Un progetto che testimonia una volta di più le grandissime potenzialità del cinema di genere italiano contemporaneo, troppo spesso soffocato da narrazioni stantie e sempre più distanti dal gusto del pubblico.

Quella di Franco Amore è una storia in cui in molti possono riconoscersi. La storia di un uomo devoto alla propria professione e con una forte etica morale e professionale (tale da permettergli di avvicinarsi al pensionamento senza un solo colpo letale sparato), che crolla nel momento in cui arriva una tentazione difficile da ignorare. L’ingenuità e la sottovalutazione dei pericoli fanno il resto, dando il via a una reazione a catena che costringe il protagonista a rivedere le proprie posizioni etiche e a mettersi addirittura contro alla sua famiglia, rappresentata dal cugino della moglie Cosimo (un ottimo Antonio Gerardi). Un personaggio bizzarro e al limite del macchiettistico, che tuttavia è funzionale alla descrizione di un crimine ormai globalizzato, in cui le dinamiche malavitose tipicamente italiane incontrano le organizzazioni estere e in particolare i clan cinesi.

L’ultima notte di Amore: un nuovo capitolo della Milano nera

Linda Caridi in una scena de L'ultima notte di Amore di Andrea Di Stefano.

Si respirano le atmosfere del cinema della Milano nera e soprattutto quelle della trilogia del milieu di Fernando Di Leo, introdotta con l’intramontabile cult Milano calibro 9. Lo sguardo di Andrea Di Stefano non è però rivolto al passato, ma è al contrario ben piantato nel cinema del presente, fatto di antieroi tormentati e fragili come Franco Amore e di donne sagaci e dominanti come la Viviana della formidabile Linda Caridi, femme fatale e allo stesso tempo unico barlume di speranza e conforto per il protagonista. Un cinema in cui le più prestigiose location delle grandi città italiane non sono utilizzate come mere cartoline, ma si trasformano invece in solide spalle narrative, come testimoniano il già citato piano sequenza iniziale in prossimità della stazione centrale o l’utilizzo del Duomo durante il climax conclusivo.

La vorticosa colonna sonora di Santi Pulvirenti è il calzante accompagnamento del tortuoso e angosciante viaggio di Franco Amore, Fuori orario nella sua ultima notte di servizio ma soprattutto fuori controllo nel momento in cui assiste a una vita intera mandata a rotoli. Inevitabile una menzione al consueto eccellente lavoro di Pierfrancesco Favino, che si conferma una certezza del cinema nostrano odierno dando vita a un personaggio accartocciato da spinte opposte e da emozioni contrastanti, lontano dagli stereotipi e da qualsiasi possibilità di semplificazione. Un carattere che, insieme a quello interpretato da Francesco Di Leva, ha il merito di portare alla luce anche il disagio dei poliziotti, spesso denigrati per le azioni di poche mele marce, ma composto in larga parte di brave persone sottoposte a una pressione difficilmente sostenibile.

Un solido prodotto di genere

Pierfrancesco Favino in una scena de L'ultima notte di Amore di Andrea Di Stefano.

Insieme a Il mio nome è vendetta di Cosimo Gomez e Adagio di Stefano Sollima, L’ultima notte di Amore testimonia la rinnovata vitalità del crime thriller italiano, capace di confrontarsi a testa alta con le omologhe produzioni estere anche e soprattutto dal punto di vista tecnico e registico, pur senza budget stratosferici. Un risultato riconosciuto anche dalla selezione del film nella sezione Berlinale Special Gala del Festival di Berlino 2023.

L’ultima notte di Amore si rivela un’opera matura e intelligente anche dal punto di vista della scrittura, che riesce nel non facile intento di rendere credibili ai nostri occhi anche le svolte narrative più disinvolte, accompagnandoci verso un finale in perfetto equilibrio fra ambiguità e suggestione.

Overall
8/10

Valutazione

Andrea Di Stefano continua la sua esplorazione del crime thriller, dando vita a un racconto cupo e teso, che testimonia la vitalità e le possibilità del cinema di genere italiano contemporaneo.

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