Recensioni
Scene da un matrimonio: recensione della miniserie con Jessica Chastain
Era necessario? Questa una delle domande che ci si pone più spesso quando si affrontano remake, sequel o reboot. Una domanda sbagliata in partenza (i film e le serie televisive non sono necessità), che però può spingerci a qualche riflessione in più sul senso di un progetto. Per esempio, un remake può essere motivato dalla volontà di aggiornare un racconto a un’epoca successiva o di collocarlo in un’altra area geografica. Un’operazione che può portare a risultati interessanti, senza scalfire minimamente la portata dell’opera originale. È questo il caso di Scene da un matrimonio, miniserie in 5 episodi di Hagai Levi targata HBO Max (in Italia dal 20 settembre su Sky e Now), che si confronta a viso aperto con l’omonimo capolavoro televisivo e cinematografico di Ingmar Bergman, dando nuova linfa all’amara e disincantata riflessione sulla coppia creata dal maestro svedese nel 1973.
Jessica Chastain e Oscar Isaac ereditano i ruoli che furono di Liv Ullmann ed Erland Josephson, riveduti e aggiornati al mondo di oggi, in cui i rapporti di forza all’interno della coppia sono ben più paritari rispetto a quelli di 50 anni fa. È quindi la moglie Mira a contribuire in maniera più determinante al bilancio familiare, grazie al suo ruolo di altissimo profilo in una prestigiosa azienda, mentre al marito Jonathan, impegnato in un lavoro più saltuario e prevalentemente casalingo, è affidato gran parte del carico delle faccende di casa, inclusa la cura dell’unica figlia della coppia. Proprio dalla moglie, a differenza del capolavoro di Bergman, nasce anche la frattura che esacerba la crisi già latente della coppia, che neanche una gravidanza indesiderata riesce a sanare.
Scene da un matrimonio: uno struggente e doloroso aggiornamento di Bergman
Si apre con una seduta di coppia questo Scene da un matrimonio, in cui non a caso viene chiesto a Mira quale sia il pronome con cui preferisce che ci si rivolga a lei, chiaro simbolo di un forte aggancio con la sensibilità contemporanea in tema di identità di genere. Hagai Levi (già creatore di The Affair) alza però ulteriormente la posta, mettendo Mira e Jonathan di fronte all’arrivo inaspettato di un secondo figlio. È in questo frangente che le strade dei due iniziano a separarsi, ed è anche a partire da questo episodio che Jessica Chastain e Oscar Isaac costruiscono le loro sontuose prove recitative. Attraverso microespressioni calibrate al millimetro e una gestualità studiata nei minimi dettagli, comprendiamo tutte le sfumature emotive dei due a proposito di questa gravidanza, estremamente gradita da Jonathan e non voluta da Mira, per motivi che comprenderemo pienamente solo in seguito.
La decisione che arriva in proposito, cioè quella dell’interruzione volontaria di gravidanza, scava un definitivo solco fra i due. Quello che a conti fatti si rivelerà il primo di una serie di errori della coppia («Come si può salvare un matrimonio con un aborto?», si chiederà tempo dopo Mira) è rappresentato da Hagai Levi con una sensibilità più unica che rara, capace di evidenziare sia la ferma volontà di una donna in questa difficilissima scelta, sia i tanti inevitabili dubbi in proposito. Una profondità che diventa la cifra stilistica e narrativa di Scene da un matrimonio, nel corso di un racconto che si estende lungo quasi 5 ore di minutaggio e diversi anni di racconto, passando attraverso tradimenti, ripensamenti, liti e ricerca di un nuovo equilibrio ed evidenziando le ragioni, le mancanze e le fragilità di questa coppia moderna.
Le monumentali performance di Jessica Chastain e Oscar Isaac
Se Scene da un matrimonio può permettersi di confrontarsi senza timore reverenziale con la pietra miliare di Bergman (che negli anni è stata la fonte di ispirazione più o meno esplicita di tanti altri progetti, fra cui Storia di un matrimonio di Noah Baumbach) è soprattutto grazie a Jessica Chastain e Oscar Isaac, che duellano in bravura per tutta la durata della miniserie, trasformando i dialoghi in azione e declinando la loro naturale chimica in interpretazioni struggenti e dai tempi recitativi perfetti, confermandosi due dei migliori interpreti della loro generazione. Una totale immedesimazione nei rispettivi ruoli sottolineata dallo stesso regista, che in apertura o chiusura degli episodi ci mostra gli attori sul set negli attimi precedenti o successivi alla loro interpretazione, donandoci così anche dei piccoli apprezzabili frammenti del backstage del progetto, compresi gli addetti ai lavori muniti delle mascherine con cui abbiamo purtroppo imparato a convivere.
Pur mantenendo la struttura dell’originale (solo un episodio in meno) e molti degli eventi principali, Scene da un matrimonio riesce a prendere la propria autonoma strada, non limitandosi a un mero scambio di ruoli ma inserendo anzi nella narrazione diversi elementi di contemporaneità, come l’instabilità affettiva, la poligamia e l’incertezza lavorativa, e anche spunti religiosi, legati prevalentemente alla profonda fede ebraica di Jonathan. Tutto questo in un racconto doloroso, che si incolla addosso allo spettatore e risulta addirittura a tratti difficile da guardare, proprio perché radicato in nervi scoperti e in timori che riguardano tutti noi. La scrittura perfetta dello stesso Levi (insieme a Amy Herzog) mette a nudo i limiti della coppia nel mondo di oggi, mostrandoci due persone profondamente innamorate l’una dell’altra, che per motivi caratteriali, ambientali e sociali non riescono a stare insieme, nonostante gli svariati sforzi in questa direzione.
Scene da un matrimonio: un valido e giustificato remake
Tornando alla nostra domanda iniziale, Scene da un matrimonio si rivela dunque un remake non necessario ma più che giustificato dalla continua mutazione della mentalità, della sensibilità e dei costumi, che si riflette inevitabilmente sui rapporti sentimentali. Un’opera acuta e vibrante, che aggiorna l’impareggiabile Bergman (omaggiato con qualche esplicita citazione) e impreziosisce la serialità contemporanea, lasciandoci con la speranza che in quest’epoca sempre più priva di certezze e punti di riferimento la stabilità, in amore e nella vita, possa essere trovata attraverso l’equilibrio fra le tante instabilità con cui dobbiamo quotidianamente confrontarci.
Se è vero l’adagio che un regista gira sempre lo stesso film, e più in generale che un autore racconta sempre la stessa storia, Paul Schrader ne è sicuramente una delle più fulgide prove viventi. Fin dalla sua leggendaria sceneggiatura per Taxi Driver di Martin Scorsese, passando per Hardcore e American Gigolò fino ai più recenti Il collezionista di carte e Il maestro giardiniere, Paul Schrader ci ha sempre proposto un canovaccio simile, pur con diverse declinazioni di senso e atmosfere: un uomo solo e ai margini della società, alle prese con il senso di colpa. Non fa eccezione alla regola The Basics of Philosophy, presentato Fuori Concorso a Venezia 83.
Il protagonista in questo caso è il Professore di Filosofia John Jorrisen (Jack Huston), che vive un’esistenza apparentemente tranquilla, destreggiandosi fra i suoi studenti e il fresco rapporto con la collega Rebecca Richards (Sofia Boutella). Nel suo appartamento spoglio e minimale è presente un pianoforte, che rimanda alla passione di gioventù per la musica ma anche a una gravissima colpa del passato, mai dimenticata o superata. Il libro sulla filosofia che John sta scrivendo si interseca con un maldestro tentativo di redimersi, che fa affiorare ricordi del padre (Bill Pullman) e del suo giovane allievo di allora (Daniel Zovatto), rischiando di mandare in frantumi la sua già compromessa esistenza.
The Basics of Philosophy: la nuova riflessione sul senso di colpa di Paul Schrader
Come dicevamo in apertura, è un Paul Schrader sempre uguale a se stesso, ma ogni volta con qualche sfumatura diversa. Stavolta non ci sono veterani del Vietnam, suprematisti bianchi o torturatori, ma un uomo a prima vista integerrimo, che però non è mai riuscito a superare l’unico imperdonabile errore commesso nella sua vita. Da qui la scelta di lasciare le lezioni di piano e dedicarsi alla filosofia, in particolare allo studio di Baruch Spinoza, che più di ogni altro ha ragionato proprio sul senso di colpa, stabilendo l’inutilità di questo sentimento e spingendo invece il genere umano a trovare la redenzione nella comprensione.
John però non si rassegna. Cerca la persona a cui ha causato incommensurabile dolore, si trattiene nel rapporto con la compagna rischiando di troncarlo, dà sfogo ai suoi più profondi istinti sessuali, in un’altalena emotiva fra passato, presente e fantasia, che include anche dialoghi immaginati con lo stesso Spinoza, la tentazione di ricorrere al letale Nembutal e il lutto per la morte dell’autoritario padre, figura determinante per la sua formazione e la sua crescita. Una storia che emana marciume morale a ogni angolo, in aperto contrasto con l’immagine pulita del protagonista e con l’essenzialità della messa in scena e della scenografia. Le domande si affastellano, come i dubbi dello stesso John, che non può andare avanti con la sua vita senza fare riemergere il dolore suo e soprattutto altrui.
Certo, Paul Schrader ha già detto queste cose e meglio, e le visioni di John a tratti sfiorano il ridicolo involontario, spezzando il climax. Ma a volte è piacevole perdersi anche in ciò che già conosciamo, e The Basics of Philosophy regala comunque momenti di cinema di alto livello, merce rara in un panorama di produzioni spesso asfittiche e impalpabili. Come sempre, questo eccezionale autore non ci dà risposte nette, neanche nel finale, aperto e spiazzante quel tanto che basta per permettere al film di lavorare sull’animo dello spettatore anche diverse ore dopo la visione.
«Bucking Fastard!», esclamano all’unisono le sorelle Jean e Joan Holbrooke durante il processo ai loro danni per stalking del loro vicino di casa ed ex concubino. Una sgrammaticatura che descrive un mondo intero, quello delle sorelle inglesi Greta e Freda Chaplin, conosciute personalmente e poi trasformate in cinema da Werner Herzog nel suo nuovo film Bucking Fastard, con protagoniste Rooney e Kate Mara. Un film folle di un maestro che la follia l’ha sempre cercata, amata e tramutata in arte, lungo una carriera sempre incentrata sull’esplorazione dell’animo umano.
Jean e Joan Holbrooke (che nella finzione cinematografica diventano irlandesi) hanno una caratteristica più unica che rara: nonostante siano sorelle non gemelle, pensano, parlano e agiscono all’unisono. Una particolarità che porta il tribunale all’interno del quale devono difendersi dal vicino Gareth Mulroney (Orlando Bloom) a permettere loro di difendersi insieme, e non a turno come vorrebbe la prassi legale. Apparentemente inizia così un legal movie su queste due donne ingenue, fuori dal mondo ma piene di vita, e sulla loro bizzarra storia. Un’apparenza che rimane però tale, dal momento che Werner Herzog con grande ironia e invidiabile libertà artistica fa deragliare continuamente il racconto verso territori e registri diversi, fino a un epilogo che richiama addirittura Fitzcarraldo e la sua leggendaria salita per la montagna, che in questo caso invece viene scavata per un tempo lunghissimo.
Bucking Fastard: non possiamo uscire, perché non siamo mai stati dentro
Bucking Fastard si presenta come una delle schegge impazzite di Venezia 83. Un’opera sfuggente e a tratti indecifrabile, che il regista dedica al suo compianto collega David Lynch, suggerendo implicitamente la sua natura difficilmente classificabile. Ma proprio come le più grandi opere del defunto maestro, Bucking Fastard non è solo conturbante, ma è anche e soprattutto un film di cuore, che Herzog dedica alle sue protagoniste, riprese sempre con sguardo sincero e amorevole. Due donne messe al bando dal mondo e giudicate frettolosamente e superficialmente, in quanto uniche e non omologate. Un soggetto che molti avrebbero trasformato in un racconto lacrimevole e ricattatorio, ma non Herzog. Il maestro mette infatti in campo tutta la sua ironia (si ha la netta sensazione che le riprese per lui siano state un vero spasso), riuscendo nel non facile intento di non rendere né noioso né melenso un film in cui le protagoniste parlano continuamente all’unisono.
Dopo un’inizio scoppiettante, Bucking Fastard compie sulle protagoniste un lavoro di apparente rieducazione, riportandole in società e facendole interagire con personaggi spesso altrettanto stralunati, come quello di Domhnall Gleeson. Questo segmento contiene alcune scene memorabili, fra cui il momento in cui le sorelle non riescono ad aprire una scatoletta. Si tratta però anche della fase più sbilanciata, dove si ha la sensazione che il racconto si stia accartocciando su se stesso. Così fortunatamente non è, perché Herzog fonde il tema dell’ossessione (onnipresente nella sua filmografia), la singolare storia delle sorelle e il suo straordinario talento da documentarista, trasportandoci in una grotta dentro cui Jean e Joan si mettono in testa di realizzare un tunnel, che può essere al tempo stesso metafora della loro esistenza, ideale ricongiunzione con il mondo e i suoi misteri, puro atto anarchico di Herzog e nulla di tutto questo.
La scheggia impazzita di Venezia 83
Fra richiami alla natura più pura e incontaminata (una volpe tanto affascinante quanto inquietante), un inno all’amore privo di misure e filtri di Jean e Joan e una sorta di riproposizione de La grande fuga al contrario all’interno del tunnel, si rimane confusi e allo stesso tempo suggestionati da un’opera che non porta nessun messaggio chiaro e univoco, ma forse proprio per questo resta impressa. «Non potete uscire, perché non siete mai state dentro», viene detto a Jean e Joan. Ma che sia anche Herzog a dirlo a noi spettatori?
Bucking Fastard arriverà prossimamente nelle sale italiane, distribuito da I Wonder Pictures.
Trent’anni dopo Lamerica, Gianni Amelio torna a guardare chi arriva. Allora era una nave sospesa in mezzo all’Adriatico, un finale lasciato aperto perché nessuno sapeva come sarebbe andata a finire. Oggi il regista riparte da quella domanda rimasta senza risposta e la porta nelle strade di Roma, con Nessun dolore, presentato alla Mostra del Cinema di Venezia 2026.
Al centro c’è Davide, un trentenne che vende libri di seconda mano in una piazza romana, più bravo a piazzarli che a leggerli. Al suo fianco Elsa, la cliente affezionata che gli procura i volumi e gli regala quella tenerezza quotidiana che tiene in piedi una vita semplice. L’equilibrio si spezza in un giorno qualunque, quando un bambino nordafricano che gli viene lasciato tra le mani come un pacco senza destinatario comincia a seguirlo in silenzio. Da lì una catena di eventi che Davide non governa: un incidente, la corsa in ospedale, l’incontro notturno con Aminah, un’adolescente algerina incinta appena sbarcata, e poi un appartamento che sera dopo sera si riempie di sconosciuti senza tetto, fino alla denuncia dei condomini e al carcere per favoreggiamento dell’immigrazione clandestina. Amelio lo dice apertamente nelle sue note: non crede che esista una soluzione politica al nodo migratorio, o che qualcuno voglia davvero cercarla. La soluzione, semmai, sta nella ragione e nel cuore di ciascuno, nella capacità sempre più rara di riconoscersi esseri umani.
Nessun dolore: un film di buoni sentimenti sul nodo migratorio
Un’intenzione limpida, che merita rispetto. Il problema è ciò che quell’intenzione produce sullo schermo. Nessun dolore vuole essere un film sull’empatia e finisce per essere un film di buoni sentimenti, così poco radicato nella realtà da tradire proprio l’umanità che vorrebbe difendere. Il suo impianto narrativo poggia su una figura che il cinema conosce bene e che la critica anglosassone ha chiamato white savior: l’uomo bianco che scende in campo, accoglie, protegge e infine paga di persona, mentre chi viene salvato resta sullo sfondo, oggetto di una generosità che non gli viene mai chiesto di ricambiare né di commentare. È una scelta che pesa sulla stesura del film, perché l’empatia che Amelio insegue si regge tutta sul protagonista e non lascia spazio a chi, in teoria, dovrebbe suscitarla.
Di Davide sappiamo tutto, e Alessandro Borghi lo restituisce con la consueta precisione. Sappiamo che cosa fa e come lo fa, come è fatto, che cosa legge e che cosa vende, come si muove tra la piazza e l’appartamento, quali sono i suoi cedimenti e le sue impuntature. Delle persone di cui decide di occuparsi, invece, non sappiamo nulla. Del bambino che gli viene affidato e che muore tragicamente, e che lui tenta di intercettare troppo tardi, non conosciamo un nome, una provenienza, un desiderio. Lo stesso vale per Aminah e per la folla silenziosa che a poco a poco occupa la casa: figure che il film inquadra, talvolta con affetto, ma di cui non racconta mai l’interiorità, la storia, lo spessore di una vita che esisteva prima di incrociare quella di Davide. Restano presenze che si dimenticano appena spente le luci in sala.
La scelta di Gianni Amelio
Si può obiettare che sia una scelta deliberata, e in parte lo è. L’Europa reale, molto spesso, tratta esattamente così chi arriva: come un numero, un caso, un’emergenza senza biografia. Ma il cinema avrebbe potuto, e dovuto, interrompere quel meccanismo invece di riprodurlo. Avrebbe potuto dare nomi, storie e identità a quei volti, restituire loro una voce autonoma, farne soggetti e non semplici destinatari della bontà altrui. Invece la loro identità viene schiacciata, ancora una volta, da quella di noi bianchi europei, convinti di una superiorità che passa anche attraverso la cultura, i libri, la capacità di raccontare. Davide legge poco ma vende parole; le persone che ospita non ne ricevono nemmeno una.
Ed è qui che Nessun dolore manca il suo bersaglio. Amelio invita a riconoscersi come esseri umani, e ha ragione nel dire che è la cosa più difficile e rischiosa. Ma per riconoscere qualcuno bisogna prima permettergli di esistere sullo schermo con la stessa pienezza concessa al protagonista. Finché lo sguardo resta quello di chi soccorre, e mai di chi viene soccorso, l’empatia rimane un sentimento a senso unico, e il film che la predica finisce per smarrire proprio le vite che voleva difendere.
Nessun dolore arriverà nelle sale italiane il 24 settembre, distribuito da 01 Distribution.