Sotto il sole di Riccione Sotto il sole di Riccione

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Sotto il sole di Riccione: recensione del film Netflix

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Dopo Summertime, Curon e la quarta stagione di Skam Italia, continua il rapporto fra Netflix e l’Italia in un contesto adolescenziale con Sotto il sole di Riccione, commedia scritta da Enrico Vanzina, Caterina Salvadori e Ciro Zecca e diretta dagli YouNuts!, alla loro prima regia cinematografica. Un’opera che sfrutta la location della Riviera romagnola e la florida tradizione del filone vacanziero nostrano per mettere in scena una leggera e spensierata commedia estiva, che pur non brillando in termini di originalità riesce ad adempiere al proprio compito di puro intrattenimento per un pubblico giovane o giovanissimo.

In un cast composto prevalentemente da promettenti giovani attori italiani (Lorenzo Zurzolo, Saul Nanni, Ludovica Martino, Davide Calgaro e Fotinì Peluso su tutti), spiccano anche alcuni interpreti più maturi, come Andrea Roncato, Isabella Ferrari (in una sorta di omaggio alla sua indimenticabile Selvaggia di Sapore di mare), Cristiano Caccamo e Tommaso Paradiso, autore di un breve cameo nei panni di se stesso, nonché delle musiche di Sotto il sole di Riccione.

Un’estate in Riviera
Sotto il sole di Riccione

Sulla spiaggia di Riccione si intrecciano le vite e i sentimenti di un gruppo di ragazzi, in bilico fra le prime difficili scelte della vita, le proprie cotte e l’irreprimibile desiderio di passare un’estate da sogno, all’insegna del divertimento più sfrenato. C’è il non vedente Vincenzo (Lorenzo Zurzolo), alle prese con le prime pulsioni amorose con l’aiuto di Furio (Davide Calgaro), ma anche l’incerta Camilla (Ludovica Martino), impegnata in una storia logora come Guenda (Fotinì Peluso). Completa il quadro Ciro (Cristiano Caccamo), arrivato a Riccione con sogni di gloria ma costretto a ripiegare su un più umile impiego come bagnino, in dubbio fra un amore a distanza e le tentazioni della spiaggia.

Allo stesso tempo, anche gli adulti scoprono o riscoprono l’amore: è questo il caso dell’apprensiva madre Irene (Isabella Ferrari), che trova il coraggio di rimettersi in gioco, non senza difficoltà, col buttafuori Lucio (Luca Ward), ma anche di Gualtiero (Andrea Roncato), ex playboy in pensione che nonostante la scorza da sciupafemmine riporta a galla, grazie a Tommy (Matteo Oscar Giuggioli) e Marco (Saul Nanni), sentimenti repressi da molti anni. Fra tradimenti e dichiarazioni romantiche, amori finiti e altri germogliati, l’estate si conferma la stagione in cui le emozioni e le esperienze nascono e si sviluppano nei modi più inaspettati.

Sotto il sole di Riccione: l’influenza di Sapore di mare

Sotto il sole di Riccione

Presentato dalla stessa produzione come una sorta di seguito spirituale del già citato Sapore di mare, Sotto il sole di Riccione condivide con il capolavoro di Carlo Vanzina la presenza di Isabella Ferrari, qui apprensiva e appassionata madre di un ragazzo non vedente, la voglia di rappresentare lo stato d’animo estivo di giovani e meno giovani e la capacità di dare vita a un racconto corale dalle sottotrame semplici ma interconnesse. Le similitudini fra le due opere in realtà non vanno molto oltre, dal momento che il lavoro di Vanzina, esaltato da validi comici come Jerry Calà, Christian De Sica e Guido Nicheli, da una regina del cinema italiano come Virna Lisi e da una serie interminabile di efficaci comprimari, era imperniato sulla nostalgia per gli anni ’60, visti dagli anni ’80, e su una colonna sonora composta da intramontabili brani della nostra musica leggera.

Sotto il sole di Riccione è invece un’opera che ha protagonisti mediamente più giovani, fortemente ancorata alla contemporaneità e indissolubilmente legata a Tommaso Paradiso, con i suoi tormentoni estivi a fare da collante alle fasi più salienti del racconto. Gli YouNuts! convincono sia per la loro regia pulita e dinamica, chiaramente influenzata dalla loro esperienza sui videoclip, sia per la capacità di sfruttare per fini narrativi i modi di dire e di comunicare dei più giovani. Le chat si intersecano nel racconto in maniera sorprendentemente naturale, anche rispetto ad altre produzioni originali Netflix, e gli amati/odiati messaggi vocali si trasformano addirittura in toccante modo di esprimere i propri sentimenti per il personaggio del sempre più bravo Lorenzo Zurzolo.

I difetti di Sotto il sole di Riccione

Sotto il sole di Riccione

Quando poi una storia Instagram supera in termini di velocità ed efficacia quella che nel cinema di qualche decennio fa sarebbe stata una disperata corsa verso la stazione, si ha la chiara sensazione che Sotto il sole di Riccione sia in grado non soltanto a parlare con semplicità e sincerità al suo giovanissimo pubblico di riferimento, ma che lo faccia anche riuscendo a svecchiare e adattare al presente delle dinamiche che costituiscono l’ossatura di un preciso filone del nostro cinema. Dal titolo in stile musicarello, che riprende esplicitamente un passaggio di Riccione dei Thegiornalisti, alla volontà di strizzare l’occhio alle difficoltà dei ragazzi di oggi, passando per la precisa scelta di adottare il registro della commedia popolare e leggera, sono diversi gli elementi che accomunano Sotto il sole di Riccione a molto cinema del nostro passato. E non è detto che questa strategia sia un male.

Anche se questa opera prima degli YouNuts! è decisamente confortante, soprattutto nell’ottica della valorizzazione di storie fatte da giovani per giovani, veicolate dallo streaming, non è esente da difetti. Pur mettendo da parte l’abisso musicale che separa Sotto il sole di Riccione dai suoi modelli (Sapore di mare poteva giocarsi nei momenti topici Una carezza in un pugno, Una lacrima sul viso e Celeste nostalgia, qui ci si deve accontentare di Completamente), non tutto funziona a dovere dal punto di vista narrativo. Alcuni personaggi sono solamente abbozzati e fatichiamo a comprendere le loro motivazioni (in primis quello della pur brava Giulia Schiavo) e nell’affastellamento di storie qualcosa si perde per strada (la storyline che coinvolge Luca Ward e Isabella Ferrari), fino a giungere a un finale decisamente abborracciato. In generale, mancano le battute fulminanti, anche quelle più volgari, che hanno fatto la fortuna della commedia vacanziera anni ’80 e ’90.

Sotto il sole di Riccione: un esempio per le produzioni italiane Netflix del futuro?

I difetti sopraelencati non pregiudicano però il giudizio positivo su un prodotto che nella sua semplicità riesce a coinvolgere e intrattenere, senza vistose cadute di stile. La convinzione con cui Netflix sta puntando sul pubblico degli adolescenti, in Italia e all’estero, e i diversi punti lasciati in sospeso ci portano a pensare che Sotto il sole di Riccione possa essere il primo capitolo di una serie di film ambientati in Riviera, con un gruppo più o meno stabile di personaggi e interpreti. E in un mondo dell’intrattenimento fiaccato dalla pandemia e dai suoi strascichi, questo potrebbe essere un valido esempio di ripartenza delle nostre produzioni, promozione delle località turistiche nostrane e valorizzazione dei giovani talenti italiani. Niente male, no?

Overall
6.5/10

Verdetto

Nonostante qualche problema nella gestione dei tanti personaggi e delle varie sottotrame, Sotto il sole di Riccione adempie al suo compito di intrattenimento per un pubblico di giovanissimi, raccontando con spensieratezza e semplicità gli adolescenti di oggi.

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Scoop: recensione del film Netflix con Gillian Anderson

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Scoop

L’intervista concessa dal duca di York Andrea alla BBC, incentrata sulla sua amicizia con il famigerato Jeffrey Epstein e sul suo possibile coinvolgimento in reati sessuali, è stata indubbiamente uno spartiacque per la famiglia reale britannica. Non tanto per le conseguenze sullo stesso Andrea (a cui la madre Elisabetta ha revocato il titolo di Altezza Reale e i gradi militari), ma perché ha evidenziato lo scollamento totale fra la percezione della corona e l’opinione pubblica, già messa a dura prova dai ripetuti scandali. Una vicenda brillantemente messa in scena in Scoop, film Netflix di Philip Martin con Gillian Anderson, Billie Piper, Keeley Hawes e Rufus Sewell.

Un duello dalle sfumature western (come esplicitamente detto durante il film) fra due istituzioni britanniche, accomunate dagli stessi problemi nella comunicazione. Da una parte la BBC, legata a un giornalismo tradizionale e in difficoltà a mantenere il passo della concorrenza sui vari media; dall’altra la famiglia reale e nello specifico Andrea, intenzionato a riprendere il controllo della narrazione nel maldestro tentativo di ripulirsi l’immagine. Sulla base di Scoops: The BBC’s Most Shocking Interviews from Prince Andrew to Steven Seagal di Sam McAlister, viviamo così la genesi di questa storica intervista, fortemente cercata da lei stessa in qualità di produttrice (impersonata da Billie Piper) e sagacemente condotta da Emily Maitlis (Gillian Anderson, strepitosa come sempre).

Con il passare dei minuti, assistiamo allo sgretolamento delle certezze di Andrea (un mimetico Rufus Sewell) e della sua segretaria personale Amanda Thirsk (Keeley Hawes), incapaci di cogliere l’inefficacia della loro strategia comunicativa su una vicenda a dir poco sinistra, che coinvolge diverse ragazze minorenni all’epoca dei fatti.

Scoop: l’intervista al principe Andrea fra grande giornalismo e pessima comunicazione

Billie Piper in un'immagine di Scoop, nuovo film originale Netflix sulla celebre intervista della BBC al Principe Andrea

Anche se l’intervista è ricostruita con dovizia di particolari (le parole ovviamente, ma anche le luci, la scenografia, la postura dei corpi), il cuore di Scoop è rappresentato dal giornalismo. Un giornalismo messo sempre più in crisi dai social, che portano i lettori a diventare parte attiva dell’inchiesta e del dibattito (come sottolinea la stessa Sam McAlister), ma anche e soprattutto dall’aderenza a dinamiche dell’informazione ormai irrimediabilmente superate, responsabili di un progressivo allontanamento da ciò che oggi percepiamo come notizia o utile spunto di approfondimento. Una dinamica che si riflette sulle persone responsabili delle comunicazioni istituzionali, a loro volta legate a protocolli troppo rigidi e a una percezione distorta dei cittadini e del loro spirito critico.

Anche se in prima linea ci sono Andrea ed Emily Maitlis, lo scontro alla base di Scoop è soprattutto fra chi osserva i duellanti da dietro le quinte, ovvero Sam McAlister e Amanda Thirsk. Due donne che non mancano di sottolineare la loro stima reciproca, ma che per la loro diversa sensibilità sulla gestione di questo straordinario evento mediatico finiscono per trovarsi ai lati opposti della storia. Nell’ombra c’è poi una terza figura, cioè la Regina Elisabetta, sempre presente nonostante non sia mai in scena. Una presenza che aleggia sia sulla BBC, che teme una sua ingerenza sull’intervista, sia su Andrea, che al contrario si muove con disinvoltura eccessiva e fatale per il suo percorso all’interno della famiglia reale.

L’autogol della corona britannica

Gillian Anderson in un'immagine di Scoop, nuovo film originale Netflix sulla celebre intervista della BBC al Principe Andrea

Anche se ormai siamo abituati alle catastrofi comunicative, grazie soprattutto al notevole contributo alla causa delle istituzioni italiane, non si può che restare esterrefatti davanti a Scoop. Come è possibile che nessuno fra Andrea e il suo staff abbia compreso l’insostenibilità di una strategia basata sulla totale negazione di fatti ampiamente documentati da foto e testimonianze dirette? Perché durante le varie sessioni di prova per l”intervista (anch’esse mostrate nel film) non si è intervenuto sulla postura del duca di York, sul suo evidente imbarazzo e sulla sua mimica facciale, già da sola in grado di comunicare colpevolezza e disagio? Perché anche davanti all’evidenza nessuno dello staff della più celebre casa reale del pianeta è stato in grado di riconoscere un plateale boomerang a livello comunicativo?

Domande che al di là degli inevitabili capri espiatori sono destinate a rimanere senza risposta, ma testimoniano la differenza di velocità fra un’informazione in rapidissima evoluzione e un apparato politico, diplomatico e istituzionale semplicemente incapace di reggere il passo. Philip Martin, non a caso già alla regia di alcuni episodi di The Crown, riesce a trasformare in pregevole racconto questa dinamica, avvalendosi della sceneggiatura calibrata alla perfezione di Samantha McAlister, Peter Moffat e Geoff Bussetil e di interpreti formidabili, capaci di rendere elementi narrativi e comunicativi i silenzi, le esitazioni, gli sguardi e i più piccoli movimenti del corpo. Il risultato è una sorta di incidente stradale al rallentatore della famiglia reale, ancora più sconcertante perché avvenuto nella più totale trasparenza giornalistica e senza rilevanti scorrettezze da parte della BBC.

Scoop: l’essenza della notizia

Scoop si inserisce nella scia di opere come Tutti gli uomini del presidente, Quinto potere, Frost/Nixon e Il caso Spotlight, ricordandoci il ruolo del giornalismo come da cane da guardia del potere e l’essenza della notizia, cioè tutto ciò che per qualcuno non deve essere raccontato. Lo fa con un racconto compatto e inappuntabile dal punto di vista tecnico, che per una volta non ha bisogno di atti coraggiosi o di artifici retorici, ma si limita a mostrare con lucidità e chiarezza la mediocrità di certi uomini di potere, talmente sicuri di se stessi da non accorgersi neanche dei loro atti più autodistruttivi.

Scoop è disponibile dal 5 aprile su Netflix.

Overall
8/10

Valutazione

La storica intervista al principe Andrea rivive in un film Netflix dalla scrittura intelligente e dal formidabile comparto attoriale, in un inno al buon giornalismo e alla comunicazione efficace.

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Ripley: recensione della serie Netflix con Andrew Scott

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Ripley

Fin dalla sua nascita letteraria dalla penna di Patricia Highsmith nel 1955, il personaggio di Tom Ripley ha tracimato nel cinema e nella televisione. Lo ha fatto già nel 1956, con un episodio della serie Westinghouse Studio One, poi nel 1960 in Delitto in pieno sole di René Clément (in cui il celebre assassino è interpretato da Alain Delon) e soprattutto ne Il talento di Mr. Ripley di Anthony Minghella, film del 1999 con Matt Damon nel ruolo di Ripley e Jude Law in quello di Dickie Greenleaf, capace di trarre il massimo beneficio dalle location italiane e dalle sfumature più torbide del racconto. Un successo tale da stimolare anche l’adattamento di altri libri della serie di Patricia Highsmith ne Il gioco di Ripley di Liliana Cavani e Il ritorno di Mr. Ripley di Roger Spottiswoode, non altrettanto validi.

Arriviamo dunque al presente e nello specifico a Ripley, nuova miniserie Netflix in 8 episodi ideata da Steven Zaillian (sceneggiatore vincitore dell’Oscar per Schindler’s List – La lista di Schindler e autore degli script di altre opere come Gangs of New York, American Gangster e The Irishman) e con protagonista Andrew Scott nella parte dell’iconico assassino. Un progetto che arriva sulla scia di un rinnovato interesse per il crime (vero e fittizio) e del successo di Saltburn di Emerald Fennell, che in molti hanno associato alla parabola delittuosa di Ripley. Uno show dal notevole impatto visivo, girato in un elegante bianco e nero e in una riuscita commistione fra dialoghi in inglese e in italiano (apprezzabile da chi fruisce della serie in lingua originale), con il contributo di interpreti nostrani del calibro di Margherita Buy e Maurizio Lombardi.

Ripley: l’assassino nato dalla penna di Patricia Highsmith rivive nella nuova serie Netflix

Ripley
Cr. Courtesy of Netflix © 2024

Ci troviamo negli anni ’60, quando il truffaldino newyorkese Tom Ripley viene ingaggiato col compito di riportare a casa Dickie Greenleaf (Johnny Flynn), giovane rampollo che sta sfogando le sue velleità artistiche in una lussuosa villa sulla costiera amalfitana, in compagnia di Marge Sherwood (Dakota Fanning). Una volta giunto sul posto, Ripley scopre la bellezza di vivere nella comodità e nello sfarzo, per giunta a spese di altri. Nel tentativo di prolungare questo stato di grazia, l’uomo stringe un rapporto sempre più malsano e ossessivo con Dickie, che sfocia nel sangue. Ha così inizio una lunga serie di imbrogli, inganni e delitti, disseminati in diverse località italiane.

Steven Zaillian aderisce al romanzo di Patricia Highsmith, limitandosi a poche variazioni e ad alcune scelte di cast in ottica maggiormente inclusiva, prendendosi tempo per sviscerare ogni passaggio del racconto originale e compiendo un notevole lavoro sulla forma, che non si limita all’esaltazione degli scenari italiani, ma abbraccia la musica nostrana e la scenografia degli interni, fondamentale per alcuni snodi narrativi. Il risultato è spiazzante, soprattutto se paragonato alla fluidità e alla compattezza dell’adattamento di Minghella. La macchiettistica Italia da cartolina del film del 1999 (evidente in scene come l’esecuzione di Tu vuò fà l’americano in compagnia di Fiorello) lascia spazio a una rappresentazione altrettanto artificiosa, che spazia fra il neorealismo e le atmosfere felliniane. Questo all’interno di una cornice narrativa ipertrofica, che dilata a dismisura scene e dialoghi alla ricerca della suspense hitchcockiana, con risultati non sempre all’altezza delle ambizioni.

L’estetica di Ripley

Cr. Courtesy of Netflix © 2024

Allo stesso tempo, l’ampio minutaggio (siamo intorno alle 8 ore totali) consente a Steven Zaillian e Andrew Scott di scavare nella psiche contorta e inquietante di Tom Ripley, che con il passare dei minuti e con il progredire degli eventi sprofonda sempre più nell’abisso. Un ritratto umano ancora più disturbante in quanto in marcato contrasto con la bellezza che lo circonda, impreziosita dalla suadente voce di Mina e dalla bellezza e genuinità dell’Italia degli anni ’60, fermata nel tempo dalla fotografia in bianco e nero di Robert Elswit, fedele collaboratore di Paul Thomas Anderson e premiato con l’Oscar per il suo lavoro ne Il petroliere.

Nonostante gli sforzi e il pregevole lavoro sull’oggettistica e sulle opere d’arte (evidente il parallelo fra Tom e il Caravaggio da lui amato), Ripley cade nello stesso problema comune a gran parte della serialità recente, ovvero la mancanza di sintesi e di coesione, resa possibile dallo spazio illimitato garantito dallo streaming. La diluizione della discesa agli inferi del protagonista non porta a un maggiore spessore ma anzi ne limita l’efficacia, appesantendo inutilmente il racconto. In questo senso è ancora una volta impietoso il paragone con Il talento di Mr. Ripley di Anthony Minghella, capace di racchiudere l’intero arco narrativo in 139 minuti e con l’aggiunta dell’apporto di Jude Law, molto più carismatico di Johnny Flynn nella parte di Dickie Greenleaf.

L’importanza della sintesi

Ripley
Cr. Courtesy of Netflix © 2024

«Non leggi un romanzo in due ore. Ci vogliono otto ore, dieci ore, dodici ore – e ho sentito che avrei cercato di creare il ritmo e la bellezza della narrazione di quel libro in questa forma», ha dichiarato Steven Zaillian a margine di una proiezione di Ripley a New York. Parole rispettabili e figlie di un maestro della scrittura, che entrano però in contrasto con l’arte del racconto audiovisivo, capace di condensare in immagini decine di pagine. Pur apprezzando la cura e la ricerca estetica di questo nuovo adattamento, decisamente superiore alla media della serialità moderna, resta la sensazione che un maggiore controllo in fase di scrittura avrebbe probabilmente giovato a un racconto comunque suggestivo e avvolgente, ma non sempre avvincente.

Ripley è disponibile su Netflix dal 4 aprile.

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The Beautiful Game: recensione del film con Bill Nighy e Valeria Golino

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The Beautiful Game

Il cinema ha più volte affrontato il potere salvifico dello sport e in particolare del calcio, capace di dare a chiunque una seconda possibilità e di trasformare nel giro di poco tempo un gruppo di sconosciuti in una famiglia, in cui ogni elemento è disposto a sacrificarsi per il bene della squadra. Fuga per la vittoria, Sognando Beckham, i progetti italiani di Matti per il calcio e il recentissimo Chi segna vince hanno saputo raccontare tutto questo, con storie e registri diversi, facendo del calcio un’appassionante metafora del riscatto e della rivincita. Una dinamica in cui si inserisce perfettamente The Beautiful Game, nuovo film originale Netflix liberamente ispirato al progetto Homeless World Cup, che da oltre 20 anni organizza un vero e proprio mondiale fra nazionali composte interamente da calciatori senzatetto.

La cineasta britannica Thea Sharrock (Io prima di te, L’unico e insuperabile Ivan) dirige un’opera tutt’altro che perfetta ma comunque importante, che evidenzia come lo sport possa aiutare a superare barriere sociali, culturali ed economiche. Al centro della vicenda c’è la nazionale senzatetto inglese, impegnata nei preparativi per la nuova edizione della Homeless World Cup ospitata da Roma. Per rinforzare la squadra, il carismatico e abilissimo osservatore Mal (Bill Nighy) mette gli occhi su Vinny (Micheal Ward), talento cristallino e irrequieto. Pur riluttante, quest’ultimo accetta di prendere parte alla manifestazione e vola a Roma (che in realtà non ha mai ospitato l’evento) insieme al resto della squadra, composta da un’umanità variegata e tormentata. Seguiamo così la fase finale di un torneo tanto bizzarro quanto combattuto, condotto con sicurezza e comprensione da Gabriella (Valeria Golino), fra imprevisti e colpi di scena.

The Beautiful Game: rivincita e riscatto nella Homeless World Cup

The Beautiful Game

La Homeless World Cup era già stata raccontata nel film sudcoreano Dream, anch’esso disponibile su Netflix, ma in questo caso la regista e lo sceneggiatore Frank Cottrell Boyce hanno la valida intuizione di allargare lo spettro del racconto a elementi delle altre nazionali della competizione, pur mettendo sempre al centro dei riflettori la squadra inglese. Scelta che permette a The Beautiful Game di toccare diverse tematiche (le molestie, i conflitti bellici) e di raccontare tante storie incastonate nella storia principale del torneo, come del resto avviene nella realtà durante i veri mondiali di calcio, ineguagliabili incroci di culture diverse e delle più disparate parabole esistenziali e sportive.

Siamo nel campo del cinema sportivo più popolare possibile, in un progetto nato anche e soprattutto per porre l’attenzione su questa lodevole competizione sportiva, che nel corso degli anni ha aiutato centinaia di atleti o aspiranti tali a credere di nuovo in se stessi e a rilanciare le loro vite. Questo porta inevitabilmente ad alcune semplificazioni narrative, nonché a messaggi importanti e condivisibili affrontati in modo eccessivamente didascalico. Il dolore dei calciatori è solo sfiorato e assistiamo a un prevedibile trionfo dei buoni sentimenti, dell’inclusività e del fair play, nella cornice della solita Roma da cartolina, con tanto di gita alla Fontana di Trevi.

L’importante non è vincere ma partecipare

L’importante non è vincere ma partecipare, e The Beautiful Game coglie pienamente questo spirito, creando empatia nei confronti dei tanti piccoli traguardi da raggiungere per le varie nazionali e dando vita a una storia di sport tutt’altro che scontata nello svolgimento e nella conclusione, grazie anche alla possibilità del “prestito” di un giocatore eliminato per le squadra che avanzano nel torneo. Il livello amatoriale della competizione e il campo di dimensioni ridotte consentono inoltre a The Beautiful Game di essere abbastanza credibile dal punto di vista tecnico e agonistico, pur con qualche comprensibile forzatura e con l’inevitabile enfasi su alcuni virtuosismi dei protagonisti.

A fare la differenza, fuori dal campo, è il solito strepitoso Bill Nighy, che come ha dimostrato in I Love Radio Rock è semplicemente perfetto nella parte dello strambo leader di un gruppo di strambi, capace di mantenere sempre eleganza e aplomb. Il suo Mal è in delicato equilibrio fra commedia e dramma, fra grinta e rimpianto, ma è purtroppo appesantito da una sottotrama vagamente sentimentale con il personaggio di Valeria Golino, che nulla aggiunge al potere edificante di questa storia di vita e sport.

The Beautiful Game: il potere salvifico del calcio

The Beautiful Game

The Beautiful Game scivola comunque senza intoppi o particolari guizzi verso un epilogo non scontato, che ha il merito di trasformare un intero torneo di perdenti in un gruppo di persone vincenti e protagoniste, almeno per un giorno. Mentre sui titoli di coda scorrono immagini e risultati della vera Homeless World Cup, risuona così il qualunquista e ipocrita adagio «Ma sono solo 22 scemi che corrono dietro a un pallone», mai come in questo caso falso e irrispettoso nei confronti di chi, anche solo per una volta, ha cercato di dimenticare sfortuna e problemi attraverso il calcio.

The Beautiful Game è disponibile dal 29 marzo su Netflix.

Overall
6.5/10

Valutazione

Thea Sharrock firma un film sportivo non esente da difetti e ingenuità, sorretto dal solito spumeggiante Bill Nighy e dallo spirito della vera Homeless World Cup, che nel corso degli anni ha dato sollievo e conforto a centinaia di atleti provenienti da tutto il mondo.

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