Recensioni
Un giorno di pioggia a New York: recensione del film di Woody Allen
Ci voleva un 84enne pessimista regista newyorkese, inefficacemente spinto verso l’esilio artistico da una grottesca polemica su fatti risalenti a oltre 25 anni fa e già passati al setaccio dalla giustizia, per dare una ventata d’aria fresca alla rom-com, uno dei generi più indeboliti dallo scombussolamento dell’industria cinematografica contemporanea. Con Un giorno di pioggia a New York, Woody Allen dà nuovamente fiato al suo umorismo sui rapporti sentimentali e al suo corrosivo sguardo sulla borghesia, puntando i fari sulla giovane coppia composta da Gatsby Welles (Timothée Chalamet) e Ashleigh Enright (Elle Fanning), rampolli di buona famiglia che si recano nella Grande Mela per un’intervista da lei ottenuta con il celebre regista Roland Pollard (Liev Schreiber).
L’improvvisata gita nella amata New York di Allen, suggestiva location per tutti gli innamorati, fa però emergere ben presto i dissidi all’interno della coppia. Il dandy svogliato e irrisolto Gatsby, talmente fortunato al gioco da faticare a spendere i soldi vinti, vaga per la città, imbattendosi in Shannon (Selena Gomez), spigliata sorella di una sua ex, mentre la svampita e ingenua Ashleigh vive un battesimo di fuoco con il mondo del cinema, barcamenandosi fra gli sbalzi d’umore di Pollard, le vicende personali del suo sceneggiatore Ted Davidoff (Jude Law) e l’incontro con la star Francisco Vega (Diego Luna). Un romantico weekend di coppia si trasforma così in una severa lezione sul sottile equilibrio fra le aspirazioni, l’amore e le difficoltà della vita.
Fra Fitzgerald e Fellini
In fondo, il senso di Un giorno di pioggia a New York sta tutto nel titolo, e solo un po’ più velatamente nel nome del protagonista Gatsby Welles. Gatsby, come il miliardario triste Jay che abbiamo imparato a conoscere e amare nelle pagine di Francis Scott Fitzgerald e negli adattamenti cinematografici con Robert Redford e Leonardo DiCaprio. Welles, come l’Orson regista di Quarto potere (che Allen ha inserito nella lista dei suoi 10 film preferiti), simbolo per eccellenza del cinema, che gioca un ruolo fondamentale nella bizzarra giornata della coppia della protagonista. Facile infatti ritrovare negli sbalzi d’umore di Davidoff e Pollard e nello squallore di Vega la demitizzazione degli ambienti intellettuali da sempre cara ad Allen, mentre l’intero canovaccio ha più di un punto di contatto con Lo sceicco bianco di Federico Fellini, un altro mito del regista americano.
Come Isaac Davis di Manhattan, Gatsby è alla ricerca di un motivo per cui valga la pena vivere. E poche città al mondo hanno il potere di ispirare come New York, la musa per eccellenza del cinema di Allen. Chalamet coniuga la sua espressività con l’apatia esistenziale di Gatsby, trascinandosi indolentemente fra i vicoli e le tipiche case a schiera della Grande Mela, familiari a tutti gli amanti del cinema americano, e in alcuni luoghi iconici, come il Metropolitan Museum of Art, il Greenwich Village o l’immancabile Central Park. Un giorno di pioggia a New York riprende la grande tradizione della commedia sentimentale americana, giocando sui contrasti fra Gatsby e la punzecchiante Shannon e fra l’inesperienza di Ashleigh e la meschinità delle persone con cui si confronta, muovendosi con passo spedito e leggero verso un atto conclusivo che sembra uscito da un film di George Cukor per la sua schiettezza.
Un giorno di pioggia a New York e la fotografia di Vittorio Storaro
Allen mette per una volta in secondo piano le sue battute al fulmicotone, graffiando veramente solo in una manciata di occasioni e sempre nei segmenti con Gatsby protagonista (i suoi colloqui con il fratello, l’incontro con la escort interpretata da Kelly Rohrbach). Un giorno di pioggia a New York è però sempre genuino e gradevole, grazie al ritmo sempre perfetto dei dialoghi, ad alcuni efficaci tormentoni narrativi (il singhiozzo della Fanning nei momenti di eccitazione sessuale, le sessioni al pianoforte che mettono in mostra il lato più sensibile di Gatsby) e a una messa in scena di rara eleganza, esaltata da Vittorio Storaro. Il direttore della fotografia italiano, giunto alla sua terza collaborazione con Allen, si trova ormai perfettamente a suo agio con il regista, e come nel precedente La ruota delle meraviglie – Wonder Wheel si sbizzarrisce nell’utilizzo della luce per impreziosire i primi piani sui protagonisti.
In questa commedia dal retrogusto vintage, non mancano però elementi di modernità, che Allen rappresenta con un’empatia sorprendente. I tre giovani protagonisti, tanto incisivi nelle loro prove quanto irriconoscenti nel prendere le distanze dal regista allo scoppio delle polemiche che hanno rimandato la distribuzione di Un giorno di pioggia a New York, rappresentano sia l’instabilità dei rapporti sentimentali odierni, sia le difficoltà nel trovare una propria strada nella vita, anche per chi dispone di notevoli facoltà economiche e sociali. Particolarmente toccante inoltre il dialogo fra Chalamet e Cherry Jones (che interpreta la madre di Gatsby), capace di dare in una manciata di minuti senso e coerenza all’arco narrativo del protagonista e allo stesso tempo di rappresentare il contrasto generazionale fra genitori e figli, più attuale che mai.
Un giorno di pioggia a New York: perdersi e ritrovarsi nella Grande Mela
Probabilmente, fra qualche anno non annovereremo Un giorno di pioggia a New York fra i migliori lavori di una filmografia sconfinata come quella di Woody Allen. Resta però il rammarico per l’assurda riproposizione della vicenda di Dylan Farrow e per la successiva causa fra il regista e Amazon, che hanno tenuto bloccato in un limbo il progetto per oltre un anno, ma anche la soddisfazione per aver potuto essere, nonostante tutto, nuovamente testimoni dell’incrollabile vitalità artistica di una leggenda vivente della settima arte, capace ancora di incantare, pur con meccanismi narrativi ampiamente rodati, nella città del suo cuore.
E con il percorso artistico di Allen rivolto di nuovo verso l’Europa, già con il suo prossimo progetto Rifkin’s Festival, viene da chiedersi se abbiamo assistito anche all’involontario commiato cinematografico fra il regista e New York, forse non a caso citata esplicitamente per la prima volta in un suo titolo. Se così fosse, questa storia di amori che sfuggono per poi ritrovarsi, di occasioni perse e poi riacciuffate e di disincanto trasformato in travolgente passione, che ci lascia insolitamente con un pizzico di speranza, è la chiusura perfetta di un immaginario a suo modo romantico, capace di mettere a nudo le nostre debolezze e le nostre contraddizioni.
Un giorno di pioggia a New York è nelle sale italiane dal 28 novembre, distribuito da Lucky Red.
Cinema indipendente
De Palma: recensione del documentario di Noah Baumbach e Jake Paltrow
La recensione di De Palma, il documentario di Noah Baumbach e Jake Paltrow presentato alla 72ª Mostra del Cinema di Venezia: due ore di lezione di cinema affidate interamente alla voce di Brian De Palma.
De Palma è il documentario diretto da Noah Baumbach e Jake Paltrow sulla vita e la carriera di uno dei più talentuosi registi della New Hollywood, Brian De Palma. I due registi compiono fin da subito una scelta di campo che diventa al tempo stesso il maggiore pregio e il peggiore difetto della pellicola, ovvero eclissarsi completamente dal racconto, limitandosi a montare al meglio le fotografie e le scene più belle della carriera di De Palma in ordine rigorosamente cronologico e lasciando campo aperto alla sua parlantina. Il maestro intrattiene e affascina lo spettatore per quasi due ore con una serie di aneddoti sulle proprie opere e sulla propria vita, togliendosi più di un sassolino dalla scarpa su produttori, attori e sceneggiatori con i quali si è scontrato nel corso della sua memorabile carriera.
Baumbach e Paltrow ci restituiscono così il ritratto di quello che prima di tutto è un appassionato cinefilo e un adoratore delle opere dei suoi predecessori, da Sergej Ėjzenštejn ad Alfred Hitchcock (a cui non risparmia una stoccata sull’ultima parte della sua carriera) passando per Akira Kurosawa, dai quali ammette con grande sincerità e umiltà di avere tratto spunto e ispirazione. Un autore che per tutto il suo percorso umano e professionale ha cercato di rinnovarsi e migliorarsi sul piano tecnico e contenutistico, arrivando però all’amara conclusione che il meglio della carriera di un regista si concentri fra i 30 e i 50 anni, e che tutto ciò che viene dopo sia poco più di una rimasticatura di quanto fatto in precedenza.
De Palma: una lezione di cinema di due ore
Ci si accorge ben presto di non avere a che fare con un classico documentario, ma con una vera e propria lezione di cinema, in cui Brian De Palma ripercorre in un lungo one man show tutta la sua carriera: dagli inizi in compagnia degli amici Steven Spielberg e George Lucas, periodo durante il quale lanciò anche un giovane Robert De Niro in film come Ciao America!, Oggi sposi e Hi, Mom!, passando per i successi di Carrie, Scarface, Gli intoccabili e Carlito’s Way, fino alle ultime pellicole come The Black Dahlia, Redacted e Passion, alle quali, coerentemente con la tesi dello stesso De Palma sul declino della carriera di un regista dopo i 50 anni, viene dedicato meno spazio.
Nel corso del racconto, De Palma parla anche dei propri difficili rapporti con il mondo di Hollywood, sempre pronto a mettere le mani sulle sue opere distorcendone i contenuti, del sincero dispiacere per l’insuccesso commerciale di pellicole in cui credeva molto come Blow Out e dell’orgoglio per alcune sue scelte tecniche, come lo split screen de Le due sorelle, l’inseguimento nel museo di Vestito per uccidere e la scena finale di Carrie, film sul quale il maestro si autocompiace anche per il fatto che, a suo dire, i seguiti e i vari remake hanno commesso tutti gli errori che lui aveva diligentemente evitato.
Il documentario non tralascia nessuno dei film della carriera del maestro, dedicando a ognuno almeno un cenno. Fra aneddoti particolarmente interessanti e divertenti, come quello in cui un Al Pacino stanco delle ripetizioni della scena dell’inseguimento sul treno di Carlito’s Way approfittò di uno di quegli stessi treni per abbandonare il set e tornare a casa, o le reali provocazioni rivolte a Michael J. Fox da parte di Sean Penn sul set di Vittime di guerra, con lo scopo di tirare fuori un autentico sentimento di rabbia dal protagonista di Ritorno al futuro, e un pizzico di malinconia per un periodo che secondo De Palma semplicemente non è ripetibile, vorremmo che la conclusione non arrivasse mai, come quando ritroviamo un amico con il quale avevamo perso i contatti e che, dopo una serata di ricordi e risate, non vorremmo più lasciare.
In evidenza
Burn After Reading – A prova di spia: recensione del film dei fratelli Coen
Recensione di Burn After Reading – A prova di spia, la spy story grottesca dei fratelli Coen con Brad Pitt, George Clooney e Frances McDormand.
Burn After Reading – A prova di spia è un film del 2008 scritto e diretto da Joel ed Ethan Coen, presentato in anteprima mondiale alla 65ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, di cui è stato il film d’apertura. Fra i protagonisti del film, una vera e propria parata di star hollywoodiane: Brad Pitt, George Clooney, John Malkovich, Tilda Swinton, J. K. Simmons e l’immancabile Frances McDormand, moglie di Joel Coen nella vita reale. Burn After Reading si è rivelato un discreto successo di pubblico, raccogliendo più di 163 milioni di dollari nei box office di tutto il mondo, a fronte di un budget di circa 60 milioni.
L’agente della CIA Osborne Cox (John Malkovich) viene sollevato dal suo incarico a causa dei suoi problemi con l’alcol. Ritiratosi a vita privata, Cox comincia a trascrivere le sue memorie degli svariati anni passati nell’agenzia. Un CD contenente alcune sue scottanti rivelazioni finisce però accidentalmente nelle mani di Linda Litzke (Frances McDormand) e Chad Feldheimer (Brad Pitt), due inetti dipendenti di una palestra che decidono di ricattare l’ormai ex agente in cambio del loro silenzio. Parallelamente, Linda comincia una frequentazione con lo sceriffo federale Harry Pfarrer (George Clooney), che è anche l’amante della moglie di Cox, Katie (Tilda Swinton). Per una serie di casualità, incidenti ed equivoci, le vite dei protagonisti precipitano ben presto in un vortice di ossessione e pericolo.
Burn After Reading: una spy story nichilista e grottesca perfettamente incastonata nel cinema dei fratelli Coen
A una prima superficiale occhiata, Burn After Reading può sembrare un oggetto minore all’interno della strepitosa filmografia dei Coen, quasi una pausa frivola e disimpegnata dalle vette drammatiche raggiunte con Fargo, L’uomo che non c’era e Non è un paese per vecchi. Con una riflessione più attenta e approfondita, risulta invece chiaro e lampante che questa spy story nichilista e grottesca, quasi ai limiti del demenziale, si incastona perfettamente nell’universo cinematografico dei due fratelli, continuando la loro corrosiva satira sull’assoluta insensatezza di buona parte delle vicende umane e sul caos che le governa.
I registi divertono e soprattutto si divertono a ridicolizzare non solo le star hollywoodiane a loro disposizione, costrette a interpretare in maniera sublime e irresistibile una vera e propria manica di imbecilli, ma anche l’intero sistema politico e burocratico americano, dipinto come un covo di esseri abietti e immorali, ossessionati dalla paura di essere spiati e ricattati. Ma a uscirne con le ossa rotte è anche il ceto medio, raffigurato come una classe perennemente insoddisfatta e alla ricerca di futili consolazioni alla propria mediocrità. Intorno a questo scheletro, i Coen imbastiscono una commedia degli equivoci a tratti particolarmente intricata e complessa, resa però assolutamente spassosa da una sceneggiatura a orologeria e da interpreti in stato di grazia.
Burn After Reading mette in scena con cinismo e humour nerissimo i peggiori vizi e le più assurde paranoie dell’animo umano. Fra traditori seriali, agenti ossessionati da inesistenti complotti e ordinari impiegati in cerca di appagamento e sicurezza e miraggi di miracolosi interventi di chirurgia estetica, il circo imbastito dai fratelli Coen si muove come una scheggia impazzita: impossibile prevederne i successivi movimenti, impensabile cercare di comprenderne le dinamiche. La logica è superata dalla più profonda idiozia, l’umanità è eclissata dalla più bieca forma di egoismo. Non ci sono né buoni né cattivi, ma soltanto tante misere macchiette che si comportano in maniera folle e indecifrabile, alla ricerca di obiettivi irrilevanti o inesistenti.
Il lato più oscuro e grottesco dell’America in un’illuminante commedia degli equivoci
I Coen mantengono il ritmo sempre alto e trovano il giusto compromesso fra umorismo e azione, condendo il tutto con i loro proverbiali inarrivabili dialoghi e con alcune trovate comiche esilaranti, su tutte la sedia a dondolo del piacere ideata dal personaggio di Clooney. Formidabili le prove di tutti gli attori principali e in particolare di Brad Pitt, che riesce in un solo colpo a prendersi gioco di se stesso e a dimostrare la propria completezza come interprete, nella parte di un istruttore di palestra talmente stupido e inetto da diventare assolutamente delizioso. Un plauso anche alle puntuali musiche di Carter Burwell, assiduo collaboratore dei Coen, e alla fotografia di Emmanuel Lubezki, lontana dalle vette poetiche ed espressive dei suoi successivi lavori con Malick e Iñárritu, ma altrettanto efficace. Da segnalare inoltre il personaggio di John Malkovich, che 18 anni dopo sarà l’evidente riferimento di Martin McDonagh per la costruzione del protagonista di Wild Horse Nine, interpretato peraltro dallo stesso attore, premiato con la prestigiosa Coppa Volpi di Venezia 83.
Fra accelerazioni improvvise e colpi di scena, Burn After Reading approda a un finale esemplare nel definire l’intrinseco significato della vicenda, ovvero la totale assenza di senso e di logica. Dopo aver condensato con cinismo e sarcasmo in poco più di un’ora e mezza l’inadeguatezza e la pochezza del genere umano, i Coen ci dicono esplicitamente di non poter concludere o imparare assolutamente nulla dalla vicenda. Alla loro macchina da presa non resta quindi che darsela a gambe e allontanarsi beffardamente da questo teatro dell’assurdo e del grottesco, con un’ultima illuminante e irriverente inquadratura satellitare.
Il thriller erotico continua a manifestare segni di vitalità, inaspettati soprattutto in quest’epoca di neo puritanesimo. Lo avevamo notato con Acque profonde di Adrian Lyne, che già aveva alimentato il filone con opere del calibro di 9 settimane e ½ e Attrazione fatale, con il sottovalutato The Voyeurs con Sydney Sweeney e appena pochi mesi fa con Una di famiglia – The Housemaid, nuovamente con protagonista la prorompente star hollywoodiana insieme ad Amanda Seyfried. Ed è proprio a quest’ultimo progetto che guarda esplicitamente Verity, ultimo esponente di ordine di tempo di un’evidente tendenza alla rivisitazione dei racconti in cui convivono tensione ed erotismo.
Come Una di famiglia – The Housemaid, Verity nasce dalla penna di un’autrice in grado di compiere una vera e propria impresa per la società contemporanea, ovvero vendere milioni di libri in tutto il mondo. In questo caso non si tratta di Freida McFadden ma di Colleen Hoover, già adattata per il grande schermo con il recente It Ends with Us – Siamo noi a dire basta, noto per la verità più per le vicende giudiziarie scaturite dalla lavorazione del film che per l’effettiva qualità artistica. In entrambe le opere è inoltre presente un anomalo triangolo sentimentale, con uomo ambiguo e a tratti inquietante sospeso fra la sua fragile moglie e una donna più giovane e vitale, che entra casualmente in casa iniziando lentamente a costruirsi un proprio angolo. Triangolo che il regista di Verity Michael Showalter affida a tre star del calibro di Anne Hathaway, Dakota Johnson e Josh Hartnett.
Verity: Anne Hathaway e Dakota Johnson in un thriller erotico torbido e provocatorio
La Verity del titolo (nomen omen) è Verity Crawford (Anne Hathaway), celeberrima autrice di thriller moralmente ambigui, allontanatasi misteriosamente dalle scene in seguito a un grave lutto familiare. Per portare avanti il business, il marito Jeremy Crawford (Josh Hartnett) si mette in contatto con Lowen Ashleigh (Dakota Johnson), autrice dal riscontro commerciale decisamente modesto, ma da lui considerata affine allo stile della moglie. Dopo qualche tentennamento, Lowen accetta il lavoro di ghost writer per i successivi libri di Verity, che prevede anche di il temporaneo trasferimento nella lussuosa abitazione di famiglia nel Vermont, per accedere in libertà agli appunti della celebrata scrittrice. Giunta sul posto, Lowen scopre con sorpresa e tristezza che Verity è in realtà ridotta in stato catatonico. Quando si mette all’opera sugli appunti della sua collega, trova però degli scritti decisamente inquietanti, in bilico fra confessione e distorsione della realtà per fini narrativi. Mentre Lowen si addentra nei dettagli familiari attraverso la narrazione inaffidabile di Verity, nasce un rapporto sempre più intenso con Jeremy, in una cornice sempre più sinistra e torbida.
Michael Showalter si conferma regista eclettico e capace di inaspettati guizzi. Dopo le commedie The Big Sick – Il matrimonio si può evitare… l’amore no e Oh. What. Fun., il dramma biografico da Oscar per Jessica Chastain Gli occhi di Tammy Faye e la rom-com sull’age gap The Idea of You, il regista firma infatti un’opera sghemba, sbalestrata e contraddittoria, che riesce sorprendentemente a trovare una propria ragion d’essere, nonostante e per merito dei suoi stessi squilibri. C’è infatti molto thriller anni ’90 in Verity, in una cornice patinata scelta dal direttore della fotografia Jim Frohna per trasmettere l’andirivieni sognante fra realtà e fantasia ma capace al tempo stesso di rendere anche stucchevole un racconto che già chiede molto allo spettatore in termini di sospensione dell’incredulità. In aggiunta a questo, lo stesso registro del film è cangiante, se non del tutto imprevedibile: si passa con spericolata naturalezza da sfumature horror al dramma familiare, passando per la suspense e per rare ma apprezzabili scariche di erotismo, affidate soprattutto a Dakota Johnson. Il tutto in un impianto narrativo capace di causare una sincope ai cercatori di buchi di trama, che ridefinisce continuamente regole e avvenimenti, con personaggi che irrompono in scena per poi scomparire senza lasciare traccia.
L’impossibile ricerca della verità
Ci sarebbero dunque tutti i presupposti per il fiasco, che invece almeno dal punto di vista commerciale possiamo già considerare scongiurato. Nel momento in cui scriviamo infatti Verity ha già incassato 113 milioni di dollari, a fronte di un budget stimato in 40 milioni. Ma più che nelle comunque confortanti cifre al botteghino, il merito più evidente di Michael Showalter risiede nella libertà artistica con cui mette in scena un’opera volutamente provocatoria, che rompe tutte le regole non scritte della Hollywood contemporanea, talmente concentrata sulla volontà di non scontentare nessuno da finire spesso per scontentare tutti. Verity ci restituisce invece il piacere dell’inverosimile, il gusto per l’incoerenza, la simpatia per chi osa per il puro diletto nel farlo, senza essere mosso da nessuna ambizione artistica, politica e sociale.
La ricerca della realtà in Verity si trasforma così in un test di personalità su chi siamo noi come spettatori, persi fra un thriller hitchcockiano sul sempreverde tema del doppio, una passione morbosa e fedifraga, una riflessione sul racconto e sul mestiere di narrare storie, una rappresentazione dell’ambiguità morale del maschio contemporaneo e un inestricabile dramma familiare, poggiato sul contrasto fra travolgente successo e profondo lutto. Una storia di storie, in cui si muovono a loro agio il sempre più ritrovato Josh Hartnett (Trap e M. Night Shyamalan gli hanno regalato una seconda carriera), una Anne Hathaway tanto seducente quanto inquietante e persino l’incostante Dakota Johnson, il cui costante spaesamento è utilizzato brillantemente da Michael Showalter in chiave narrativa. Ciliegina sulla torta un epilogo aperto e ambivalente, coerente con un’opera che preferisce la suggestione allo svelamento, gli spigoli agli angoli smussati, le imperfezioni in bella vista alla falsa e vuota ineccepibilità.
Verity è attualmente in programmazione nelle sale italiane, distribuito da Eagle Pictures.